La curvatura de la córnea

13 agosto 2022

Gloria Bendita



 Tres personajes y un corazón

Adolfo Ayuso sitúa esta función en el terreno de las marionetas de manipulación directa integrando parte del actor. El objetivo es dar vida a un cuerpo ficticio que, a modo de extensión del titiritero, explora el espacio mediante una coreografía de dos cuerpos funcionando bajo la misma mente.

La relación entre titiritero y marioneta se gesta desde el mismo momento en el que ambos aparecen en escena, un comienzo diáfano que muestra el carácter de ambos personajes: Un actor que sufre pánico escénico, y una anciana con malas pulgas, resabiada por sus años mozos cuando daba el cante en una revista de poco pelo. La perfecta sintonía mecánica entre Josean y Gloria empuja la historia y la emoción fluye a través de una escenografía que nos recuerda como la basura, a poco que nos descuidemos, siempre forma parte de nuestras vidas. Sin embargo, la sorpresa inicial de una asociación íntima que benéfica a titiritero, público y marioneta, se va diluyendo entre avatares cotidianos y la incorporación de una Barbie que, entre filosofa y, se dispone a enriquecer la trama y convertirla en una trinidad, pero también diluye la simbiosis de dos personajes peleando contra el miedo y la soledad.

'Gloria Gloria' es el primer paso de un titiritero comprometido con una técnica de manipulación capaz de unificar en un solo cuerpo el transito de tres personajes, un salto mortal que merece aliento y admiración, sin embargo el desarrollo de la función desvela que a esta potente conexión física todavía le falta una perfecta sincronización del sistema nervioso y el flujo sanguíneo, elementos clave para mantener la tensión entre el texto escrito y la acción representada, que los latidos de las marionetas sean tan fuertes como la emoción del actor cuando canta: Sobreviviré. Buscaré un hogar.

                                                                        

Ficha Técnica 'Gloria Bendita'

Calificación: 3 estrellas

Producción: Arteria Producciones. Texto y dirección: Ana García Arnaiz. Interpretación: Josean Mateos.

Centro Joaquín Roncal. 11 de agosto de 2022.

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16 mayo 2022

Silencio

 


Romper el silencio

Joaquín Melguizo escribió en esta sección que el teatro no es literatura, es una acción representada que utiliza elementos escénicos para construir un discurso. La disertación de Mayorga para aceptar su ingreso en la RAE fue el inicio de ‘Silencio’. El dramaturgo, carterista de palabras pronunciadas en la calle, tomó conceptos teóricos sobre el significado del silencio en el arte dramático, usó algunas ideas propias y profundizó en la obra de otros autores para entender como utilizaban el silencio. Con todos estos materiales tejió una odisea en torno a la historia del teatro que pedía a gritos la intervención de una actriz capaz de crear silencios memorables.

Blanca Portillo, entre pausas y acotaciones, subió al escenario con las galas de un académico y justo cuando proclamó la importancia del silencio, la inoportuna llamada a un teléfono móvil rompió el mutis propio de la platea. El personaje del académico se tambaleó en tablas mientas la actriz que lo interpretaba inventó una pausa y un gesto que no estaban ni en el texto, ni en los ensayos. El tiempo se detuvo hasta que la función pudo continuar. La mala educación de un espectador demostró que el teatro es el arte del intérprete capaz de manejar el conflicto entre palabras y silencios. Conflicto era precisamente lo que le faltaba a un discurso que amenazaba con erudiciones matemáticas, hasta que la dramaturgia vino al rescate: Modificó el espacio, alteró el vestuario del personaje, retocó el peinado de la actriz, y mostró la voz de la mujer que riñe con su amigo revestido de académico.

El texto de Mayorga tiene la profundidad emocional y rítmica de la buena literatura que Blanca Portillo, con la sensibilidad de una mariposa y el fuego de una cerilla, transforma en la materia prima que le da candela al teatro.

 

Ficha Técnica ‘Silencio’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Avance y Entrecajas. Texto y Dirección: Juan Mayorga. Reparto: Blanca Portillo. Escenografía y vestuario: Elisa Sanz. Iluminación: Pedro Yagüe. Espacio sonoro: Manu Solís.

12 de mayo de 2022. Teatro Principal.

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07 mayo 2022

Comedia sexual de una noche de verano

 


Un ejercicio de melancolía

Jorge Drexler canta en su último disco que dos células del Mesoproterozoico decidieron mezclarse y sin saberlo, inventaron el amor y el sexo. Tras 1.600 millones de años de evolución, Woody Allen escribió un guión a partir de cuya máxima se ha construido esta comedia: El sexo alivia las tensiones que el amor genera.

La escenografía es un espacio onírico que se adapta con interesantes transformaciones a la coctelera narrativa que la función agita: El alboroto del amor tan pronto nos lleva a una comedia en la que prima la acción dramática de unos personajes que van y vienen del escenario, o se detienen en una pausa para darle relevancia al texto que describe con precisión su psicología y moralidad, a veces con un lenguaje ligero en busca de la risa fácil, y otras utilizando la ironía propia de la alta comedia y el cine de Woody Allen. En esa galería de retratos saltan chispas entre el amor existencialista donde lo más importante es la embriagada mirada subjetiva de quien solo quiere saciar sus apetitos sexuales, y el amor a primera vista herido por las flechas certeras de un deseo irresistible de amar y ser amado. Vaivenes de afecto y pasión para poner en entredicho los arquetipos sociales representados por cada uno de los protagonistas. La función afronta un reto difícil y se pierde entre tantos objetivos a los que atender: Comicidad visual de gag, comedia de enredo, duelos de palabras y un mundo mágico que abre la puerta a la esperanza.

La energía de la representación comenzó baja y aunque ganó potencia con el transcurso del tiempo, no alcanzó el punto de ebullición que necesita la comedia para generar sonrisas o carcajadas y así, con momentos aislados de humor, fascinación y entretenimiento, ‘Comedia sexual de una noche de verano’ es un ejercicio de melancolía.

Ficha Técnica ‘Comedia sexual de una noche de verano’

Calificación: 2 estrellas

Producción: Servicios Artísticos Insulares y SEDA Producciones. Versión teatral de la película A Midsummer Night’s Sex Comedy de Woody Allen: Triana Lorite. Dirección: Juan José Cuco Alfonso. Reparto: Fernando Soto, Mélani Olivares, Ismael Fritschi, Iris Díaz, Mingo Ruano y Raquel Arroyo. Escenografía: Carlos Santos Cabrera.

05 de mayo de 2022. Teatro Principal.

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19 abril 2022

Homenaje a los Álvarez Quintero

 Un viaje a los rudimentos de la comedia


El domingo 10 de abril Mundo Ficción Producciones presentó en el Teatro del Mercado un homenaje a los hermanos Álvarez Quintero con cuatro piezas del género chico y un monólogo en verso. El género chico nació en la segunda mitad del siglo XIX con breves obras de carácter cómico que, dentro de la corriente de literatura realista, dejaba atrás el teatro romántico de sentimientos y pasiones para escribir piezas caracterizadas por un argumento sencillo, escasa duración y poca transcendencia. En este caso se representó el monólogo en verso Filosofía alcohólica y cuatro sainetes andaluces: El cerrojazo, Sangre gorda, Ganas de reñir y Fea y con gracia. Un buen resumen de jocosas escenas costumbristas en las que se ridiculizan vicios y costumbres sociales dentro del marco general de la comedia.

Este homenaje a los hermanos Álvarez Quintero nació para conmemorar el 150 aniversario del nacimiento de Serafín y, como recordó Arturo Pérez Reverte en 2018, quizás ha llegado la hora de mirar a estas obras de teatro sin el barniz que el franquismo le puso a los tópicos andaluces para vestir España de patio de flores, un "adueñarse de los Quintero" del que a estas alturas de la historia es necesario huir, y para conseguirlo nada mejor que hacerlo como recuerdan los actores, "sin cambiar ni una coma de los textos originales" que transmiten "la alegría de vivir y ese sentir tan sevillano que nos refleja como sociedad y que ellos plasmaron como nadie" Ese legado es el que defiende la compañía desde el escenario.

Las obras de los hermanos Álvarez Quintero, en palabras de Mariano Paco, son el paradigma de la distancia que a veces hay entre la crítica dramática que tan solo veía comedias con una gran sencillez, y el éxito entre el público popular de la época atraído por una visión optimista de la vida. Para acercarme a estas piezas un siglo después de su estreno he decidido olvidar la novedad que supuso en su época y su posterior utilización por parte de la dictadura para centrarme en el mecanismo dramático con el que están construidas.

La función cumple con la idea básica de una comedia con personajes modestos, desenlace feliz y la intención de provocar la risa del espectador, todo desde un tono lleno de ternura y con unos personajes arquetípicos muy bien construidos por Carmen Canivell, Antonia Gómez, Alberto López y Alfonso Sánchez que manejan perfectamente el tránsito de una peripecia que va del equilibrio costumbrista al desequilibrio del conflicto, para terminar en un nuevo equilibrio igual de costumbrista que el inicial.

Es muy interesante la propuesta de mostrar a los actores preparándose para la actuación en el plano de la realidad, y como cruzan la línea al mundo de la ficción donde, la sencillez de la escenografía permite que todo el protagonismo recaiga en un trabajo actoral que marca perfectamente los ritmos que requiere un texto que, jaleado muchas veces desde la platea, integra a la perfección la ruptura constante de la cuarta pared para introducir al público en el meollo de la acción. La transición entre escenas es muy lenta para conseguir cambios escenográficos leves y, aunque la música y algunos guiños de los actores, rebajan el tiempo de espera, una mayor continuidad llevaría la comedia a otro nivel porque, precisamente el ritmo es uno de los aciertos en la construcción de la escenas en las que cada personaje tiene el tiempo y el espacio que su perfil pide para que la risa brote, desde el pánfilo patiparado hasta la guindilla que acelera ademanes, frases y el vaivén del abanico.

El monólogo en verso tienen un tratamiento diferente y, mientras el actor estaba atado al presente determinado por la silla, la mesa y el vaso, a mí me dio por pensar en la posibilidad de romper por una vez la tradición que tanto respeta la función, y cambiar la situación de ese filósofo alcohólico, transformar la acción atada a la silla, la mesa y el vaso para convertirla en un monólogo estándar de stand up comedy con el filósofo de pie, sobrio y delante de un micro recordando el sucedido en el pasado. Y esa sea, vaya usted a saber una tarea por hacer: Situar los textos de los hermanos Álvarez Quintero al primer tercio del siglo XXI.

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Producción: Mundo Ficción Producciones y SEDA. Autores: Serafín y Joaquín Álvarez Quintero. Dirección: Alfonso Sánchez. Reparto: Alfonso Sánchez, Alberto López, Carmen Caniveil, Antonia Gómez Grande. Escenografía: Pepe Távora. Vestuario: Pilar Rubio Diseñadora-

Teatro de las Esquinas. 10 de abril de 2022.


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09 abril 2022

Tartufo. Cuatro siglos de mentiras

 


Cuatro siglos de mentira

Molière utilizó el humor para criticar la sociedad del siglo XVII con intención lúdica pero también moralizante. Tartufo es un hipócrita consciente de su maldad que desnuda a los pusilánimes para situarlos ante la certidumbre de su necedad. El poder subversivo de esta obra se mantiene vigente en un mundo donde la realidad sólida y palpable sucumbe ante la percepción líquida de la postverdad.

La propuesta de Ernesto Caballero es un acierto que invita a jugar con la mentira como marco conceptual. La dramaturgia mezcla pasado y presente tuneando la excelente versión del texto clásico de José Marchena con otros elementos dramáticos: El metateatro a modo de paréntesis para la reflexión, la farsa que caricaturiza la mímica de los personajes o el contrapunto de la comedia con las refrescantes réplicas de una criada tiktoker interpretada por María Rivera. La combinación de estos elementos culmina un ejercicio de comparación entre la mentira que se ocultaba en el siglo XVII con la moraleja final del embustero en la cárcel, y la trola de la actualidad reproducida sin cortapisas, en los morros del papanatas que reconocerá lo estúpido de su comportamiento, mientras permite que el fulero con aires monárquicos siga sobrevolando la danza grotesca de una realidad paralela que perrea con la demagogia y la manipulación.

El elenco está a la altura del reto, y da gusto ver como Pepe Viyuela domina la gestualidad del payaso que lleva dentro, para dejar el tiempo y el espacio que necesitan las palabras de Tartufo. Paco Déniz dibuja con claridad a un Orgón que, unas veces atónito y otras cabreado, siempre es un imbécil que me hace sonreír. Silvia Espigado maneja con eficacia a Elmira, un personaje que mezcla pero no agita el verso clásico, la tentación moderna y una elegante comicidad.

 

Ficha Técnica ‘Tartufo’

Calificación: 3 estrellas.

Producción: Lantia Escénica. Autor: Molière. Versión y dirección: Ernesto Caballero. Traducción versificada: José Marchena. Reparto: Pepe Viyuela, Paco Déniz, Silvia Espigado, Germán Torres, María Rivera, Estíbaliz Racionero, Javier Mira y Jorge Machín.

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21 marzo 2022

Lysistrata

 





Cádiz es Atenas con más salero

Aristófanes retrató la sociedad con el filtro de la comedia para que el sarcasmo avivara el espíritu crítico que, en el caso de ‘Lysístrata’, lo sitúa en el ámbito de la guerra entre Atenas y Esparta, mientras la acción dramática recae en todo tipo de burlas e ironías alrededor de las relaciones sexuales entre hombres y mujeres, una dualidad formal que 2500 años después cruza el Mediterráneo y se planta en la bahía de Cádiz para añadir al puchero carnaval, tanguillos y reguetón.

Lysístrata lleva la voz cantante con diferentes enfrentamientos en los que juega el rol de una comparsa que denuncia la guerra aunando los argumentos de la razón con figuras poéticas, mientras el resto de los personajes se disfrazan de chirigota y un lenguaje soez que suministra carrete al cachondeo. Con las vecinas de su ciudad dibuja un pasodoble que valora los rasgos femeninos hasta llegar a la fiesta de la risa y el vino. Con los hombres se impone el cuplé dialéctico que termina por mostrar que en el sexo también hay dramas. El luminoso encuentro entre mujeres es el estribillo de un frenesí multiorgásmico, hasta que finalmente el conflicto se supera con un popurrí de amores de todo pelaje y condición que pone el acento en los valores humanos propios del feminismo y el pacifismo para situarlos por encima de la comedia, y convertirlos en los argumentos reales de la función.

La dramaturgia se cocina con una generosa ración del ambiente propio del carnaval callejero, y corre el peligro de apropiarse de todo el guiso hasta orillar el desarrollo dramático. Una frontera delicada donde se pone en valor la absoluta vis cómica de cuatro actrices en estado de gracia. Hay que tener mucha guasa para puestos a recortar canciones, hacerlo con las sevillanas de Esparta porque Cádiz es Atenas con más salero.

                                                               

Ficha  Técnica de ‘Lyisistrata’

Calificación 3 estrellas

Producción: Las niñas de Cádiz. Texto original: Aristófanes. Versión y dirección: Ana López Segovia. Reparto: Alejandra López, Teresa Quintero, Rocío Segovia y Ana López Segovia.

19 de marzo de 2022. Teatro de las Esquinas.


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13 marzo 2022

El cuaderno de Pitágoras

 





Pitágoras y el teorema de las flores

Carolina África se involucró como voluntaria en la creación de un espectáculo elaborado por un grupo de reclusos, como si fueran una compañía profesional. ‘El cuaderno de Pitágoras’ es una ficción que nace de esa experiencia personal, de un proceso de documentación y de estrujar la realidad. No se pretende, ni falta que hace, una disección del hábitat carcelario. El objetivo es descubrir a las personas que viven en chirona a partir de una máxima que determina toda la estructura formal de la narración: Se trata de acompañar sin juzgar.

La historia, aunque deja espacio para otras visiones más pesimistas, es una aproximación íntima y personal a un espacio en el que brota la energía generada por una ficción que bebe de la trayectoria vital de los personajes, describe la condición humana mediante una compleja yuxtaposición de realidad, deseos y recuerdos, hasta reflejar un entorno sombrío donde es posible fraguar lazos de cariño. El juicio se reserva para una sociedad desdibujada y esquiva que accede al mundo a través del mando a distancia o de imágenes deformadas por el blanco y negro.

La versatilidad de la escenografía, aliñada por la iluminación y el espacio sonoro, se transforma en multitud de ambientes mientras los actores sitúan la función en el ámbito de la verdad, muestran una potente musculatura narrativa y dominan la montaña rusa a la que suben personajes, sentimientos y espectadores, y que va del silencio a la lágrima de carcajada. Esta luminosa comedia emocional traspasa los límites del talego para enunciar el teorema de las flores, que se marchitan a la sombra, decoran el tiempo en una triste maceta, y viven en el estampado del vestido rosa de una florista que confecciona ramos de felicidad y coronas de pena, el arco dramático de cada una de nuestras vidas.

 

Ficha Técnica de ‘El cuaderno de Pitágoras’

Calificación: 4 estrellas

Texto y dirección: Carolina África. Reparto:

Manolo Caro, Emmanuel Cea, Gledys Ibarra, Helena Lanza, Ascen López, Jorge Mayor, Nuria Mencía, Pepe Sevilla y Victoria Teijeiro. Escenografía: Ikerne Giménez. Iluminación: Sergio Torres. Espacio sonoro: Nacho Bilbao y Pilar Calvo. Movimiento escénico: Elena López Nieto.

11 de marzo de 2022. Teatro de las Esquinas.

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05 marzo 2022

El viejo y el mar

 


La crueldad poética del mar

La literatura de Hemingway bucea en sus experiencias vitales. ‘El viejo y el mar’ es un relato sobre la captura de un gran pez, el escenario donde un hombre se enfrenta a la naturaleza, una pelea protagonizada por la fuerza moral, el heroísmo y la soledad en la que todos pierden.

Teatro Che y Moche realiza un delicioso ejercicio poético alejándose del tono de la novela para combinar de manera sobresaliente tres planos narrativos. La videocreación transforma la escenografía en movimiento o la detiene en calma chicha para que unas veces sea protagonista y otras océano de fondo. La banda sonora es una evocadora música incidental que, combinada con sonidos para subrayar la acción, acentúa las emociones. Los actores trenzan las palabras del texto con la carlinga audiovisual para arribar a buen puerto.

La adaptación de Alfonso Plou acierta de pleno cuando tira por la borda la expectativa dramática de una lucha en soledad, y transforma la aventura del viejo y los monólogos de la novela en un nutritivo diálogo con el muchacho. La relación de los personajes sobre la barca, además de profundizar en la idea poética que recorre toda la obra, potencia la amistad que nació en el mar, se afianzó en tierra y consolidó una entrañable simbiosis entre la sabiduría del maestro que no se da por vencido, y la energía del pupilo con muchas ganas de aprender. Joaquín Murillo, que aferra sus acciones sobre la verdad de quien sabe fijar el derrotero, manejar un botalón y tensar el sedal, viste a su personaje con un tono sosegado y esperanzador. Elisa Forcano refresca el ambiente lírico con una energía contenida y estimulante que, lejos de ser el contrapunto del héroe, se eleva a compañero de fatigas, amigo en la charla y garantía de un pescador de reemplazo tan brillante como esta función.

 

Ficha técnica ‘El viejo y el mar’

Calificación: 4 estrellas

Autor: Ernest Hemingway. Adaptación: Alfonso Plou. Dramaturgia: Joaquín Murillo, Marian Pueo y Alfonso Plou. Reparto: Joaquín Murillo y Elisa Forcano. Videocreación: Pedro Santero. Música: Víctor Rebullida. Coordinación Técnica: Tatoño Perales.

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04 marzo 2022

Fabiolo Connection

 


La publicación en el Heraldo tiene una errata. La calificación de la obra es de 4 estrellas



La Moraleja también está en los cuentos

Fabiolo, que vive en La Moraleja, está modelado con el barro de la comedia para construir el personaje arquetipo con polo de tenis, gafas de sol y buena situación económica que reboza las palabras con dicción gangosa. Una identidad con muchas papeletas para que los espectadores la reciban con antipatía, por aquello de mostrar tanta seguridad en sí mismo y dividir el mundo entre tu vulgaridad y su fantasía. Sin embargo Fabiolo cae bien porque ridiculiza a todo el mundo con esa pachorra que no le deja ver que el primer ridículo es él y así, con la sensación de que todos estamos sumergidos en la misma salsa, las carcajadas brotan en un cuento donde las mil y una noche se pasan entre jeques, bereberes y deidades de la cultura popular.

La escenografía, aunque también utiliza algunos elementos de atrezo, se construye y transforma constantemente gracias a un espacio sonoro que subraya las acciones de un texto que maneja multitud de referencias, que van desde los ecos de Les Luthiers, a los enredos de Cantinflas, o el estilo de quien recita versos del Siglo de Oro y está pensando en Gomaespuma.

Rafa Maza se mete al público en el bolsillo desde el primer instante, en realidad lo necesita ahí para que el mecanismo de la risa funcione perfectamente. Solo se puede disfrutar de esta aventura si formas parte de ella, si te dejas llevar por una dramaturgia que agita lenguajes narrativos, palabras en avalancha, imitaciones por doquier, juegos malabares y un ramillete musical de copla, pop y cuplé. Todo se concentra y estalla en un trabajo actoral pulcro y perfectamente definido, donde cada puya, chiste o chascarrillo se percibe diáfano, con el tiempo y la atención que necesitan para dejar claro que, después de tanta frivolidad, lo más importante de los cuentos es la moraleja.

 

Ficha Técnica de ‘Fabiolo Connection’

Calificación: 4 estrellas

Dirección: Rafa Maza y Joe O´Curneen en colaboración con Los Síndrome. Autores: Alberto Gálvez y Rafa Maza. Interprete: Rafa Maza. Espacio sonoro: David Angulo. Iluminación: Fernando Medel.

02 de marzo de 2022. Teatro de las Esquinas.

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25 febrero 2022

La historia de una máscara




 

La historia de una máscara

El actor Bongiovanni tranquilizó a los que no hablamos italiano, la semejanza con el español y el ritmo lento de la narración serían suficientes para comprender el mensaje de una función que, a modo de conferencia, comenzó defendiendo un teatro con mayúsculas compuesto de pequeñas cosas, y nos acercó al mundo de la commedia dell´arte mediante un muestrario de máscaras, ese elemento fronterizo entre la realidad y la ficción, que deforma la fisionomía del actor, dibuja una caricatura y potencia el gesto corporal.

El tono cambió a narración oral para recordar la incomodidad de actuar con máscaras genéricas adaptadas mediante almohadillas que se empapan de sudor y dificultan la interpretación. La máxima aspiración de un actor es poseer una máscara personalizada, un material de trabajo que en escena se convierte en la piel del comediante. Bongiovanni sitúa su máscara en el papel protagonista de un cuento que narra el proceso de fabricación, la felicidad de trabajar en Estados Unidos y un regresó a Italia con final inesperado. El actor hace gala de una gran capacidad comunicativa mediante gestos faciales que subrayan, movimientos de las manos para moldear palabras, y una voz que juega con los cambios de tono, acelera la frase hasta detenerla y crea expectación. A estas alturas ya había olvidado que allí se estaba hablando italiano. La dramaturgia incorpora otros lenguajes pero, mientras las fotografías aportan un matiz entrañable, el documental audiovisual abunda en hechos ya narrados y nos aleja del ambiente propiciado por el cuento.

El final es un canto gozoso al Teatro, una reflexión sobre como la vida se inserta en la interpretación para generar un universo que, cuando parece muerto, renace al grito de: El Teatro siempre continúa.

 

Ficha Técnica de ‘Il Naufragio’

Calificación: 3 estrellas

Experimentado, compuesto y narrado por Giorgio Bongiovanni. Con la colaboración de las máscaras de Sartoni.

22 de febrero de 2022. Teatro de la Estación.


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18 febrero 2022

Benditas. Todo viene del cielo

 



Una comedia que mira al cielo

Bendita es una persona bienaventurada que goza de la presencia de Dios pero, como la definición de divinidad depende de cada uno, ese título también se alcanza en compañía de la Virgen María, San Google o de los peregrinos espaciales que llegan a Marte. Faustina y Damiana son dos rusticas que se enfrentan a estos elementos divinos que vienen del cielo aplicando el racionalismo cartesiano para resolver conflictos: Dudar del valor de la experiencia que nos llega a través de los sentidos, argumentar con un discurso filosófico y encontrar la verdad, o al menos intentarlo.

La dramaturgia utiliza ese planteamiento de duda y conflicto para desarrollar la acción en tres jornadas que comienzan chispeantes pero van perdiendo energía con la repetición de la fórmula narrativa. El texto desarrolla unos diálogos de vértigo para airear acontecimientos vitales a través de la ironía, dobles sentidos y una filosofía de andar por casa, para generar sonrisas y una gran empatía por esas dos pastoras que exponen cuestiones tan serias como los problemas que lastran a las mujeres por el hecho de serlo, el capricho de una guerra fría que vuelve a los informativos o cantar una canción clásica de Miguel Bosé.

Las actrices Begoña Martín y Carmen San Esteban aprovechan la austera escenografía para fijar la atención del público en una excelente construcción de los personajes a partir de un fraseo eficaz, gestos precisos y movimientos espaciales que aúnan vitalidad y poesía. Faustina y Damiana, entre algunos reproches y mucha sororidad, certifican una larga amistad a prueba de ensoñaciones, para decirnos que en medio del rebaño, entre pulgas que pican, delirios que asombran y milagros tecnológicos que abducen, todavía podemos emplear esa máxima que dice: Pienso, luego existo.

                                                                  

Ficha Técnica de ‘Benditas. Todo viene del cielo’

Calificación: 3 estrellas

Compañía: El mono habitado. Texto y Dirección: Raúl Camino. Intérpretes: Carmen San Esteban y Begoña Martín Treviño. Vestuario: La funanbulista.

Teatro de las Esquinas. 16 de febrero de 2022.


Crítica de la obra Benditas en el Teatro de las Esquinas de Zaragoza (heraldo.es)

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12 febrero 2022

La función que sale mal

 


Aquí huele a muerto de risa

La antropología entiende la risa como un rito establecido que define una sociedad y sus conductas. ‘La función que sale mal’ sigue un plan muy eficaz para celebrar ese ritual.

El primer lugar elimina la cuarta pared incluso antes de comenzar la obra para involucrar al espectador en el teatro dentro del teatro, que sea consciente de las dificultades escenográficas, técnicas y emocionales que conlleva la representación. El segundo paso es una construcción sobresaliente de personajes arquetípicos propios del teatro amateur, donde la sobreactuación es una característica habitual, y que traen el aroma de los cómicos de la legua que retrata la película ‘Viaje a ninguna parte’. Finalmente entra en juego una comicidad que, para ir más allá de la comedia y acercarse a lo burlesco, toma las cosas serias de la realidad y las transforma en ridículas mediante palabras, gestos y actitudes que crean el efecto sorpresa previo a la risa.

La dramaturgia se inicia con una narración chistosa que pronto se incorpora a una montaña rusa donde todas las acciones dramáticas chocan con un obstáculo y así, una réplica a destiempo, la puerta que no abre o el mejor de los güisquis, modifican la dinámica prevista de la función para desviarse por territorios cada vez más laberínticos y vertiginosos, hasta que de repente se detiene, centra toda carga cómica en un pequeño gesto o un equilibrio imposible mientras los protagonistas, al más puro estilo Buster Keaton, permanecen impasibles ante el desafío: La función debe continuar.

El elenco realiza un trabajo brillante, maneja a la perfección una gran cantidad de elementos escénicos y construye acciones simples y complejas que producen la catarsis de la risa. Una advertencia final: Reírse o no hacerlo es algo personal y aquí huele a muerto de risa.

Ficha Técnica ‘La función que sale mal’

Calificación: 4 estrellas                    

Comedia original: Henry Lewis, Johathan Sayer y Henry Shields. Adaptación española: Zenón Recalde. Dirección: Sean Turner. Reparto: Héctor Carballo, Víctor de las Heras, Carla Postigo, Armando Pita, Aránzazu Zárate, César Camino, David Ávila, Felipe Ansola y Luciana de Nicola.

Teatro Principal 10 de febrero de 2022

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07 febrero 2022

Las aventuras de Ulises Centelles


 


De la guerra de Troya al spa

La Odisea es un poema épico que narra las aventuras de Ulises, un viaje entre dioses, héroes y hechiceras que se alarga más de lo deseado por culpa de un viento caprichoso, el enfado del mar o el deseo de una ninfa. Ulises es un tipo ingenioso y avispado que se encuentra con la tentación de la inmortalidad, delicias gastronómicas y la rareza de atisbar el mundo de los muertos, y sin embargo su máximo interés es regresar al hogar, una actitud muy cercana a la idea moderna del turista. Ulises Centelles visita los enclaves por los que pasó el Ulises mítico en un mar Mediterráneo con peligros tan actuales como el azúcar de las chuches, la última sirena patrocinada por Disney que sobrevive entre plásticos y un Resort Cíclope Spa.

La introducción musical recuerda al crucero de Vacaciones en el Mar y la escenografía de una sala de fiestas en la que recalan todos los personajes, y un texto que a veces se deja llevar por la tentación pedagógica y moral, pero que también navega por una estructura divertida para jugar con el chiste y la ironía.

La dramaturgia fija un rumbo dubitativo entre las esclusas que separan cada una de las historias que recorren la función y la dinámica de un relato que pide fluir en torno a la idea de viaje. Esta deriva desvanece la necesaria conexión entre cada una de las aventuras, ancla en exceso la puesta en escena sobre la tarima que hace de escenario, isla y mar para olvidar el resto del espacio, hasta provocar una cierta sensación estática que reduce el brillo de secuencias chispeantes como la revolución de los cerdos, los dos barbudos hambrientos y el homenaje a la Reina del Pop. El elenco se sube a bordo con energía y, aunque a veces confunden ritmo con atropellar el fraseo, reman con eficacia entre las jarcias de la réplica, la canción y el baile.

 

FICHA TÉCNIA de ‘Las aventuras de Ulises Centelles’

Calificación: 2 estrellas

Compañía: Iguana Teatre. Dirección: Pere Fullana. Dramaturgia: Pere Fullanas y Carme Planeslls. Intérpretes: Guillem Casals, Kelly Martínez y Marina Nicolau. Escenografía: Jordi Banal.


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29 enero 2022

En tierra extraña

 



'En tierra extraña': la copla de la ucronía (heraldo.es)

La copla de la ucronía

‘En tierra extraña’ imagina un encuentro entre Concha Piquer, Rafael de León y Lorca. La ficción tiene la ventaja de que solo responde al marco que ella misma establece, en este caso la acción transcurre el 12 julio de 1936. Un fecha que permite al relato navegar en las aguas de la ucronía, preguntar ¿qué habría ocurrido si…? y componer una dramaturgia que, con fabulosas canciones atemporales y un texto de solidez desigual, también hace una lectura revisionista de la historia inventando acontecimientos sin justificación dramática: Modifica los hechos cuando olvida que fue la censura de la dictadura la que quiso cambiar el inicio de la canción ‘Ojos Verdes’. Sitúa a la reina de la copla en una equidistancia ideológica que es tan injusta como el sambenito que le colgaron de franquista. Licencias que van un poco más allá de manejar acontecimientos que, sin suceder en la realidad, podrían haber ocurrido.

Un piano de pared es el cuarto protagonista de una función que abre atractivos debates como la importancia del ensayo, la chispa de la improvisación, cuánto de andaluza tiene la canción española, o si la copla se canta desde el diafragma o con el corazón.

La acción dramática palidece con algunos fraseos precipitados, chascarrillos y la relación estereotipada entre los personajes. Se prioriza las piezas musicales en las que Diana Navarro muestra una voz portentosa, técnica encomiable y la versatilidad que le permite jugar con florituras de adorno y viajar a Broadway. Avelino Piedad, chispeante en las teclas y el diálogo, cumple a la perfección como contrapunto de las divas; mientras Alejandro Vera, con una excelente interpretación del tema ‘Y sin embargo te quiero’, compone un Lorca jovial, profundo y vehemente. ‘En tierra extraña’ defiende una patria para todos. Tomemos nota.

Ficha Técnica de ‘En tierra extraña’

Calificación: 2 estrellas                     

Producción: SOM Produce / Teatro Español Dirección: Juan Carlos Rubio. Dirección musical: Julio Awad. Reparto: Diana Navarro, Alejandro Vera y Avelino. Piedad.

Teatro Principal. 27 de enero de 2022.


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16 enero 2022

¡Que salga Aristófanes!

 


Más discurso que comedia

Els Joglars celebra 60 años de trayectoria proclamándose herederos de Aristófanes, que en siglo IV a.C. pateó a la tragedia griega donde reinaban los dioses para situar la comedia en el escenario y satirizar costumbres sociales, gobiernos y tribunales de los hombres. ‘¡Que salga Aristófanes!’ aspira a la carcajada desarrollada en una interesante escenografía de planos inclinados que invitan a conectar pasado y presente mediante una lectura crítica de la realidad.

La dramaturgia utiliza la parábasis y el corifeo de la comedia clásica griega para dirigirse al público y exponer las opiniones del autor. Es un preludio discursivo que debería dar paso al diálogo, al conflicto y a la acción de la parodia que ocupa la primera parte de la función donde se confrontan valores y actitudes pretéritas puestas en valor, frente a sus relevos más actuales que reciben guasa y desdén. Este ejercicio dramático prioriza el discurso de un texto que dice más que hace, provoca una deficiencia en la acción y cojea en el tratamiento teatral de unas frases y modismos que repetidos mil veces han alcanzado el tufillo del tópico y tal vez por eso, su enunciación y poco más desactiva toda la carga cómica.

La función eleva el tono cuando la sátira y el detector de ofensas entran en escena para disparar la acción dramática y criticar las prácticas sociales que nos han traído las redes sociales, el narcisismo del selfi y el ejercicio de la cancelación que bloquea a cualquiera situado a un milímetro de distancia de mis verdades que, auto convertidas en certezas sin dudas, piden a gritos parodia, chistes y burlas.

Estos altibajos dificultan que la comedia, sometida al reino de la subjetividad, cumpla con su función esencial de hacerme sonreír. Buena parte de la media entrada aplaudió con fuerza.

 

Ficha técnica de «¡Que salga Aristófanes!»

Calificación: 2 estrellas

Dramaturgia: Els Joglars. Dirección: Ramón Fontseré. Dirección de escena: Alberto Castrillo-Ferrer. Artistas: Ramón Fontseré, Pilar Sáenz, Dolors Tuneu, Xevi Vilá, Alberto Castrillo-Ferrer, Angelo Crotti.

Teatro Principal. 14 de enero de 2022.

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02 enero 2022

Sira Quiroga, una vida de esperanza y un tiempo entre costuras


 

“El tiempo entre costuras” es un musical de beon Entertainment inspirado en la novela homónima de María Dueñas que, estrenado en el Teatro Principal de Zaragoza, nos cuenta la historia de Sira, una modista que abandona Madrid en los prolegómenos de la guerra civil para vivir una vida que nunca había imaginado, y tal vez por eso decide coser los retales de su vida para confeccionar el traje a medida de una mujer que avanza pese a las dificultades, vence al desengaño, y olvida los tonos más oscuros del marco histórico que acoge a una acción dramática representada en una interesante escenografía que comenzó un poco dubitativa, pero poco a poco fue ganando en presencia. La construcción de la dramaturgia es un gran reto por lo que significa traducir el lenguaje literario al teatral, y que en este caso se divide claramente entre las soluciones musicales y discursivas: Mientras las canciones originales empujan con solvencia la acción y la música instrumental arropa el discurso narrativo, este último, que solo tienen sentido se alimenta la tensión entre palabra y acción, pierde energía cuando voces ajenas a Sira toman el mando y relatan desengaños y aventuras; se diluye entre la gran calidad de todas las interpretaciones musicales, a las que siguen algunos registros mucho más discretos en los diálogos; se esconde en el momento clave de Sira al borde del fracaso, donde todo se solventa con un par de frases, hasta que de repente vuelve la acción vertiginosa con la simple y eficaz escenografía de un tren.

Estos desequilibrios se compensan con escenas muy potentes en las que música, discurso y acción se complementan, como en la irrupción del humor que se contrapone al drama gracias a las refrescantes actuaciones de los nuevos amigos de Sira que le dan un tantarantán a la narración, los sentimientos de unos y otros se relacionan con intensidad y me atrapan, y sin embargo la pincelada más importante para entender el musical llega al final del espectáculo cuando Sira Quiroga rompe la cuarta pared y confiesa que todo lo sucedido en las dos horas anteriores tan solo sea un recuerdo, un vestido confeccionado con los retales que la vida te pone ahí, que el relato de su vida es el cuento que ella ha decidido contar y así, aunque la década europea y española entre 1935 y 1945 fue de las más oscuras de la historia, en el recuerdo de Sira brilla la lucha por el amor , y todas las dificultades tamizadas por el filtro que colorea un tiempo que la historia desvela negro y gris.

El Madrid de antes de la guerra tan solo es un pincelada sin precisión pero que anuncia terrores suficientes como para que Sira huya del país, su destino y un mal consejo la llevan hasta el Protectorado de Marruecos, ese último sueño imperial con el que los gobernantes españoles quería enjuagar la debacle colonial de finales del siglo XIX mediante la implantación en 1912 de un tratado Hispano-Francés que se repartían el sultanato de Marruecos en forma de sendos protectorados. La categoría jurídica del protectorado se define cuando una potencia extranjera, sin imponer una forma de gobierno, se limita a ejercer una tutela política y económica sobre un territorio. El protectorado de Marruecos es de gran importancia en la historia de España porque los oficiales que estuvieron al mando en la Guerra de Marruecos fueron los mismos que organizaron la sublevación que desembocó en la guerra civil. Sin embargo muchos de los civiles españoles que vivían en aquellas tierras se encontraban, en palabras de Jordi Busqué, “funcionarios, médicos, maestros de escuela, dueños de pensiones, sastres, barberos, tenderos y buscadores de fortuna. Además, años más tarde se sumarían las personas que buscaban una vía de escape de las penalidades dela España de la posguerra.”

En la función aparece otro personaje histórico que, para desengrasar el drama con unas gotitas de humor, se le define en un tono muy ligero y a modo de chascarrillo como el “cuñadísimo” apelativo que se ganó Ramón Serrano Suñer porque estaba casado con una hermana de Carmen Polo, esposa de Franco, pero el tono amable en el que se nos presenta no debería hacernos olvidar que fue el segundo hombre más poderoso de la dictadura.

La carrera política de Ramón Serrano Suñer empezó a tener relevancia cuando José Antonio Primo de Rivera lo designó, junto a Raimundo Fernández Cuesta y antes de morir fusilado el 20 de noviembre de 1936, como albacea de su testamento y de esa manera tuvieron un papel muy importante en la unificación de la Falange.

La muerte de Primo de Rivera descabezaba el liderazgo de la Falange y permitía la opción de utilizar su partido como un mecanismo de movilización política de la población civil. Franco decretó que las milicias falangistas bajo las órdenes de la autoridad militar y así, todo combatiente quedaba subordinado a la acción del Generalísimo. Era su movimiento para comenzar la controlar los centros autónomos de poder. Pero a este movimiento táctico le faltaba la pata política, mediante un movimiento de masas que fuera el mecanismo de identificación con sus aliados fascistas y nazis. A finales de 1936 todas las fuerzas políticas que apoyaban la sublevación asumían el mando supremo de Franco pero faltaba concentrar todavía más su poder en su persona mediante, al modo del fascismo italiano, con un partido de corte nacional.

Ramón Serrano Suñer fue el personaje clave para la creación ideológica de ese modelo que se materializaría la idea final de Franco de crear un régimen de partido único y el plan era unificar la Comunión Tradicionalista Carlista con la Falange y sus ambiciones totalitarias que, tras la muerte de Primo de Rivera, andaba revuelta por el enfrentamiento de diferentes líderes para alcanzar el poder del partido que culminó en una reyerta con dos muertos, lo que aprovechó Serrano Suñer para elaborar un decreto de unificación en una sola entidad política nacional que se llamaría Falange Española Tradicionalista de las JONS, un enlace entre la sociedad y el estado dotado de la espiritualidad católica de los requetés integrada en la fuerza nueva del fascismo. Monárquicos y otras fuerzas de la derecha se quedaron fuera mientras, falangistas disidentes como Manuel Hedilla, fueron condenados a muerte por adhesión a la rebelión, resistencia al cumplimiento del decreto y finalmente indultado.

Serrano Suñer fue hasta seis veces destacando su labro como ministro de Interior y de Asuntos Exteriores desde donde inició una política de aproximación de Alemania e Italia pero, la hegemonía del Eje flaqueaba y Franco comprendió que un ministro pro-nazi con los Aliados cada vez más fuertes no era lo más oportuno, así que el cuñadísimo se quedó desenfocado de la política, apartado por el régimen y volvió a ejercer de abogado, a podía compliar con el final de la II Guerra Mundial a favor de los aliados precisaba de un nuevo enfoque que dejó desenfocado al cuñadísimo de Franco cuyo recuerdo también ha perdurado gracias al romance extramatrimonial que mantuvo con Sonsoles de Icaza, musa de Balenciaga, mujer del marqués de Llanzol y dicen que la española más elegante de la época.

El mensaje que Sira termina por lanzarnos desde el escenario es esencial: Da igual las peripecias por las que pase nuestra vida y el marco histórico que las contiene porque lo realmente importante para nosotros, para nuestra memoria y recuerdo será la confección que seamos capaces de realizar con esos retales. Quizás por eso es tan importante que el final de la función sea un hecho colectivo que va más allá de la peripecia personal, que la selección y la tonalidad de los recuerdos sean la tabla de salvación para que el mundo negro y gris no consiga vencernos y así, cuando todo parece convertirse en un cuento, el elenco unido por las manos lanzó la nota más aguda para terminar la función en todo lo alto.


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29 diciembre 2021

Pato Feo. Construir la identidad

 





Crítica de la representación de 'El pato feo' en Arbolé (heraldo.es)

Construir la identidad

El Pato feo es un cuento de Hans Christian Andersen, al que el escritor Edmond Gosse describió como un tipo de piernas y brazos sin proporción, manos anchas, pies gigantes y una nariz tan larga que era lo único que recordabas de él.

La adaptación para títeres de Iñaki Juárez añade dos ideas a esta fábula con aromas autobiográficos. La historia de Pablito y la suerte de tener una abuela cuenta cuentos que incluye a su nieto en las aventuras de nuestro protagonista. Dejar claro que el azar nada tiene que ver con que  un cisne nazca en un nido de patos, al contrario, se trata de un plan diseñado por un minino con muchas ganas de merendar. Este matiz cambia la historia para alejarnos de la idea idílica de que el tiempo pondrá las cosas en su sitio y restablecerá el orden social de los cisnes en el lago y los patos en la granja. El pato feo parte de una situación diferente a los demás y sufrirá un proceso de superación frente al rechazo de sus hermanos, de los otros animales de la granja y de los peligros del mundo exterior en un viaje que fortalecerá una identidad que no se consigue de una sola vez, sino que se transforma cuando intentas decir «cua», con las heridas sufridas en el colegio, inmovilizado por el miedo en soledad o temeroso bajo la atenta mirada de todos los demás.

La historia transcurre en una cama donde edredones, mantas y colchas componen la escenografía para que cojines y almohadas se transformen en animales. La música se integra en la narración subrayando momentos de tensión felina, triste melancolía y la matraca cansina de quienes acosan y rechazan. Los titiriteros, fundidos perfectamente en la escena, mantienen el ritmo narrativo, matizan cada uno de los personajes y salpimientan de ironía una fábula que nos invita a asumir la diversidad de los otros.

                                                 

Ficha Técnica de «El Pato feo»

Calificación: 3 estrellas

Autor: Hans Christian Andersen. Adaptación y dirección: Iñaki Juárez. Titiriteros: Pablo Girón Carter y Azucena Roda. Música: José Ramón Vericad- CUTI. Teatro Arbolé. 27 de diciembre de 2021.


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17 diciembre 2021

Los piquetitos de la muerte y del amor

 

“Unos cuantos piquetitos” es el título de un cuadro que Frida Kaho pintó en 1935 después de leer en la prensa que un hombre juzgado por el asesinato de su esposa se excusó ante el tribunal diciendo que en realidad solo le había dado unos cuantos piquetitos. Esas palabras sobrevuelan la escena del crimen donde la víctima, con el cuerpo desnudo y destrozado por decenas de cuchilladas, yace sobre una cama. El asesino está de pie junto a ella con cuchillo en mano, sonrisa en boca y parece satisfecho. La sangre desborda la escena, ocupar el marco y apelar a los espectadores.

Isabelle Reck define los textos que Laila Ripoll comenzó a escribir a finales de los años noventa como “teatro político alternativo” donde la dramaturgia gira sobre los debates políticos y ciudadanos en torno a la emigración, memoria histórica y la violencia de género. Es un teatro que se caracteriza por el compromiso y la denuncia mediante recursos literarios como la caricatura, la sátira o la parodia con la intención de “afilar la crítica y espolear conciencias”. Reck sitúa en esa esfera creativa a “Unos cuantos piquetitos” que, escrita en 1998, aborda la violencia machista desde el contraste entre “la sumisión y el silencio de la mujer y los gritos, los insultos y los argumentos insostenibles del marido”

La Mona Titiritera presentó en el Teatro del Mercado una interesante versión de “Unos cuantos piquetitos” con una escenografía que invita a pensar en dos universos blancos separados por una profunda brecha negra de incomunicación mientras una mesa en el proscenio se convierte en lecho, puerta y túmulo, las tres estaciones por las transitan los protagonistas de la historia mediante un arco dramático soportado sobre un vaivén de monólogos que muchas parejas confunden con el diálogo propio del amor.

Ella comienza siendo poesía con frases blancas de novia, ganchillo blanco y gozo de vivir. El tiempo, la sociedad y usted y yo la arrastramos hasta la tentación sobre tacones, una falsa pasión del pintalabios y el fetichismo de las medias como la llanura que precede a la miel. El último paso la deja sobre el suelo pegajoso de la realidad donde ya no quedan sueños donde esconderse mientras la poesía se esfuma.

Él comienza liviano del montón, pocas luces, hombre común que no llega a vulgar porque todavía no lo necesita, insulso, cariñoso sin pretensiones y aprendiz de violador. El tiempo, el hogar y usted y yo lo alejamos de la ñoñería para ejercer el ordeno y mando propio del macho, yo soy el rey y a ti te encontré en la calle hasta que ya no soporta tanta belleza a su lado, se transforma en el demonio que todos esperamos y la violencia verbal deriva en coreografía. Él no quería, el asesino nunca quiere, tan solo responde a su condición de hombre, de varón, de semen que riega la miel. La culpa siempre está fuera, en la naturaleza humana, en los caprichos de la biología, en usted y yo que miramos el espectáculo con pasividad y alguna sonrisa. Y cuando ella ya no está, o solo está tendida con el blanco que una vez fue deseo y ahora es reposo, ahora que ella se ha ido surgen palabras como flores, chocolates suaves para acompañar la poesía de una vida por morir.

El desarrollo de la historia se viste con un notable cuadro musical ataviado con personalidad en las voces de Encarni Corrales y Jesús Rioja que, ajustadas, medidas y con hondura, se abrochan con el pincel de seis cuerdas que Nacho Estévez “El Niño” trastea entre sus manos, una banda sonora que decora la acción y la deja respirar con el poderío propio de la copla y el flamenco, que sus versos y melodías lo mismo encalan la fachada de la alegría, que corren el velo del duelo.

Las hechuras de la obra se completan con un elemento importante: Usted y yo representados por quienes banalizan la violencia de género en unos medios de comunicación empeñados en el entretenimiento que cierra ojos y entendederas para alejarnos de la realidad, un papel triple que Sandra Recamal ejecuta con eficacia mediante una dramaturgia que aborda las reacciones sociales con un punto de vista, que  comienza humorístico hasta derivar a terrenos de lo ridículo, esta decisión narrativo se aleja del tono severo de la función y, lejos de promover la mirada crítica, gripa la conciencia de parte del público que, con una exposición tan ligera, cae en la sonrisa y por lo tanto, en lugar de verse como parte del manto que tapa las excusas, se acomoda en la distancia de quien no se ve apelado por la narración y eso, que aligera la presión dramática, le roba quilates a la acción y aleja el patio de butacas de una reflexión inteligente y nutritiva sobre los comportamientos colectivos frente a los males personales que están asolando el escenario.

“Unos cuantos piquetitos”, dirigida por Helena Soriano, es un reto para los actores que precisan de mucha solvencia para transitar por un arco dramático tan variable. Luis Martu, quizás contagiado por la liviandad que requiere el inicio de su personaje y un texto con demasiados lugares comunes, consigue aquilatar su interpretación conforme se acerca a las zonas más oscuras, ese viaje al drama le sienta bien hasta que llega al punto final y consigue la suficiente densidad para que una pulsión más humana del personaje resulte creíble. Cielo Ferrández se aferra con seguridad a los primeros párrafos del texto que piden un ritmo poético que ejecuta con brillantez, segura en las pequeñas acciones que requieren silencio y, cuando su personaje abandona los territorios oníricos para enfrentarse al público, sustenta bien ese cambio de tono exigido por una dramaturgia que tal vez le resta heroísmo al final que pide la función.

La Mona Teatro se enfrenta a una obra complicada por la delicada relación entre los tonos con los que juegan los protagonistas que, siempre situados en lugares diferentes, alimentan la tensión que empuja la historia. La interpretación alcanza un buen nivel pero la narración pide más poso, más peso, que las palabras y las acciones tengan ese punto de energía que conecte y subyugue para que la historia de esta pareja, tan manoseada por los mercaderes de la casquería, persiga al espectador más allá del teatro y le invite a tomar conciencia sobre el número de mujeres que mueren en España bajo el huracán de la violencia de género.


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