Cabaret

 

Los altibajos de Cabaret

El teatro inmersivo sitúa al espectador en un espacio y tiempo distintos al habitual, lo sumerge en una nueva realidad, y modifica de una manera radical la vivencia del espectáculo. La productora de ‘Cabaret’ pretende alcanzar esa pátina sentando a una parte mínima del público en unas mesas instaladas sobre el escenario.

Desde mi localidad en el patio de butacas puedo apreciar dos problemas escénicos a las aspiraciones formales de LetsGo. Limitan el espacio para realizar los tres grandes números musicales con coreografía grupal que el espectáculo está pidiendo a gritos, y las acciones que transcurren en lugares diferentes al Kit Kat Klub se convierten en cuadros desesperadamente estáticos.

‘Cabaret’ debería causar una angustia inaguantable mientras nuestros ojos contemplan como el ascenso del nazismo corrompe la vida de las gentes, hasta penetrar en esa burbuja de carcajadas donde música, sexo y hedonismo muestran la más absoluta libertad personal. Sin embargo, las excelentes pinceladas que durante la primera parte simbolizan el mal, se diluyen en un ambiente donde prima la superficialidad de unas relaciones amorosas que, en lugar de golpearnos con el laberinto de la duda, transitan con una ligereza que no te apela, mientras los números musicales se desdibujan en una pulcritud de técnica gestual, pero sin la densidad de ese arañazo que te agarra por las solapas y te hace sudar.

Todo cambia a mejor en la segunda parte, aunque algo falla en la concepción del espectáculo cuando aparece el simbolismo de la noche de los cristales rotos, y se oyen risas entre el público. El color gris ya ha tomado el escenario cuando Patricia Clark da el primer paso hacia un notable giro dramático en todas las interpretaciones. De su voz al silencio hasta desvelar un final más efectista que poético.

 

‘Cabaret El Musical’

Calificación: 2 estrellas

Producción: LetsGo Company. Dirección: Federico Bellone. Director Musical: Julio Awad. Escenografía y vestuario: Felype Lima. Coreografía: Gillian Bruce. Elenco: José Pastor, Amanda Digón, Pepe Nufrio, Patricia Clark Tony River, Gerardo Mínguez y Pepa Lucas.

Miércoles 20 de mayo de 2026. Teatro Principal

Crítica del musical Cabaret en Zaragoza: Los altibajos de Cabaret

Mejor no decirlo

 

La homeopatía del chiste

Hemos visto a Claudio Tolcachir en las tablas del Principal dejando fluir la charla hasta alcanzar los límites del relato en ‘Camino a la Meca’. En ‘Tercer Cuerpo’ destruía la relación tiempo y espacio para que el respetable imaginase las acciones. Los recuerdos en ‘Las guerras de nuestros antepasados’ transitaban por una escenografía que inventaba itinerarios de pasión y odio. Sin embargo en esta ocasión, su trabajo en ‘Mejor no decirlo’ es un ejercicio austero y carente de toda sorpresa. Desaprovecha una interesante puesta en escena en la que reinventar el sutil humor verbal del clásico salón burgués, y reconvertirlo en una experiencia de la generación boomer.

El texto de Salomé Lelouch tiene el espíritu de la provocación y la palabrería donde dos personajes se acercan a las zonas conflictivas de los debates morales. Mientras ella es una avalancha de no poderse callar todo lo que piensa, él se abona a que lo mejor es decir lo justito. Esas dos premisas construyen desde el primer momento dos claros caracteres pero, en lugar de profundizar en un conflicto contundente que ponga en solfa la personalidad de cada uno de ellos, se opta por la concatenación de discusiones que se ventilan en un visto y no visto para cambiar de tercio, y a otra cosa mariposa. Y es por ahí por donde la comicidad se diluye hacia el estereotipo previsible, el pobre recurso de contar acontecimientos que no ocurren en escena, y dejar vía libre a la homeopatía de juegos de palabras y situaciones supuestamente cómicas que se ven venir de lejos. El círculo se cierra con el mecanismo facilón de culminar con un chiste que nos sitúa en la casilla de salida.

Imanol Arias y María Barranco tienen oficio de sobra para manejar con solvencia unos personajes de sota, caballo y rey que recibieron una larga ovación.

 

‘Mejor no decirlo’

Calificación: 2 estrellas

Producción: Pentación Espectáculos. Autora: Salomé Lelouch. Traducción: Fernando Masllorens y Federico González del Pino. Dirección: Claudio Tolcachir. Intérpretes: Imanol Arias y María Barranco. Escenografía: Mariana Tirantte. Iluminación: Matías Sendón.

Miércoles 29 de abril de 2026 Teatro Principal.

Crítica de la obra de teatro Mejor no decirlo, con Imanol Arias y María Barranco en Zaragoza: La homeopatía del chiste

La ópera de los 3 centavos

 

Ópera de corruptos

Los espejos cóncavos de Valle-Inclán resaltan el esperpento de los comportamientos individuales. Sin embargo el teatro épico de Brecht enfatiza la actitud gestual de sus personajes con dos objetivos: generar distancia entre los materiales dramáticos de la comedia para que el espectador se sienta observador de lo que se narra, y al mismo tiempo conmoverlo con un claro mensaje político sobre el cinismo del mundo burgués y la sociedad capitalista. Un siglo después de su estreno, ‘La ópera de los tres centavos’ sigue mostrando un catálogo de miserables para que tomemos conciencia, o nos dejemos embaucar por sus encantos. Usted decide mientras la dirección de Mario Vega se lo pone muy difícil con tres acertadas propuestas.

La primera subraya el distanciamiento brechtiano mediante la ruptura de la cuarta pared utilizando algunas acotaciones para que los actores se salgan del personaje, se presenten con sus nombres, y caigas en la trampa de tomarles cariño. La segunda es un incremento notable del tono de comedia mediante lo grotesco, la ironía y el humor absurdo de un caballo. La tercera olvida el prólogo y tiene la picardía de situar en el epicentro de la representación la popularidad de un Coque Malla que, recibido con aplausos, equilibra los aspectos oscuros y luminosos del protagonista.

La movilidad ocre de la escenografía y una banda dominada por la sección de vientos arrastran las melodías por la penuria sobre la que brilla un trabajo actoral, especialmente el femenino, con alto voltaje en la interpretación de las canciones y desparpajo en la vis cómica. Carmen Barrantes mantiene la energía de las ‘caricias y puntapiés’ que repartía en 2008 por los centros cívicos de la ciudad, desde la tesitura aguda de su voz a la frescura con la que se mueve por «el teatro más bonito del España»

 

‘La ópera de los 3 centavos’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Barco Pirata Producciones Teatrales y Unahoramenos Producciones. Texto: Bertolt Brecht. Música: Kurt Weill. Dirección: Mario Vega. Dirección musical: Miguel Malla. Elenco: Coque Malla, Andrea Guasch, Carmen Barrantes, Paula Iwasaki, Cristina García, Miquel Mars, Omar Calicchio, Pablo Novoa y Néstor, Ballesteros. Músicos: Miguel Malla, Daniel Rouleau, Yevhen Riechkalov, Gabriel Marijuan, Roberto Bazán, Néstor Ballesteros, Pablo Novoa, Carmen Barrantes.

Miércoles 22 de abril de 2026. Teatro Principal.

 

 

 

 

La vengadora de las mujeres

 

Rimas para enamorarse en el Principal

Los integrantes de ‘Teatro del Temple’ definen la poética de sus producciones desde el respeto al texto de las obras clásicas para someterlo a la originalidad en el planteamiento escénico. La compañía representó ‘La vengadora de las mujeres’ hace 25 años, y Fernando Andú destacó en estas mismas páginas el acertadísimo contraste entre la brillantez de los versos y el uso de los recursos dramáticos. La adaptación actual acentúa los contrastes situando la peripecia en el siglo XIX, y obtener ventajas encaminadas a subrayar el tono humorístico de la obra.

La primera empuja la disputa de los debates filosóficos hacia una ironía que define el perfil psicológico y moral de los personajes. La segunda aparca jubones negros y gorgueras blancas del XVII para dar paso a un vistoso vestuario que describe el arquetipo al que pertenece cada uno de los protagonistas. La función cabalga entre estos dos aspectos. La trepidante musicalidad de los versos expone ideas y pasiones orientadas hacia una comicidad verbal que, combinada por el empeño de una marcada coreografía gestual en los movimientos, convierten el modernísimo discurso feminista de Lope de Vega en un delicioso sarao de amoríos con las hechuras de una comedia de enredo, aliñada por efectos de sonido para acentuar los gags.

La mudanza simbólica y real de la escenografía tiene poca fuerza narrativa frente al buen trabajo de un elenco, en el que destaca la potente presencia escénica de José Vicente Moirón. Ese puntito de seriedad cómica que maneja Secun de la Rosa. La sugerente composición corporal de Itziar Miranda. La determinación de Silvia de Pé que ya había logrado la metamorfosis física en ‘El caballero incierto’, y ahora dibuja con nitidez un arco dramático emocional entre despreciar a los hombres y enamorarse de uno de ellos.

 

‘La vengadora de las mujeres’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Compañía Nacional de Teatro Clásico y Teatro del Temple. Autor: Lope de Vega. Dirección: Carlos Martín. Dramaturgia: Alfonso Plou y María López Insausti. Vestuario: Agustín Petronio. Intérpretes: Silvia de Pé, José Vicente Moirón, Secun de la Rosa, Itziar Miranda, Gabriel Moreno, Nacho Rubio, Chavi Bruna, Lorena Berdún y Xavi Caudevilla.

Jueves 16 de abril de 2026 Teatro Principal

Crítica de 'La vengadora de las mujeres': rimas para enamorarse en el Teatro Principal

El efecto

 

Dulce veneno de amor

Si ‘La Celestina’ de Rojas nos muestra las diferencias entre el amor cortés medieval y el deseo carnal de la lujuria; el texto de Lucy Prebble invita a un debate contemporáneo sobre el origen del amor ¿Se trata del efecto incomprensible que produce una bachata de Juan Luís Guerra cuando sube la bilirrubina porque la ciencia no funciona, sólo tus besos vida mía? ¿O es el efecto neuroquímico que producen los psicofármacos para combatir la depresión de la persona que se siente sola? ‘El efecto’ plantea muchas preguntas pero no da respuestas, y quizás por eso es un excelente artefacto escénico.

La función cuenta en cuatro pasos la evolución de un proceso amoroso. Comienza con la aridez didáctica de quien expone una tesis, pero en cuanto los enamorados se sientan sobre la intimidad de las tablas del escenario todo cambia, y se genera una avalancha orgánica. El latido de las palabras siempre en primer plano y el oleaje envolvente de los cuerpos explota en la belleza poética de una secuencia de viñetas. Después se acelera la crisis del desencanto, para terminar con la irrupción en tonos ocres de la aplastante realidad.

La dirección de Juan Carlos Fisher muestra su querencia a trabajar en espacios neutros. Un lienzo en blanco con fondo negro en el que despliega la teatralidad narrativa de sonidos que acotan, cincelar con la luz, y la férrea precisión del orfebre para definir un baile de esgrima con prosodia y movimiento.

La interpretación de la doble pareja de actores sustenta con firmeza  la simetría de sus arcos dramáticos. El rigor de Alicia Borrachero y Fran Perea, entre la austera frialdad científica y algunas gotitas de carnalidad, es un recurso que funciona como el contrapunto imprescindible para acompañar la chispeante solidez de Elena Rivera, y un juguetón Itzan Escanilla.

 ‘El efecto’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Producciones Teatrales Contemporáneas. Autora: Lucy Prebble. Adaptación: Rómulo Assereto y Juan Carlos Fisher. Dirección: Juan Carlos Fisher. Elenco: Alicia Borrachero, Elena Rivera, Itzan Escamilla y Fran Perea. Iluminación: Ion Aníbal López. Escenografía y vestuario: Juan Sebastián Domínguez.

Jueves 9 de abril de 2026. Teatro Principal.

Crítica de teatro: 'El efecto', dulce veneno de amor

Metrópolis 20 Aniversario

 

Metrópolis 20 Aniversario. Espacio y Espectador

Joaquín Murillo es el director de Metrópolis, y le contaba a José Solanas en Aragón Digital que nos encontramos ante una gran producción diseñada para grandes espacios y reinterpretar el original a partir del cuerpo, el gesto y la música, con el espíritu de dialogar con el espectador actual. Ese espíritu de diálogo fue clave en la experiencia que te voy a contar después de ver dos veces el espectáculo.

‘Metrópolis’ regresó a los escenarios zaragozanos casi veinte años después de su estreno en 2007. La primera ocasión fue a finales de mayo de 2025 en el Teatro de las Esquinas. La segunda a finales de febrero de 2026 en el Teatro Principal. Te voy a contar mi experiencia como espectador después de ver la función en cada uno de esos dos espacios. El objetivo es poner el valor como la modificación del formato y el espacio son ingredientes para tener dos percepción completamente diferentes pero igual de excitantes.

Primero estableceré el marco formal sobre el que se construye la dramaturgia del espectáculo, después estableceré las diferencias físicas de los espacios de representación y finalmente, les contaré las diferentes sensaciones que tuve en la recepción como espectador.

Chris Allen definió ‘Live Cinema’ como una representación teatral protagonizada por los tres lados de un triángulo: Visual, sonoro musical y performativo. Los hermanos Pedro y Benito Jiménez de ‘Los Volubles’ parten de esta consideración para definirlo como “Visualista”. En cualquier caso, y más allá del término que usemos, lo interesante es observar como con el espectador los elementos dramáticos que se utilizan en directo.

La dramaturgia de ‘Metrópolis’ reproduce de una manera esquemática los grandes conflictos humanos que muestra la película futurista de Fritz Lang estrenada en 1926, y que Eduardo Subirats resume en tres: Capitalismo de producción y la destrucción del obrero. Desarrollo tecnológico y la regresión humana. El eterno conflicto social entre poderosos y desposeídos. El gran mérito de la producción teatral es como el uso de tres lenguajes narrativos alimentan la enorme carga dramática.

La coreografía de Elia Lozano dibuja la frontera entre la masa oscura de los obreros sepultados y la luz de los que dirigen nuestros destinos. Las proyección de imágenes y texto de Saúl Blasco tienen un halo de misterio cuando se quedan colgadas en el aire para poner en primer plano las inquietudes interiores de los personajes y que la dinámica de la película se convierta en una persecución cinematográfica. La música de Víctor Rebullida es el contenedor perfecto para amasar todas las sensaciones, desde los sentimientos más humanos hasta el vértigo de la acción.

Maaike Bleeker define la representación teatral como una puesta en visión. Un acto de como el espectador mira para descubrir el espectáculo, y que García Webbi identifica como una dialéctica con el público para construir la obra y generar una tensión única e irrepetible.

La primera vez que vi ‘Metrópolis’ fue en el Teatro de las Esquinas. Su patio de butacas lo podemos comparar con un “Theatron” (lugar para ver) griego que aprovecha las laderas de la orografía para colocar las gradas desde arriba hasta la parte baja donde se topan con el suelo como lugar de la representación. Esta configuración potenció que los elementos narrativos de ‘Metrópolis’ me llegaran de una manera muy determinada. Mientras las proyecciones agrandaban su proporción porque se situaban a la altura de mi visión, lo que ocurría en el escenario parecía alejarse en una caída que me generaba una gran opresión física. La sensación se amplificaba gracias a la grabación de la banda sonora que penetraba con fuerza en la acción y en los poros de mi piel. Un estado de inquietud se apoderó de mí, me atrapó y conforme se incrementaba la acción de la trama llegué a tener la sensación de angustia. Hasta que al final llegó el alivio y un aplauso prolongado que me ayudo a descargar tensiones.

Volvía a ver la función nueve meses después en el Teatro Principal, en el patio de butacas de esa preciosa sala de espectadores a la italiana con planta en forma de herradura. El arquitecto Ignasi de Solá-Morales define ese dispositivo teatral por la relación espacial entre espectáculo y espectadores, de manera que la distancian entre ambos es muy clara para determinar la separación entre la realidad de las butacas y el mundo imaginario que se alza sobre el escenario elevado. Esta composición permite un fundamento visual que organiza el encuadre en una visión enmarcada y una acústica excelente.

Además de este factor estructural hay que añadir que en esta ocasión la reproducción de la banda sonora corrió a cargo de una orquesta en directo, y conformar un espectáculo completamente nuevo al que había visto con anterioridad. Ahora las proyecciones ya no eran gritos que me sacudían a la altura de los ojos, se habían convertido en señales que desde las alturas me guiaban para entender mejor la situación. La orquesta en el foso dejaba en la zona de palcos junto al escenario las percusiones que ejercían como arietes de un sonido con al aroma orgánico de quien acaricia. Esa delicia de identificar un instrumento con cada melodía solista hasta que la complejidad apelaba a toda la orquesta. Una invitación permanente a estar conectado mientras la peripecia transcurre allí arriba. Bailarines y actores van más allá de la gestualidad y me invitan a observar la belleza del conjunto y dejarme llevar. Desde los momentos convulsos hasta la tranquilidad. Una placidez que rompí para unirme a la compacta y estruendosa ovación final.

‘Metropolis’

Producción: Teatro de las EsquinasDramaturgia y Dirección: Joaquín Murillo. Intérpretes: Javier Zapater, Sandra Recamal, Mery Luz Moya, Ana Arguilé y Miguel Pardillo. Bailarines: Gonzalo Giménez Patón, Daniel Martínez García, Raquel Asín Dorda, Yaiza Calvo Dueñas, Ainoa Cerdán Orte, Alba Martínez Aznar, Alfonso Ortigosa Araque, Raquel Marín Lahuerta, Elisa Montañés Ascaso, Alba Olmedo Rojas, Rocío Isabel de Miguel Martínez y Andrea Vázquez Aparicio. Partitura original interpretada por academia para la nueva música (csma). Coreografía: Elia Lozano. Música original:Victor Rebullida. Dirección técnica: Josema Hernández de la Torre. Coordinación musical: Conservatorio Superior de Música de Aragón. Diseño gráfico, técnico en gira y audiovisual: Saúl Blasco. Ayte. De dirección: Marián Pueo.

 

Mayo de 2025. Teatro de las Esquinas

Febrero de 2026 Teatro Principal de Zaragoza

Goya. La melodía de una leyenda

 

Usar a Goya en vano

El título no engaña. ‘Goya. La melodía de una leyenda’ une el concepto de composición para desarrollar una idea musical, con magnificar el relato de un personaje real mezclando ficción con hechos históricos. La faena consiste en captar la esencia de la vida de Goya y ponerla a la altura de una leyenda con cinco planos narrativos. La transformación cultural y política de un siglo XVIII zarandeado entre la modernidad ilustrada y las supercherías de la Inquisición. La vida corriente del pintor como un hombre que disfrutó de su familia y sus amistades, hasta caer en el tópico romántico de que terminó sordo y aislado. La brocha gorda para mostrar su evolución en la forma de retratar el mundo. Y por si fuera poco, darle vidilla a una historia de amor con la Duquesa de Alba. Como ven, un reto descomunal para un resultado desolador.

El interesante uso de las proyecciones se combina con momentos donde la sencillez del escenario vacío habla más de falta de recursos que de un rasgo de estilo. El libreto tiene cierto  brillo en la trama histórica, pero en cuanto atiende a cuestiones cotidianas y sentimentales no se atisba ni un gramo de veracidad. La dirección tiene poco trabajo más allá de situar de manera estática a los personajes para que suelten el texto, o deambulen una pretendida intensidad dramática que, en cuanto te descuidas, se convierte en canciones que aspiran a un pop ligero con rimas simplonas, y de vez en cuando el martirio de un recitativo para escabullirse de la melodía y hacer avanzar la trama.

El afán del trabajo actoral no puede suplir tanto aburrimiento para una historia que pretende «rendir homenaje a Goya» Destaca la interpretación de Leo Rivera con un Godoy sólido y chispeante. La función terminó con una prolongada ovación y buena parte del público puesto en pie.

‘Goya. La melodía de una leyenda’

Calificación: 2 estrellas

Producción: Showprime. Texto original: Ignasi Vidal. Música y letra: Tom Vega. Dirección Juan José Alfonso. Elenco: Javier Godino, Clara Alvarado, Leo Rivera, Paco Morales, Silvia Luchetti, Diego Molero, Germán Torres.

Miércoles 25 de marzo de 2026. Teatro Principal

Crítica sobre el musical Goya. La melodía de una leyenda en Zaragoza: Usar a Goya en vano

Escape Room

 

Aliños para una comedia de salón

Teresa Vilardell define la comedia como una arquitectura férrea de la imperfección que desborda en la risa según la actitud con la que esté escrita, y yo me atrevo a añadir, la importancia que tiene la percepción y la expectativa del espectador.

El texto de Joel Joan y Héctor Claramunt se abona a las frases ingeniosas de una comedia de salón y sofá. Un grupo de amigos a los que centrifugan en el ritmo de una comedia que pasa de una situación a otra en un espacio confinado, al que añaden el suspense de una intriga con su poquito de casquería.

Los personajes son estereotipos perfectamente dibujados para la historia avance mediante una dramaturgia que aviva pequeños conflictos cotidianos, hasta que los pellizcos de monja terminan en disquisiciones de mayor calado en torno a cuestiones políticas y sentimentales que se alimentan de lugares comunes, y sin embargo tienen ese no sé qué del recurso interesante porque, más allá de su grado de comicidad, aciertan al dejar un espacio que permite reflexionar sobre la debilidad de esas convicciones que nos definen porque parecen inmutables, hasta que la vida nos pone en un brete y todo cambia.

La dirección de Xavi Mira está avispada para provocar el aplauso mediante desplantes toreros que merodean la cuarta pared, dosifica la energía de un trabajo actoral eficaz en acciones, réplicas, diálogos, y el buen oficio de clavar los tiempos de cada silencio. Ese puntito imprescindible para rentabilizar el humor de la repetición de chascarrillos que rematan la secuencia inagotable de gags.

El resultado final va por barrios. Algunos nos instalamos en un silencio entretenido, mientras buena parte del patio de butacas reaccionó ante la fórmula del espectáculo con abundantes risas, comentarios en voz alta al hilo de la peripecia y una gran ovación final.

 

‘Escape Room’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Olympia Metropolitana y Albena Teatre. Autoría: Joel Joan y Héctor Claramunt en colaboración con Ferrán Carvajal. Dirección: Xavi Mira. Intérpretes: Josep Manel Casany, Cristina García, Sergio Caballero y Águeda Llorca.

Jueves 26 de Febrero de 2026. Teatro Principal.

Crítica de teatro: 'Escape Room', aliños para una comedia

Panorama desde el puente

 

La compleja condición humana

‘Panorama desde el puente’ transcurre en el Brooklyn de los años 50 para mostrar dos conflictos esenciales. El primero es el deterioro de una relación familiar zarandeada por los celos y el machismo, mientras la versión de Eduardo Galán diluye la atracción erótica del protagonista hacia su sobrina política. La consecuencia es reducir el tamaño del caos vital en el que vive, y ayudar al espectador a enfrentarse al dilema de estar de acuerdo (o no) con el comportamiento de una persona de moral criticable, por eso la carga dramática de la peripecia recae en el segundo conflicto. El miedo de los inmigrantes que sobreviven coaccionados por la ley, la justicia y unas normas sociales que se resumen en dos posturas. La pareja de jóvenes baila porque tienen la esperanza de acogerse a la ley para alcanzar la felicidad de una vida nueva. Los hombres maduros no lo hacen porque son prisioneros de un honor restrictivo y miope que los empuja hasta un callejón donde la única salida es aprovecharse de la ley para caer en la fatalidad de una injusticia.

Javier Molina acierta de pleno con la oscuridad de una puesta en escena que busca una doble dimensión. Mientras la realidad toma el patio de butacas y se hace cargo de la narración, una cámara captura la imagen de todos los antagonistas para proyectar la subjetividad de un primer plano que subraya el enfrentamiento, hasta que ese recurso desaparece y la tragedia acelera hacia el desenlace final.

El trabajo actoral tiene el magnetismo de una veracidad realista en la que destaca la energía desbordante con la que José Luís García-Pérez muestra el laberinto de su personaje, la naturalidad de María Adánez para transitar de la sabiduría a la rendición, y la suave evolución con la que Ana Garcés y Pablo Béjar pasan de la ingenuidad al desgarro.

 ‘Panorama desde el puente’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Secuencia 3. Autor: Arthur Miller. Versión: Eduardo Galán. Dirección: Javier Molina. Reparto: José Luis García-Pérez, María Adánez, Ana Garcés, Pablo Béjar, Rodrigo Poisón, Francesc Galcerán, Manuel Andrés y Pedro Orenes.

Jueves 12 de febrero de 206 Teatro Principal

Crítica de teatro de 'Panorama desde el puente' en Zaragoza con María Adánez: La compleja condición humana

Mihura el último comediográfo

Apología de la comedia

Los productores teatrales de los años 30 le dieron esquinazo a las hechuras absurdas que proponía ‘Tres sombreros de copa’, hasta que llegó el ímpetu del teatro estudiantil amateur para estrenar la obra en 1952. La crítica especializada dio palmas con las orejas por su atrevimiento formal, mientras al público burgués de pago en taquilla no le hizo gracia ni fu ni fa aquel cuestionamiento del matrimonio. Mihura escribió en el programa de mano que la situación a la que se enfrentan la pareja protagonista no era cómica, y la función del humor era envolverlo todo de una intrascendencia que le quitara peso al problema sentimental de los personajes. Adrián Perea se apunta a esa idea mediante la virguería de un texto con una  coda innecesaria y triple salto mortal: contar la vida de Mihura, como construyó su comedia más famosa, y homenajear a los comediantes.

La dirección de Beatriz Jaén se menea al ritmo que pide la comedia. Agita la coctelera del cabaret y el atropello, detiene la acción donde las palabras pesan, juega con el espacio y la escenografía para mostrar las diferentes maneras de convertir un libreto en teatro dabuten que por momentos parece desordenado, y sin embargo es el mejor caldo de cultivo para sustituir el primer plano de la carcajada, por el travelling de un variopinto catálogo de personajes perfectamente dibujados para hacer sonreír.

El elenco está de toma pan y moja. El tejemaneje de la prosodia y la eficacia en los cambios de papel certifican una máxima: todo fluye porque mientras el autor aumenta la teatralidad con la mezcla de tramas, prende la chispa del chiste o alimenta la situación cómica; el trabajo de los actores exprime sin estridencias una apabullante naturalidad para que sus interpretaciones brillen en los grandes gestos y los pequeños detalles.

‘Mihura el último comediógrafo’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Nave 10 Matadero y Entrecajas Producciones. Texto: Adrián Perea. Dirección: Beatriz Jaén. Reparto: David Castillo, Paloma Córdoba, Esperanza Elipe, Ariana Martínez, Rulo Pardo, Kevin de la Rosa y Nacho Almeida. Escenografía: Pablo Menor Palomo. Iluminación: Pedro Yagüe. Espacio sonoro: Luis Miguel Cobo. Vestuario: Vanesa Actif.

Martes 6 de enero de 2026. Teatro Principal.

Crítica de la obra de teatro 'Mihura el último comediógrafo’ en Zaragoza: Apología de la comedia

Tarzán El Musical

 

Tarzán en la cuerda floja

Tarzán cuenta la historia de un bebé zarandeado por el vaivén del destino que lo deja al cuidado de una manada de gorilas, entre los que se siente el patito feo, hasta que toma conciencia de sí mismo, se transforma en héroe con categoría de Rey de los Monos y así, la jungla africana se convierte en un guiño a otro mito: el hombre hecho a sí mismo capaz de triunfar en la selva de la civilización occidental. La versión de Theatre Properties elimina el comportamiento violento del protagonista, lo introduce en un amable reencuentro amoroso con marchamo de cuento infantil, y defiende un espacio natural de diversidad frente a la especulación de los depredadores.

El teatro musical se nutre de la tensión entre palabra y música para producir una narración continúa coherente. Sin embargo el texto de Silvia Villaú se aleja de ese objetivo al reconvertir un personaje secundario para catalizar acontecimientos que se explican pero no se representan. Un recurso que disminuye la teatralidad, y limita el arco dramático de unos personajes que derivan en planos, monótonos y con poca emoción.

Este desequilibrio se compensa gracias a una heterogénea banda sonora de ritmos enlatados. Un pórtico atractivo que pone de relieve todas las voces solistas. La contundencia de Carlos Salgado como el malo de la historia, la energía de Silvia Villaú, la ternura maternal de Noemí Arribas, y los deliciosos duetos de una elegante Mireia Coma en el papel de Jane y un solvente Giampaolo Picucci como Tarzán.

La dirección mueve con acierto una puesta en escena en la que destaca el uso del cuerpo de baile con volteretas, la tela acrobática de circo y la energía del hip hop, hasta llegar al final con un vibrante número grupal. La vitalidad de todo el elenco con música y coreografía consigue un aplauso generalizado de los espectadores.

‘Tarzán El Musical’

Producción: Theatre Properties. Dirección, libreto y letras: Silvia Villaú. Música: José Enrique de la Vega. Coreografía: José Félix Romero. Elenco: Giampaolo Picucci, Mireia Gómez. Silvia Villaú, Carlos Salgado, Noemí Arribas y Nando González.

Martes 23 de diciembre de 2025. Teatro Principal

Un monstruo viene a verme

 

La medicina de los cuentos

La escritora Irene Vallejo recuerda que de niña necesitaba un suministro constante de cuentos a la hora de ir a la cama. Era el instante más feliz del día. Los cuentos en ese momento de oscuridad eran el salvoconducto para traspasar el miedo. Quizás porque Conor siente que su vida se desliza por un tobogán sin padre ni madre ni perrico que le ladre, es un monstruo quien todas las noches lo visita y le cuenta cuentos que se  convierten en herramientas para enfrentarse al cáncer de su madre, a la ausencia del padre y al acoso en la escuela. Historias para comprender la encrucijada moral en la que está atrapado: el miedo más terrible coincide con el mayor de los alivios, y así descubrir que el comportamiento humano se caracteriza por la ambigüedad de a veces hacer el bien y otras el mal.

El universo simbólico de los cuentos y el mundo real se funden gracias a una puesta en escena con una deliciosa capacidad teatral en la que participan aspectos técnicos y narrativos. La precisión quirúrgica de iluminación y sonido al servicio de sillas en danza o la pasividad de una cama de hospital. Proyecciones visuales sobre las hojas digitales de un árbol que se desparraman en coreografías para transportar la narración oral hasta la fertilidad de las hechuras dramáticas.

El trabajo actoral consigue una elegante dinámica grupal que empuja las acciones individuales para definir con nitidez a los personajes, y mostrar con claridad sus arcos dramáticos hasta resolver los conflictos exteriores que acorralan a Conor. Pero su comecome interior se queda suspendido cuando la peripecia culmina en un fundido a negro, que la noche del estreno cortó la respiración del patio de butacas durante tres segundos de un silencio emocionante y absoluto, hasta romperse por una ovación sólida y compacta.

‘Un monstruo viene a verme’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Fundación Teatro Joven. Colaboración: Asociación Española Contra el Cáncer. Idea: Siobhan Dowd. Autor: Patrick Ness. Dirección: José Luís Arellano. Reparto: Elisa Hipólito, Eduardo Aguirre de Cárcer, Antonia Paso, Cristina Bertol, Armando Pita, Fernando Saiz de la Maza, Leyre Morlán, Nadal Bin y Raúl Martín. Escenografía: José Luis Raymond y Laura Ordás. Música: Alberto Granados. Iluminación: Juan Gómez Cornejo y Jesús Díaz Cortés. Videoescena: Álvaro Luna. Movimiento escénico: Chevi Muraday.

Miércoles 17 de diciembre de 2025. Teatro Principal

Crítica de la obra de teatro Un monstruo viene a verme: la medicina de los cuentos

La Reina de las Nieves

 

Adaptación desequilibrada

Harold Bloom afirma que lo imperecedero de la literatura de Andersen es mezclar la actitud de un niño en un mundo supuestamente adulto con su capacidad para crear un mundo animista, en el que todos los objetos muestran el deseo humano de sobrevivir. Un universo vitalista que siempre tiende a la pulsión maligna. La adaptación que Triana Lorite ha realizado de ‘La Reina de las Nieves’ no consigue trasladar al escenario la tensión entre esos dos polos emocionales.

La dramaturgia utiliza diversos lenguajes narrativos con resultados desiguales. La peripecia transcurre en un espacio escénico iluminado con el buen gusto de crear un ambiente poético y preciosista. Los aciertos continúan gracias a la potencia dramática que consigue una narración de cuentacuentos apoyada en imágenes, el eclecticismo de una banda sonora que pasa de sonidos contemporáneos a un pop heroico, o una excelente coreografía que nos regala momentos de alto valor estético cuando la protagonista baila con un reno y con su amor recién recuperado.

Estos destellos se alternan con arranques tan bizarros como mezclar cante flamenco con el sombrero calañés que usaban los bandoleros de Sierra Morena en el siglo XIX y los aires de un cabaret. Pero el mayor desajuste se produce por una dirección que se olvida de la dinámica que pide la acción. Al fin y al cabo se trata de contar el viaje de una joven valiente para rescatar a la persona de la que está enamorada. Una aventura que deberíamos percibir llena de obstáculos se trunca por un desarrollo muy estático de los acontecimientos, la construcción deslavazada de unos personajes que nos dejan huérfanos de un arco dramático para que llegue la emoción, mientras el impacto de los elementos fantásticos es imperceptible. El elenco cumple con pulcritud profesional entre tanta frialdad.

‘La Reina de las Nieves’

Calificación: 2 estrellas

Producción: SAI. Compañía Zoe Theatre. Basada en el cuento de Hans Christian Andersen. Dirección, dramaturgia y diseño de iluminación: Triana Lorente. Música: David Bueno. Coreografía: Javier del Arco. Elenco: Huichi Chiu, Irene Camacho, Nacho Zorrilla, Inma Pérez-Quirós, Críspulo Cabezas, Gaby Castillo. Escenografía: Sergio Loro.

Viernes 5 de diciembre de 2025. Teatro Principal

Crítica de la obra 'La Reina de las Nieves' en el Teatro Principal de Zaragoza: una adaptación desequilibrada

Las amargas lágrimas de Petra Von Kant

 

Una pirueta Fassbinder

Rakel Camacho realiza un impecable ejercicio de estilo. Su propuesta es una pirueta Fassbinder para alejarse de la dramaturgia clásica que utiliza la verosimilitud como conector entre la ilusión del teatro y la realidad imitada. La dirección satura todos los lenguajes narrativos para diferenciar la representación en el escenario del patio de butacas, y conseguir que se sustituya la naturalidad por una estructura artificial que desnuda el engaño de la ficción.

La puesta en escena combina la ornamentación barroca de la escenografía con profusión de objetos y el quita y pon de vestuarios y pelucas. El espacio sonoro subraya lo irreal mediante efectos de sonido, canciones que separan las escenas, y a modo de introducción nos cuenta de manera simbólica que todas las mujeres en escena orbitan como maniquíes manipulables alrededor de la vida de la protagonista, hasta que el texto toma el relevo para desentrañar las características de esas relaciones. Cariño interesado de la madre, hipocresía social de la amiga, delirio amoroso con la juventud, y poder despótico con la criada. Arquetipos para dejar constancia que el sujeto amado o bajo tu poder casi nunca es lo que tú quieres que sea, mientras la poca habilidad para la aventurarse en territorios sentimentales y sociales es el mejor salvoconducto para despeñarte entre lágrimas y soledad.

El trabajo actoral es la guinda imprescindible para que todo encaje. La potente presencia física combina una gestualidad excesiva con ese puntito de interpretación impostada que exige el melodrama, y que deja al espectador como al entomólogo que analiza a unas criaturas situadas más allá de la verdad, y sin embargo el resultado final es una narración donde la peripecia muestra la vitalidad dramática de los conflictos interiores de los personajes.

‘Las amargas lágrimas de Petra Von Kant’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Pentación Espectáculos. Autor: Rainer Werner Fassbinder. Versión y dirección: Rakel Camacho. Reparto: Ana Torrent, Rebeca Matellán, Maribel Vitar, Julia Monje y María Luisa San José. Escenografía: Luis Crespo. Espacio sonoro: Pablo Peña y Darío del Moral.

Jueves 20 de noviembre de 2025. Teatro Principal.

Crítica de la obra de teatro 'Las amargas lágrimas de Petra Von Kant’ en Zaragoza: Una pirueta Fassbinder

La Barraca

 

Ovación para un teatro necesario

‘La Barraca’ de Blasco Ibáñez aúna el interés histórico con una vocación de belleza poética dedicada a describir huerta, enseres y sentimientos. La acción transcurre a finales del siglo XIX cuando la burguesía acumuló capital y propiedades para apretar con el arrendamiento al proletariado campesino. Hombres rudos que canalizan la rabia de la explotación mediante un pensamiento reaccionario: mitificar el pasado para enfrentarse al forastero que ocupa un escalón por debajo de su propia pobreza, olvidar al opresor y generar una violencia que se filtra a todo el ámbito social del oprimido. De la escuela a la fuente. De la taberna a la barraca.

La sobriedad de la escenografía es un espacio ideal para que las hechuras literarias de la novela se conviertan en musculosa teatralidad. El texto de Marta Torres alterna con acierto la voz de los personajes entre la eficacia dramática de las partes narradas, y la carnalidad de los diálogos, mientras la puesta en escena de Magüi Mira introduce oasis estéticos donde miedos y odios individuales se convierte en la coreografía de una masa anónima de sombras y aullidos.

El trabajo actoral hace un sobresaliente ejercicio de versatilidad. Contundentes con la crudeza de palabras aferradas a la tierra, pero también con aromas de sensibilidad, fluyen líquidos en los desplazamientos, transitan con elegancia de un personaje a otro, y se mecen en una banda sonora que acentúa las intenciones.

La violencia latente siempre está en escena. La mayoría de las veces mediante el uso de elementos simbólicos, hasta que el esperado topetazo de los carneros estalla en la cólera de un discurso que deja al patio de butacas varado en un silencio abisal. La resolución del drama regresa al territorio de la belleza formal hasta culminar en una prolongada ovación final.

‘La Barraca’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Teatro de Malta, Pentación Espectáculos y Olympia Metropolitana. Autor: Blasco Ibañez. Adaptación: Marta Torres. Dirección: Magüi Mira. Productor: Jesús Cimarro. Reparto: Daniel Albadalejo, Antonio Hortelano, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Patricia Ross, Claudia Taboada, Elena Alférez y Jaime Riba. Música: Santi Martínez. Coreografía: Marta Gómez. Escenografía: Curt Allen y Leticia Gañán

Miércoles 12 de noviembre de 2025 Teatro Principal.

Crítica de 'La Barraca' en el Principal de Zaragoza: Ovación para un teatro necesario

Don Juan en los infiernos

 

Don Juan seduce en el Principal

‘Don Juan en los infiernos’ es el título de un poema de Baudelaire donde el mito que convierte voluntad en ley y pasiones en destino viaja en una barca camino del cementerio. El cineasta Gonzalo Suárez conectó el simbolismo de ese trayecto final con dos ideas. La vida del conquistador implacable de mujeres enfrentada con la estrecha moralidad de un Felipe II en cuyo imperio no se ponía el sol, pero situando la acción en la órbita de Moliere, y así mover al personaje por el territorio cómico de quien va de chasco en chasco con mucho ruido de palique y poca chicha de copular.

La dramaturgia armoniza estos antecedentes para definir y equilibrar la relación especial entre amo y criado con la chispa de una peripecia a la fuga, momentos de reflexión, y una rueda de personajes para dibujar al pecador con meridiana claridad. Don Juan está  tan íntimamente convencido que vale la pena protagonizar una vida singular, que cuando llega el momento final es capaz de buscar una pirueta ingeniosa para resumir su vida en un chiste.

Las hechuras teatrales se consiguen con elementos formales que enriquecen la narración. El espacio escénico se configura con un baile de bastidores, la sobriedad de unas proyecciones que sin estridencias sugieren localizaciones, y la fuerza hipnótica de la ambientación musical. La dirección conecta comedia y drama porque la agilidad de entradas y salidas deja espacio al peso de unas palabras que van de la burla a la reflexión.

El trabajo actoral es un fabuloso compendio. Muestra musculatura para los duelos verbales que hacen pesas con las frases, alimenta el ritmo que requieren las acciones, y dosifica la gestualidad como el contrapunto entre el hieratismo, la filigrana del bufón enmascarado, y esa ironía que pone en solfa la hipocresía de Don Juan y la nuestra.

 

‘Don Juan en los infiernos’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Teatro Che y Moche. Texto: Gonzalo Suárez. Dramaturgia: Joaquín Murillo. Dirección: Marián Pueo. Reparto: Joaquín Murillo, Saúl Blasco y Gemma Cruz. Escenografía: Óscar Sanmartín. Máscaras: Ángel Laín.

Jueves 30 de octubre de 2025. Teatro Principal

Crítica de la obra de teatro 'Don Juan de los infiernos' en Zaragoza: Don Juan seduce en el Principal

Los pilares de la tierra

 

Pilares para un teatro musical

Ken Follett afirma que ‘Los pilares de la Tierra’ es un catálogo de pasiones humanas. Amor, maldad, ambición y venganza en un mundo diferente al actual pero con muchas similitudes. Es su manera de alinearse con los historiadores empeñados en despojar a la Edad Media del sambenito oscurantista que le colgó el Renacimiento, poner en valor una época que también fue de luz, y dar voz a al deseo del albañil Tom de construir una catedral. Un edificio pensado para Dios donde tiene la misma importancia el perfecto diseño de la estructura arquitectónica y cada mínimo detalle. Beon Entertainment se enfrenta a ese reto monumental mediante unos cimientos narrativos que tienen la osadía de apostar por un teatro musical con hechuras clásicas.

El libreto trenza varias historias para mostrar las relaciones de poder entre los estamentos sociales del feudalismo. La peripecia es una narración ágil con transiciones rápidas que atraviesan alianzas y traiciones entre el clero, artesanos, nobleza, y pueblo llano, para dibujar con claridad el arco dramático de cada uno de los personajes principales.

La banda sonora tiene aptitud expositiva, se aleja de caer en la tentación de canciones con vocación de hits, y opta por una variedad de tesituras con momentos instrumentales de espíritu legendario, intimidad contemporánea en los duetos, tristeza de violonchelo, dinámica de aventura y la épica de los números grupales.

En los detalles hay pequeños altibajos. En ocasiones la dicción y un sonido metálico dificultan la percepción de las frases, pero se compensa con unas gotitas de humor para resumir acontecimientos, o el buen uso de las proyecciones visuales sobre una escenografía sencilla pero eficaz. La energía del elenco mantiene el pálpito de la interpretación, y seduce con la calidad vocal de los solistas.

‘Los Pilares de la Tierra’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Beon Entertainment. Basado en la novela de Ken Follett con dirección de Ignasi Vidal, letras de Félix Amador y composición musical de Iván Macias. Intérpretes entre otros: Jana Gómez, Rodrigo Blanco, Noemí Mazoy, Julio Morales, Abel García y Alex Torriol.

Miércoles 1 de octubre Teatro Principal

Crítica del musical 'Los pilares de la Tierra' en Zaragoza: Pilares para un teatro musical

Asesinato en el Orient Express

 

Comedia en el Orient Express

Agatha Christie detestaba a su personaje más popular. Un detective egocéntrico con un método particular de trabajo: fijarse en los detalles aparentemente sin importancia, observar el comportamiento humano y poner a funcionar la masa gris del cerebro hasta resolver el misterio al que se enfrentaba. Aunque la autora tardó cuarenta años en publicar la novela donde mataba a Hércules Poirot, en ‘Asesinato en el Orient Express’ descubrimos su ingenio, perspicacia, y cierta flexibilidad moral ante algunos asesinos.

La adaptación respeta la estructura clásica en las que se divide la peripecia. Presentación de los personajes hasta llegar al crimen, búsqueda de respuestas mediante interrogatorios y una solución final apoyada en la lógica. La reducción de protagonistas simplifica la complejidad estructural de la trama y facilita la comprensión esencial del intríngulis criminal. A partir de esas buenos cimientos y una escenografía eficaz en el cambio de escenarios, el desarrollo posterior se empeña en conseguir un tono de comicidad que no llega ni a comedia de salón con frases ingeniosas, ni al ritmo trepidante de una comedia de situación. El mayor perjudicado de estas modificaciones es la anulación del ambiente de intriga y suspense que exige la historia.

El trabajo actoral cumple con los estereotipos asignados por una dirección en busca de un ritmo teatral con entradas y salidas que va perdiendo fuelle hasta vararse en el discurso narrativo propio de la novela. La mayor digresión se produce al final de la obra cuando, desvelado el misterio, nuestro detective pronuncia un discurso moral sobre su comportamiento. Un añadido para alejarlo definitivamente de la personalidad del personaje original, y que funciona como preámbulo a una sonora ovación final con buena parte del público en pie.

 ‘Asesinato en el Orient Express’

Calificación: 2 estrellas

Autor: Agatha Christie. Adaptación: Ken Ludwig. Producción: Pinkerton Espectáculos y Saga Producciones. Dirección: José Saiz. Elenco: Juanjo Artero, Jaime Vicedo, Helena Font, Ricardo Saiz, Juanan Lucena, Paco Pellicer, Mónica Zamora, Carmen Higueras, Candela Granell, Estela Muñoz y Fidel David.

Jueves 4 de septiembre de 2025. Teatro Principal

Crítica de teatro: 'Asesinato en el Orient Express', comedia en el tren