Salomé

La danza atemporal de Salomé

Magüi Mira ha escrito un cuento para diseccionar dos tipos de poder conectando el final de la Edad Antigua con la Contemporánea. El poder político de la testosterona se nos presenta en forma de dictadorzuelo aliado del Imperio Romano, una caricatura de esos gobernantes de nuestra era a los que el todopoderoso Henry Kissinguer definió como nuestros hijos de. Una Salomé consciente de la realidad y de su posición ideológica se enamora, siente el dolor del rechazo y cae en la frustración que le lleva a utilizar el poder femenino de la sensualidad y la seducción para vengarse y validar la etiqueta de.

La puesta en escena es un tapiz que aúna atrezo y vestuario austero con el festín de trajes a color y una banda sonora que subraya las emociones al compás de un texto con tres niveles. La pátina poética rima las pasiones del amor, la épica de los héroes apela a la libertad, y el contrapunto de un alegato irónico y mordaz diseñado para aligerar el drama mediante la burla al poder y aledaños. La dramaturgia consigue engranar el binomio poético-épico con el mismo brillo y eficacia que la frivolidad del vodevil coral formado por una guardia real tan graciosa en el movimiento como cruel en los castigos. Pero cuando el objetivo es ridiculizar el comportamiento de la autoridad, la sátira no termina de funcionar, y por ahí se resiente la actuación de un discreto Juan Fernández como Herodes, mientras Luisa Martín sostiene con oficio a su Herodías.

La buena dicción de Sergio Mur construye un personaje narrativo con estampa de belleza lírica. Pablo Puyol, espléndido como cantante, tiene el peso dramático que precisa la dignidad de Juan Bautista. Belén Rueda domina el papel protagonista con una sobresaliente presencia física y un discurso ajustado a todas las fases de la peripecia.

 'Salomé'

Calificación: 4 estrellas

Producción: Pentación espectáculos y Festival de Teatro Clásico de Mérida. Productor: Jesús Cimarro. Texto y dirección: Magüi Mira. Reparto: Belén Rueda, Luisa Martín, Juan Fernández, Pablo Puyol, Sergio Mur, Antonio Sansano, Jorge Mayor, José Fernández y José de la Torre. Composición musical: Marc Álvarez.

25 de enero de 2024. Teatro Principal.

 

Sofá y dos cuerpos

 

Donde sus vidas confluyen

Antonio Muñoz Molina admira la escritura de Raymond Carver porque cuando termina alguno de sus cuentos y pone los ojos en la realidad, se da cuenta que la lectura le ayuda a descubrir una desolación que no había percibido. 'Sofá y dos cuerpos' es el viaje que va del primer flechazo de amor hasta esa desolación que sigue a la bronca definitiva. La sencillez escénica deja todo el espacio a los dos elementos esenciales de la función. La forma de contar la historia y el trabajo actoral.

La estructura dramática aliña la habitual presentación, nudo y desenlace con diferentes planos narrativos que van más allá de los diálogos de balada o una batalla de gallos. El monólogo inicial y final, además del cambio de punto de vista en una escena, nos ayuda a escapar del estereotipo de Buenos y Malos. Unas viñetas a modo de apartes de lo que parece una terapia aportan el aire fresco de una honestidad que solo es posible desde la intimidad del pensamiento. Las acciones perfectamente coreografiadas y el termómetro de una banda sonora que mide la temperatura emocional de la pareja completan un medio ambiente ideal que los actores aprovechan para regalarnos una fabulosa interpretación naturalista.

La primera tarea de Elena Rey y Xoel Fernández es eliminar La cuarta pared. Se trata de buscar la complicidad del patio de butacas hasta culminar en una danza sexual. A partir de ese momento, cuando todo empieza a ir cuesta abajo, vuelve la ortodoxia de la representación y el público asiste a la evolución de una debacle que entre algunas risas y muchos silencios nos lleva hasta la tristeza de lo que sería un desenlace aséptico. Pero entonces ella vuelve a conectar con los ojos del público en un alegato final imprescindible para que sus lágrimas provoquen la catarsis que precede a la esperanza.

'Sofá y dos cuerpos'

Calificación: 4 estrellas

Producción: Doble Sentido Producciones. Texto, Dirección y Espacio Escénico: Mariano Rochman. Intérpretes: Elena Rey y Xoel Fernández. Música Original: Ale Martí. Espacio Sonoro: Mariano Rochman y Jorge Ramírez Óberson. Asesoramiento de Movimiento: Carmen Vélez.

20 de enero de 2024. Teatro de la Estación.

Donde sus vidas confluyen (heraldo.es)

He venido a hablar de mi libro

 

Miguel Sáenz, en una conferencias de la Fundación Juan March, definía la colaboración que durante tres años tuvieron el compositor Kurt Weill y el escritor Bertolt Brecht, como un momento decisivo para la evolución de la opera moderna, y sin embargo su relación se podría definir como una historia de desacuerdos. Mientras a Brecht parecía no gustarle la música de Weill, entre otras cosas porque su éxito reducía su papel al de libretista, el compositor comprendía mejor el dilema: "La música impacta más que las palabras. Brecht lo sabe y yo sé que lo sabe. Pero nunca hablamos de ello. Si se planteara, no podríamos seguir trabajando. Brecht pide una sumisión total. De mí no la consigue, pero sabe que soy bueno y que lo comprendo artísticamente. Brecht es uno de los mayores talentos literarios de la Alemania moderna; pero ser un gran poeta no significa necesariamente ser un buen compositor... Brecht es un genio, pero yo soy el único responsable de la música de nuestras obras conjuntas".

'He venido a hablar de mi libro' nace como un homenaje musical a Kurt Weill a partir de cuatro elementos tan esenciales como interesantes: El texto de Alberto Castrillo-Ferrer, la delicada dirección musical de Marta Almajano y la elegancia en el desarrollo escénico.

El texto parte de una trama sencilla y cotidiana. La vida de una bibliotecaria y como su pasión por la lectura nos lleva hasta una compleja reflexión sobre las maneras que tienen los lectores de enfrentarse a los diferentes modos de contar una historia.

La novela siempre invita a imaginar con total libertad escenarios, personajes y situaciones. Sin embargo, la lectura de obras de teatro, además de minoritaria, casi siempre está lastrada por la idea de que el texto está incompleto hasta que se representa sobre un escenario. Una cortapisa mental ante la evidencia de que la obra teatral es el resultado final de un trabajo en equipo, quizás por eso se paraliza la imaginación del lector ante el apabullante trabajo de pensar en modo dramaturgia, escenografía, iluminación y Dirección de actores.

El valor narrativo de los diferentes lenguajes que conforman la arquitectura escénica de la función nos lleva a preguntarnos sobre la distancia que hay entre la realidad orgánica que nos rodea y la ficción teatral. ¿Cómo es posible que algo inventado que no existe más allá del escenario alcance el corazón del espectador con más potencia emocional que muchos hechos reales? En ese terreno crecen las dudas de la protagonista que no sabe muy bien dónde está la frontera entre las vicisitudes de la vida y el escenario donde todo lo que sucede está escrito previamente por un autor. La peripecia de nuestra protagonista, más allá de reflexiones metateatrales, nos sitúa ante una duda esencial en nuestro comportamiento cotidiano: ¿Nos limitamos a seguir a pie juntillas el papel que nos han escrito, o somos capaces de dar ese salto de libertad que nos permita ir un poquito más allá?

La selección musical está pensada para subrayar los estados de ánimo por los que pasa la protagonista. Un toque de alegría, ternura y melancolía hasta un puntito de decepción. La interpretación al piano de Enrique Escartín recoge la sutileza de unos temas que a veces evocan el sonido del cabaret alemán con acento político y reivindicación comunitaria, para saltar a una percepción mucho más lúdica de canciones estilo Broadway, diseñadas para asfaltar los caminos por los que transcurre la acción.

La iluminación, escenografía y atrezo tienen un tratamiento aparentemente sencillo bajo la máxima de que todo lo que aparece en escena está ahí para alcanzar un valor narrativo. Un cielo de estrellas y un foco cenital crean un entorno íntimo y agradable, mientras dos escaleras transforman el espacio.

La dirección de Alberto Castrillo-Ferrer utiliza todo este utillaje teatral al servicio de las capacidades interpretativas de una Esther Ballesteros que comenzó un pelín dubitativa. Muy pronto alcanzó el peso dramático y la eficacia necesaria para manejarse con todos los elementos escénicos. Destaca su calidad como cantante gracias a un agradable timbre de voz y una amplia paleta de expresividad que va de la dulzura a la contundencia. Recursos que utiliza con un acierto notable, y que le permite recorrer un arco dramático que conecta la encogida bibliotecaria del inicio, con la rutilante estrella del teatro musical que cierra la función con broche de oro.

'He venido a hablar de mi libro'

Texto y dirección: Alberto Castrillo-Ferrer. Música: Kurt Weill. Dirección musical: Marta Almajano.  Interpreta: Esther Ballesteros. Piano: Enrique Escartín. Vestuario: Marie-Laurie Bernard. Iluminación: Toño Candelas y Mariano Ballestero. Confección Vestuario: Carmen Fernández. Coreografía: Ingrid Magrinyá.

Viernes 19 de enero de 2024. Teatro Arbolé

Camino del zoo

 

Un ritual terapéutico

La función reúne dos obras breves de Edward Albee. 'El zoológico Story' de 1959 y 'Homelife' de 2004 nos permiten comprobar como algunas preocupaciones permanecen en el primer tercio del siglo XXI para definir un tiempo contemporáneo de personas alienadas en grandes ciudades donde aumenta la incomunicación, la violencia, y los suicidios como la manera extrema de escapar de unas relaciones personales que ordenan los sentimientos en compartimentos estancos.

La escenografía recuerda a un recinto de fieras que se mueven bajo la sugerente dirección de Juan Carlos Rubio. Fernando Tejero ocupa el centro del espacio con la aparente tranquilidad del domador cuadriculado que tiene todo bajo control. Su mayor logro es estar sentado sobre el tedio de unos deseos caducos y aburridos. Mabel del Pozo y Dani Muriel merodean sobre la Aridez de la Paja Seca. Su presencia tiene energía. Las palabras y el movimiento de sus cuerpos crean una realidad que envuelve tanta desolación. Ella, en el borde de un abismo de voluptuosidad esperanzada y salvaje. Él, sobre la cuerda floja de una vida de perros.

El drama se sustenta por el delicioso manejo del lenguaje. Los circunloquios dialogados que caracterizan el teatro absurdo preceden a unos traumas que se abren paso entre la hilaridad y la tormenta. La calidez de un sofá de salón y el habitual banco del parque son asaltados para demostrar que la crueldad siempre vence a cualquier simbolismo estético y moral hasta poner en peligro la seguridad de una vida anodina. La iluminación anuncia su estrategia. Cuando vira de brillante a mate ha llegado el momento cumbre y las excelentes imágenes narrativas golpean a los personajes con la nitidez del miedo, la soledad y el desasosiego. El ritual se convierte en una experiencia terapéutica para el patio de butacas.

'Camino al zoo'

Calificación: 4 estrellas

Producción: Talycual, Pentación, Lázaro y la alegría. Autor: Edward Albee. Versión: Juan Carlos Rubio y Bernabé Rico. Dirección: Juan Carlos Rubio. Reparto: Fernando Tejero, Dani Muriel y Mabel del Pozo. Escenografía: Leticia Gañán, Curt Allen Wilmer y Emilio Valenzuela. Iluminación: Nicolás Fischtel.

Jueves 18 de enero de 2024. Teatro Principal.

El novio de España

 

Una comedia desigual

Carmen Sevilla publicó sus memorias en 2005 y solo tuvo palabras de elogio para su relación profesional con Luis Mariano. «Se lo debo todo. Era todo un señor. Los recuerdos más lindos de mi vida los he tenido con él». Pero cuando la actriz lo recuerda en la intimidad da una larga cambiada para evitar que la palabra homosexual defina a su compañero en la gran pantalla. «Llegó a pedirme matrimonio. Me lo dijo por si colaba. Solo diré que era una persona muy especial y que cada uno se lo tome como quiera»

Juan Carlos Rubio tira de la levedad de ese velo y escribe una ficción con hechuras de comedia de teatro musical para reflexionar sobre el olvido de los exiliados de la Guerra Civil, justo cuando las condiciones geoestratégicas de la Guerra Fría en los años cincuenta aconsejaron a las potencias occidentales abrir sus puertas a un dictador, que no hizo lo propio con sus compatriotas en el extranjero. Toda una declaración de principios.

El equilibrio inicial entre los lenguajes teatrales y musicales se rompe cuando la dramaturgia disgrega la fuerza del hilo narrativo para abrazar un excelente catálogo de canciones que suenan deliciosas con piano y voz, pero también piden auxilio cuando el sonido pregrabado nos castiga con unos arreglos ramplones que suenan muy metálicos a excepción de una aceptable versión del tango ‘Volver’ La situación se salva gracias unos cantantes con buen oficio y garbo en el baile que sin embargo, en la parte más discursiva de sus papeles no consiguen densidad, enjundia y juego escénico para que el brillo exterior de unos personajes que deslumbran en el escenario, se transforme en el pellizco emocional que conecte con sus sentimientos. El final tiene el buen gusto de aplicar humor a una tonada de La Piquer para el que dirán «Yo quiero amar con libertad»

‘El novio de España’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Txalo, Olympia Metropolitana, Pentación y La Alegría. Autor y director: Juan Carlos Rubio. Reparto: Christian Escuredo, Dídac Flores, Carmen Raigón y Marta Valverde. Director musical: Julio Awad. Coreógrafo: Rubén Olmo.

11 de enero de 2024. Teatro  Principal

Una comedia desigual (heraldo.es)

Borina

 

Mojiganga en construcción

El especialista en títeres Adolfo Ayuso me contaba en un correo electrónico que apenas quedaban títeres con una técnica pura. La tendencia actual consiste en decidir qué función teatral adquiere cualquier objeto, juguete o figura mediante la relación con unos titiriteros que juegan a ser actores, y actores que juegan a ser titiriteros.

El nuevo espectáculo de los Titiriteros de Binéfar es tan nuevo que todavía no aparece en el catálogo de su página web, pero en la sinopsis que proporciona el Teatro del Mercado la compañía nos explica sus deseos: «pretendemos bucear en el folclore y ayudados de nuevas tecnología, montar una gran Borina que en Aragón significa fiesta o celebración popular»

La función comienza musical. Canciones con aire folclórico de Gaita, Pandero y dulzaina sometidos al influjo del looping para marcar el ritmo con una secuencia repetitiva, y que aporta un cierto aire contemporáneo sin muchas complicaciones técnicas y artísticas. Los músicos dejan paso a una escena netamente de actores y, cuando los primeros títeres en forma de silueta aparecen en escena, queda patente el interés para que la figura humana mantenga una presencia esencial en el desarrollo de las diferentes peripecias, a las que se incorporarán personajes con varillas inferiores, cabezudos y un títere de guante que recita a Tagore.

La dramaturgia parece en fase de construcción, como si todavía no hubieran encontrado la proporción adecuada para combinar y ordenar todos los elementos narrativos. La sensación es presenciar unos compartimentos estancos donde los elementos fundamentales con lo que se trabaja- el binomio actor-titiritero, el discurso por encima del diálogo y el acompañamiento musical - estuvieran a la espera de conocer su función teatral para armar un espectáculo más homogéneo.

'Borina'

Calificación: 3 estrellas

Producción: Titiriteros de Binéfar. Dirección: Paco Paricio y Eva Paricio. Reparto: Eva Paricio, Pablo Borderías, Elena Polo y Marta Paricio. Espacio sonoro: Luís Cutanda. Vestuario: Nieves Gracia. Escenografía: Paco Paricio.

Martes 2 de enero de 2024. Teatro del Mercado.

Mojinganga en construcción (heraldo.es)