La isla del aire

 

El faro de Nuria Espert

Jacques Brel cantaba que cuando solo tienes amor para ofrecer a los demás todo el mundo está en tus manos. Alejandro Palomas se aferra a esa afirmación para contar la historia de un faro que cura las heridas abiertas por otros amores que olvida la canción. Una mirada con intención poética que orienta la tragedia familiar hacia el desenlace sentimental de un melodrama ambientado en una escenografía que, tan austera como la piedra que se enfrenta al mar, enmarca a los personajes en un espacio estrictamente estático, para que la palabra pongan de manifiesto la verdad oculta por secretos y cicatrices, libere las penas y purifique las relaciones de una matriarca con su clan, el destino y los hombres. Este planteamiento narrativo deposita todo el peso de la representación sobre el trabajo de las actrices.

La primera parte es anodina por el dispar peso dramático de unas escenas hilvanadas con fundidos a negro y cortinillas musicales. Afortunadamente todo mejora cuando las cinco actrices aparecen en el mismo cuadro. Nuria Espert ejerce de médula espinal para conectar las diferentes fibras nerviosas de una familia destrozada. La energía justa de su interpretación mejora texto y peripecia, imparte una lección de naturalidad y se enfrenta a la dualidad de unas emociones que van de los amperios del cariño hasta el calambrazo de la crueldad, y unos afinados golpes de humor. El nexo más rico y potente se genera con una Miranda Gas que va ganando consistencia hasta alcanzar un punto elevado de credibilidad. Candela Serrat comienza pelín hierática pero mejora con el acento catártico de la furia. Teresa Vallicrosa se ajusta con eficacia a un papel inmutable, mientras Vicky Peña apechuga con la dificultad de un arco dramático entre penar y revivir que pide menos afectación y más veracidad.

'La isla del aire'

3 estrellas

Producción: Teatre Romea y Focus. Autor: Alejandro Palomares. Dirección: Mario Gas. Reparto: Nuria Espert, Vicky Peña, Teresa Vallicrosa, Miranda Gas y Candela Serrat. Escenografía: Sebatiá Brosa, Iluminación: Paco Ariza.

22 de junio de 2023. Teatro Principal de Zaragoza.

Escribir un soneto

Miércoles que parecen jueves

 

Escapar de una vida anodina

Los arquitectos de la inteligencia artificial utilizan "alucinar" para calificar las respuestas totalmente inventadas por los chatbots, un término que proviene de la psicología y define las cosas creadas por la mente para experimentar sensaciones en el cuerpo, escuchar la voz de un muerto o ver patrones de conducta en objetos que no existía. Los lectores de Juan José Millás saben bien de lo que hablo, de un mudo paralelo que coloniza lo cotidiano para alterar la frontera entre realidad y ficción. Un ejercicio de absoluta libertad creativa para que la imaginación haga malabares con palabras y conceptos. 'Miércoles que parecen jueves' se viste de humor para trasegar ese universo literario a las tablas del teatro.

El espectador teatral necesita trasladarse a una realidad simbólica, olvidar que la representación es una ficción artística escrita por un autor y ejecutada por un actor, y percibir que la acción dramática deja de ser un discurso para convertirse en un reflejo directo de lo real. La dramaturgia de Mario Gas rompe estas premisas y lo pone todo del revés.

Como la situación dramática no pretende copiar la realidad, la luz de sala se mantiene durante toda la función para anular la frontera entre escenario y patio de butacas, que la ficción ocupe todo el espacio delante de nuestras narices y el peso narrativo recaiga en la fascinante interpretación de Clara Sanchis. La fábula se construye con su delicado trabajo en las acciones corporales y las fluctuaciones de voz para bucear en el mar de obsesiones que caracterizan el texto de Millás. Las peripecias parten de situaciones reales y reconocibles, se sumergen en el delirante océano de la identidad y así, mezcladas con las reglas gramaticales y las fantasías que circulan por nuestras cabezas, escapar de una vida anodina.

'Miércoles que parecen jueves'

Calificación: 4 estrellas

Producción: C.S. y Entrecajas Producciones Teatrales. Autor: Juan José Millás. Dirección: Mario Gas. Actriz: Clara Sanchis.

11 de junio de 2023 Teatro del Mercado

'Miércoles que parecen jueves': escapar de una vida anodina (heraldo.es)

Ladies Football Club

 

En un lugar de la cancha

El fútbol siempre se debate entre ser la cosa más importante de las cosas sin importancia, y la historia de un viaje que va de la alegría de jugar porque sí hasta llegar a la rentabilidad industrial del deporte. 'Ladies Football Club' tiene la musculatura del teatro documental para acercarnos a los escenarios reales con un marcado punto de vista que reivindica el feminismo y la lucha de clases, desde la pátina inteligente que siempre aporta la ironía y el humor.

La primera parte del espectáculo se demora un poco en el lenguaje narrativo con el que presenta los rasgos esencial de las once protagonistas. Da igual si eres Intelectual, campesina o invisible, la importancia de tu individualidad se define por la posición que ocupas en el campo y cuanto entregas para beneficio del equipo. Entonces cambia la estrategia y la acción se vuelve mucho más dinámica. La hazaña de marcar un gol o el descuido en la zaga se aprovechan para diluir la épica, situar el foco más allá de las líneas de cal y dejar la pelota en el tejado de los prejuicios sociales, los intereses económicos y unos hombres fuera de juego incapaces de aceptar que sus mujeres luzcan La camiseta del futbolista.

La dramaturgia de Mencheta combina numerosos recursos escénicos con el enorme talento de unas actrices capaces de cantar, bailar y recitar el texto con la precisión del tiki taka. La perfecta sincronía de todos los elementos dramáticos dibuja viñetas de belleza estética para lanzar un potente discurso en permanente mutación gracias a la fluidez en los saltos temporales, el gambeteo sobre el escenario que unas veces achica el espacio para concentrarse en un sentimiento, pero también lo ensancha por las bandas de la música y la coreografía siempre al servicio de la narración hasta llegar a la gran ovación final.

 

'Club de Fútbol Femenino'

Calificación: 4 estrellas

Producción: Barco Pirata Producciones Teatrales. Texto: Stefano Massini. Traducción: Iganacio Rengel. Dirección y adaptación: Sergio Peris-Mencheta. Reparto: Xenia Reguant, Andrea Guasch, Diana Palazón, Noemí Arribas, Ana Rayo, María Pascual, Nur Levi, Alicia González, Carla Hidalgo, Irene Maquieira y Belén González. Composición musical: Litus Ruíz. Dirección musical: Joan Miguel Pérez.

10 de junio de 2023. Teatro Principal

Calor

 

Intercambio de energías

La revolución neolítica fue un cambio crucial para la humanidad porque la vida nómada pasó a ser sedentaria y los recolectores se transformaron en productores. Esta transformación económica implicó un nuevo orden en la gestión de recursos, la aparición de las primeras desigualdades y tensiones internas entre las diferentes capas sociales. La nueva situación derivó en una percepción más territorial de las áreas de trabajo que, dibujadas como fronteras para defender las cosechas de los saqueos, terminó por generar las primeras guerras y así, por el arte de la simplificación que tanto se lleva en estos tiempos, ya tenemos una coartada histórica para salvaguardar nuestra moral frente al migrante y el refugiado, nómadas que se desplazan para mejorar sus condiciones de vida, o huyen para salvarla.

'Calor' es un espectáculo que posa su mirada en esas personas forzadas a dejar su hogar, y su empeño por construir uno nuevo allá donde la marea de la injustica los arrastre. No son estereotipos de la Prehistoria neolítica, son trabajadores que han sucumbido por las crisis financieras, jóvenes en busca de la prosperidad que les negamos en sus tierras o víctimas de las guerras geoestratégicas de toda la vida. Uno de estos viajeros involuntarios llegó el 2 de junio a los Viernes de Jardín.

También era mi primera vez en El Jardín de las Artes, un lugar que juega con las formas para modificar la relación entre la mirada del público y el escenario. Ya no se trata de escapar de la calle y refugiarse en la magia de un edificio. Allí el ritual se desarrolla fuera de la ciudad, a la sombra de los árboles cuando brilla el sol, y solo hay que esperar a que la Luna ponga foco para convertirse en un rincón encantado. Teatro al aire libre para recuperar la antigua noción de que todo el mundo vivo está conectado, y convertir un jardín en el espacio escénico donde sembrar todas las ramas de la cultura.

El payaso Kikolas dibuja un nómada con el que al menos tiene dos cosas en común: Revientan sus vidas de manera autodidacta y, aunque Kikolas sigue la máxima del clown de nariz roja que fija todas sus energía en el presente, su esencia es la de un payaso con zapatones que afronta con valentía todo lo que le acontece, pero siempre lo hace mirando hacia el pasado y su baño de melancolía. 'Calor' se aferra a esa herramienta narrativa y construye un espacio nuevo lo más parecido al tiempo que se ha quedado atrás. Nuestro payaso se aferra al ayer con la esperanza de transformar su soledad. Todas sus acciones buscan definir el nuevo espacio que lo acoge con la alegría y la compañía propias de eso que llamamos hogar.

El espectáculo necesita que el público se sumerja de inmediato en el universo propuesto, y a eso dedican los primeros minutos, a conectar a los espectadores con el espacio escénico mediante un lenguaje que se sustenta en un gesto tan minúsculo como amable, pero con capacidad para generar una corriente de la que es imposible escapar. El actor atrapa al púbico con el enlace magnético del silencio y en esa dinámica, la proximidad física ya no es una cuestión de centímetros, ahora todo se centra en la mirada del nómada, al tembleque de sus pasos, al equilibrio del resbalón, y esa deliciosa manera de subir las cejas en señal de un poderío que empieza en sonrisa y vaya usted a saber dónde puede terminar. Todo este despliegue es para afrontar el reto arquitectónico de construir un hogar a partir de una permanente relación con los objetos que le acompañan y, como algunas veces ocurre en las relaciones humanas, el primer contacto puede ser un arrebato de trompicones y resoplidos hasta que de a pocos el roce hace el cariño, y el guirigay de trastos termina en esperanza de lumbre, sopa y amor.

Nadie sabe si el payaso nómada de los zapatones conseguirá su objetivo, si el hogar con humo de estufa, cuchara de palo y recuerdos para no olvidar la identidad es una quimera o realidad. Ese esfuerzo no depende solo de él, también está en las manos de un público hipnotizado que respondió a las peripecias del payaso con una atronadora salva de aplausos que saltó por encima de la representación, y llegó al corazoncito del actor. Entonces descubrimos que debajo del payaso sin palabras hay un hombre cuyo nombre es Quique Mendez y que más que hablar, solo balbuceó unas palabras de agradecimiento que desvelaron su emoción. En este intercambio de energías quedó patente la grandeza del payaso que nos entregó el aliento de su esfuerzo, el universo de su creatividad y la poesía de un lenguaje propio para que 'Calor', como anuncia el programa de mano, sea un universo onírico para saltar de la risa al juego, del sentimiento a la reflexión.

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'Calor'

Idea, creación e interpretación: Qique Mendez.

Mirada externa : Leandre Ribera

Acompañamiento : Ruben Rio, Alex Britos

Coreografía :. Javier García » Mimo»

Escenografía : Jairo Fuente y Violeta Ollauri

Vestuario : Piti Demore

Atrezzo : Taller Guirigay

Iluminación : Sergio Izquierdo

Técnico en gira : Jairo Fure

Fotografía : David Palacin, Gabymerz Photo

Video : David Castro Gonzalez

Espacios de creación: La Parrala, La Central del Circ, BoliviaNOW, ARTmosfera

Cooproducido por el Festival de Artistas Callejeros ARCA, Aguilar de Campoo (Palencia)

 

Palabra de bufón

 

Bufonísimo

El Gobierno de España convocó el año pasado una oposición para ocupar una única plaza de Bufón Real. Se trataba de recuperar para la corte de los Borbones a los hombres de placer que durante los siglos XVI y XVII trabajaron para reyes y cortesanos en los palacios de los Austrias.

Estebanillo de Arguís estaba especialmente emocionado porque con sus credenciales de hijo, nieto, biznieto y tataranieto de bufones tenía que pensar la mejor manera de hacerse con esa plaza. Imaginó una escenografía que fuera tan hermosa como la portada de la catedral de Huesca. Un armatoste plegable de tres altares para transportarlo con facilidad por todas las plazas del reino. A la derecha el armario de los trajes para darle colorido a la actuación. En el centro un arco de media punta con su telón para que cada uno de los personajes tengan la presencia que merecen. A la izquierda la silla para un músico de ritmo calladito que tañe la guitarra, y sopla la flauta travesera y el trombón de varas para conseguir una banda sonora que enriquece y da fuste al espectáculo. Por aquí y por allá aparecerían las pinturas que Velázquez dedicó a sus antepasados cuyo único cometido era provocar la risa.

Estebanillo cumple con todos los requisitos que requiere la Corte. El primero es poseer algún rasgo que te haga absolutamente distinto, algo nunca visto y fuera de lo común y..., aunque Estebanillo nada tiene de gigante o enano, no es ni un loco ni un cretino, sin embargo posee el don de la transformación y en un chasquido de dedos se convierte en un sinfín de personajes, y cuando ese mundo se queda corto acude al terreno de los titiriteros y ventrílocuos. El segundo requisito consiste en que el espectáculo tiene que estar exento de actos violentos y ataques de furia, y eso Estebanillo lo cumple de rechupete, si acaso algún chisporroteo con el músico ensimismado que a veces va a la suya en lugar de seguir lo ensayado. El requisito último y principal consiste en ser gracioso en el gesto y la palabra burlesca. Estebanillo en ese terreno va sobrado, maneja a la perfección los ademanes que pueden ser solemnes o zafios, según acompañen la chispa dialéctica del chiste corto y chocarrero o la verborrea a largo plazo para el sucedido de final ingenioso. Tiene el don natural para que rostro, talle y mirada anuncien el pellizco de la comedia, se nota que ha estudiado las letras y sus autores para que todo lo que se dice tenga el sentido de lo que se quería decir. Huye de la ceremonia grasienta y se muestra flexible y etéreo, se ríe cuando la platea se ríe, pero también es capaz de mantener el hieratismo cuando la risa necesita ese puntito de reflexión. Se aleja del ridículo gesticulante para incorporar el universo de los payasos de nariz roja y zapatones gigantes; mientras la cháchara, lejos del Truhan Embaucador, siempre guarda un sentido más profundo que la carcajada.

'Palabra de bufón' es un viaje delicioso que conecta clásicos como Quevedo y Góngora con los pasos de un Groucho Marx sin bigote y los chascarrillos de bar. La función demuestra que Estebanillo está perfectamente preparado para ejercer de hombre de placer en los corredores y salones de la corte o en el escenario del teatro, porque la esencia del bufón se parece mucho a esos actores del Siglo de Oro capaces de representar papeles, danzar y cantar. Actores de los corrales públicos siempre amenazados por la clausura si se pasaban con cuestiones morales, quizás por eso Estebanillo ha escrito unas piezas que, al estilo de los viejos juglares, nos hablan sobre la construcción de un chiste, los límites del humor y la identidad de la patria. Su monólogo en torno al humor parece una conferencia de Dario Adanti para afirmar que la recepción de un chiste es un proceso cerebral que tiene que ver con la inteligencia. Sin una inteligencia desarrollada, el humor no funciona. Se trata de dar malas noticias envueltas en la catarsis que produce la risa. Las actuales derivas identitarias se abordan desde un viaje delirante para poner en solfa los trajes que durante décadas han revestido una identidad que, a poco que la rasques, se queda corta en esas hechuras carpetovetónicas, y en esa contradicción es donde se fabrica un desacomplejado humor de quilates. Muestras muy claras para recordarnos que la libertad del bufón es la medida de nuestra libertad, y por eso hay que estar atentos a la antiquísima tradición de quienes alimentan la imagen del cómico embozado en la capa de los engaños, mientras maldicen su chanza como la señal de la ofensa y el pecado.

El duque de Medina Sidonia afirmaba en 1543 que los bufones forman parte de un arte teñido por la dignidad de un oficio que simulaba la locura para mostrar el ingenio mediante unas reglas y cánones. Sin embargo 'Palabra de bufón' es mucho más, es un recorrido por las múltiples formas de fabricar humor, la herramienta perfecta para un objetivo mayor que viene definido por las palabras de Alfonso Palomares: "Ser un bufón no es una profesión, es una forma de entender y vivir la vida. Para mí lo más hermoso de este espectáculo es que nuestro protagonista reflexiona justamente sobre eso, sobre lo que significa ser bufón, sobre el mundo del humor y la risa. Palabra de bufón es un homenaje a los cómicos.

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'Palabra de Bufón'

Producción: Lagarto, lagarto. Dramaturgia y dirección de Javier Trillo y Alfonso Palomares, con música original de David Angulo, y arreglos de Quique Lera. Reparto: Alfonso Palomares y Javier García (músico). Escenografía: CIRCOKU / Tere Pérez Bambó. Vestuario: Alicia Preciado Iluminación: Bucho Cariñena. Vídeo escenario: David Gálvez. Vídeo: La colmena creativa de Agustín Pardo (actriz protagonista: Minerva Arbués). Coreografía: Manuel López. Diseño gráfico: Isidro Ferrer. Fotografía: CIRCOKU. Técnico de escena: Manuel Escosa. Promoción: Estela Rasal. Producción: Maite Berges.

13 de mayo de 2023. Teatro del Mercado

Casa

 

La realidad asalta la ficción

‘Casa’ es una función de la compañía Cross Border para teatralizar testimonios de personas que han perdido su casa, nunca han tenido un techo o son nómadas en espera de papeles para normalizar su situación. La dramaturga Lucía Miranda realizó 40 entrevistas en diferentes ciudades españolas para construir 20 personajes. Se trataba de ir un poco más allá del habitual teatro verbatim que suele dramatizar elementos narrativos propios de la prensa y otros documentos escritos. El reto más importante en esta ocasión se situaba en el trabajo de los actores y en su capacidad para reproducir con la máxima fidelidad el formato de las fuentes originales en cuanto a gestos, pausas y acentos, no se trataba tanto de construir una representación, como de calcar la apariencia exterior hasta alcanzar la intimidad de los sentimientos.

Caídos del Zielo es un proyecto artístico, social e inclusivo que ha tomado la idea de ‘Casa’ y la ha llevado a otro nivel para conseguir dos objetivos: convertir el escenario en un lugar de encuentro, y que la representación muestre el trabajo multidisciplinar que realizan en su taller de artes escénicas, un ámbito creativo dedicado a personas en riesgo de exclusión social. Su propuesta mezcla en escena a los usuarios del taller con actores profesionales o en proceso de profesionalización utilizando como base del espectáculo la dramaturgia de la función “Casa” de Lucía Miranda, añadiendo nuevos testimonios personales y dos escenas escritas por Javier Casado y Jesús Grijalba.

La escenografía se conforma con el sencillo esqueleto de una casa ocupando la zona central, mientras los actores se sitúan en unos estrados a ambos lados a la espera de intervenir en la acción. Los números coreográficos son momentos especialmente poéticos, algo así como la culminación de un trabajo espacial de interactuación que la dirección resuelve con eficacia, incluso cuando protege a los actores no profesionales con un desarrollo más estático, que se compensa con una enorme carga emocional. El desarrollo de las historias a modo de saltos tiene una ductilidad bien trabajada que permite pasar de manera natural y dinámica de un registro dramático a otro, con el apoyo de las cortinillas sonoras proporcionadas por la guitarra y la voz de Raquel Agudo y así, caminamos entre el humor y el testimonio emotivo, entre el drama personal que rasga el silencio y un delicioso dúo musical.

El teatro es ese lugar donde el público contempla una acción que representa un espacio diferente, y que necesita de una premisa previamente aceptada por el público: Todo lo que allí ocurre es ficción. El trabajo de los actores consiste en conseguir que el púbico olvide esa premisa y que la representación se convierta en un cúmulo de emociones reales que modifiquen el ánimo del espectador. En este sentido ‘Casa’ es un excepción porque la realidad, además de ser el material de trabajo para los actores profesionales, aporta otros matices en la ejecución de los actores no profesionales que juegan a ser actores y así, unas veces mediante el monólogo de sus vivencias, pero también en interacción con sus compañeros profesionales, se crea una relación escénica que resulta muy didáctica para el espectador porque, aunque las diferencias formales en la ejecución del hecho teatral son evidentes, el resultado final tiene una alta tensión dramática, incluso cuando se producen pequeños errores que en este contexto se transforman en deliciosas ventanitas abiertas sobre la piel de la ficción escénica, por las que se cuelan los rayos de la realidad con sus dudas e incertidumbres. Estas aberturas proporcionan los momentos más emocionantes, especialmente cuando los actores no profesionales se enfrentan al monólogo de sus propias vivencias y, aunque asumen el reto de transformar el recuerdo de sus vidas en ficción teatral, casi siempre se ven envueltos por la tensión del escenario hasta que es imposible evitar que debajo del diseño de vestuario aparezca la mirada, la voz y la emoción de la persona. Son momentos mágicos porque la realidad aparece sin aderezos, libre de filtros escénicos y así, las confesiones a flor de piel arrasan el patio de butacas. Para llegar a este punto es imprescindible el trabajo “de equipo” que hacen los actores profesionales. Lorena Soler, Rubén Remacha, Sara Lapiedra y Tamara Rubio, además de sus propias interpretaciones, ejercen el papel de sherpas para el resto de sus compañeros, son la red de protección ante una pirueta, el soporte en el que apoyarse para crecer, los capitanes a los que seguir en una danza ritual. Ellos son la argamasa para mantener unidos los elementos dramáticos de la función.

La responsabilidad final del teatro documento consiste en ir más allá de una representación estética de la realidad que denuncia, por eso es imprescindible que por encima de la trama se muestre con claridad la tesis sociopolítica que defiende el dramaturgo. ‘Casa’ lanza preguntas al público para hacernos pensar. ¿Una casa siempre es un hogar? ¿La calle es la casa de los sin techo? ¿Te has parado a reflexionar que vivimos en un país con millones de casas vacías mientras hay gente sin casa? Todas las situaciones personales que se abordan a lo largo de la función aterrizan en una pancarta en la que se puede leer el artículo 47 de la Constitución: Todos los españoles tienen derecho a una vivienda digna y adecuada. A partir de este principio la función lanza una propuesta para reformar el texto constitucional y sustituir la palabra “españoles” por “personas”, y quien sabe, ahora que empieza un periodo de campaña electoral quizás sea un buen momento para chequear las políticas de vivienda que defienden las diferentes opciones políticas.

La imagen final del espectáculo resume perfectamente su espíritu. Cada persona individual del elenco se sitúa junto a su compañero para formar una unidad colectiva que se despide con una canción. En el coro destacan algunas voces solistas para imprimir carácter mientras la actitud va cambiando desde un tono poético hasta alcanzar la rabia de la injusticia, y vuelta empezar con la cantinela que debería avergonzarnos a todos: Casas sin gente, gente sin casas.

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‘Casa’

Producción: Caídos del Zielo de una creación colectiva a partir de la obra teatral de Lucía Mirando, con textos de Javier Casado y Jesús Grijalba. Dramaturgia y dirección: Félix Martín. Reparto: Abdul B. Abderrahman, Esther Lucas, Félix Levi, Fernando Muñoz, Gerardo Prichard, Isidro Sánchez, Javier Antón, Jesús Grijalba, José Carlos Causapé, José G. Peña, Lorena Soler, Luis Alfonso Racho, Manuela Lawson, Marina Pastrán, Pepe Ndong, Raquel Agudo, Rubén Remacha, Sara Lapiedra, Sol Giménez, Tamara Rubio

Han participado también en el taller Sara Gaona, Inma Oliver, Esther Pérez, Juany Palomo, Juancho Tarrío, que aunque en esta ocasión no han podido participar en la obra, siempre estarán con nosotros.

EQUIPO ARTÍSTICO

Escenografía.  Isabel Aladrén / Jaime Cruz / Jorge Fontana / Carmen Gracia / Inés Grasa / Alicia Macipe / Lucía Martínez / Mario Cano / Paola Pardos (alumnos de la especialidad de Diseño de Interiores/Gráfico de la E.S.D.A.)

Vestuario.  Carmen Jiménez / Rubén López / Laiza Inacio / Isabel Fernández / Pablo Calvo / Amanda Buzarra / Christian Ainoza / Carmen Ríos / Paula Sesé / Daniel Villar / Cristian Villar / Emma Valero / Arianna Padillo  / Clara Navarro (alumnos de la especialidad de Diseño de Moda de la E.S.D.A.)

Iluminación. J. J. Sánchez

Utillería.   Ana Barón / Jorge Fontana / Inés Grasa / Alicia Macipe / Lidia Sainz / Marina Sanz / Lucía Arranz / Federica Benigni / Juan Casaló / David Pardos (alumnos de la especialidad de Diseño de Interiores/Producto de la E.S.D.A.)

Versión musical.  Raquel Agudo

Imagen gráfica.   María Arenas / Andrea Baeza / Irene Casas / Eva Embid / Nicolás Fajardo / María Felices / Mario Juárez / Celia Sánchez / José Mª Vázquez / Lucía Ballestero / Andrés García / Mónica Gracia / Carla Imbaquingo / Clara Larraga / Alba Llorens / Irene Mainer / María Serrano / Lara Sierra / Jorge Taravillo (alumnos de la especialidad de Diseño Gráfico de la E.S.D.A.)

Vídeo.  Gabriel Orte

Sonido.  Laboratorio de Sonido. Ayuntamiento de Zaragoza

Fotografía.  Gabriel Orte / Julio Longares

Fotografía imagen gráfica.   Mª Antonia Valverde / Cecilia Casas

Asistente de dirección.   Esther Lucas

Ayudante de dirección y autor de la escena Casa Propia.  Javier Casado

Gestión y producción.  Asoc. Cultural Luna de Arena

 

EQUIPO PEDAGÓGICO

Director y coordinador del Proyecto CAÍDOS DEL ZIELO (Zaragoza)

Félix Martín

Interpretación

Félix Martín

Movimiento, danza y coreografía

Lucía Reula

Voz, música y canto

Raquel Agudo

Psicología social

Gabriela Lafuente / Javier Casado (Psiare)

AGRADECIMIENTOS

A los profesores de la Escuela Superior de Diseño de Aragón, Luisa Pellegero (directora), Eugenia Pérez de Mezquia (coordinadora del proyecto), Alberto Franco, Marta Jiménez, Jorge Pina, Cristina Fleta, Inés Marco, Cristina Ondiviela y Elena Aisa.

COLABORAN

Consejería de Acción Social y Consejería de Cultura del Ayuntamiento de Zaragoza, Albergue Municipal, Coordinadora de Entidades de Personas sin Hogar y la Fundación CaixaBank.

 

1 de junio de 2023. Teatro del Mercado.