Chicago

 

El jazz de Chicago nunca pasa de moda

Maurine Dalla Watkins nació en 1896 y tras realizar un postgrado en griego hizo un curso de dramaturgia en la Universidad de Harvard, así que quizás breve estancia de seis meses a principios de 1924 en el periódico Chicago Tribune tan solo fue una excusa  para escribir reportajes sobre juicios y asesinatos, y acumular experiencia con unos textos que a menudo tenían un tono ácido para resaltar los aspectos más ridículos y sensacionalistas que atendían al interés del público. Así conoció a Belva Gaertner y Beluah Sheriff Annan dos mujeres vinculadas al mundo del jazz que por el arte del teatro se convirtieron en las bellas y sensuales Roxie Hart y Velma Kelly que están en prisión acusadas de asesinato.

La explosiva trama de ‘Chicago’ se estrenó en 1926 con su buena ración de crímenes pasionales, la corrupción del sistema judicial y el cortocircuito de los egos en el mundo del espectáculo. Sin embargo  Bob Fosse tuvo que esperar hasta la muerte de Watkins en 1966 para conseguir los derechos. En 1975 se estrenó la versión musical que abrió el tarro de las esencias que todavía podemos apreciar a día de hoy: Hermosas mujeres y tipos macizos para que lo más negro del mundo criminal y el deseo sexual se mezclen con el jazz ritmo años 20.

La producción de SOM en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid bebe de la idea original y cuando se alza el telón la idea principal está muy clara. En una rampa que ocupa prácticamente todo el frontal del escenario se encuentran catorce músicos de campanillas. Tanto talento es más que suficiente para olvidar la simplicidad de la evolución dramática que, reduciendo al mínimo cualquier atisbo narrativo, apuesta por una dramaturgia en modo carrusel encadenado de unas canciones que sostienen perfectamente la trama, llevando el concepto de teatro musical a su máxima expresión.

La escenografía se juega entre el blanco de los focos y el negro del vestuario para que todo el brilli brilli se lo lleven las interpretaciones vocales y las coreografías. El impacto de cada uno de los números se sostiene en una perfecta sincronía que sin embargo se percibe natural entre lo sinuoso de las caderas de unos apetitosos números grupales, interpretaciones solistas de alto voltaje y un tratamiento humorístico que recorre toda la función desde los horrores criminales más insospechados hasta el delirio final donde los colorines anuncian un futuro fetén para nuestras esas dos chicas tan divas como criminales.

La actriz zaragozana Teres Abarca ejerció su papel de alternante en nuestra función y eso nos permitió disfrutar de un espectacular trabajo en el papel de Velm Kely.

‘Chicago’

SOM Produce en asociación con Barry & Fran Weissler. Traducción: Víctor Conde, Alicia Serrat. Adaptación: David Thompson. Libreto: Fred Ebb & Bob Fosse. Ayudantía de dirección: Víctor Conde. Dirección artística: Carmen Márquez. Dirección musical: Andreu Gallén. Dirección técnica: Alexis Carlesso. Escenografía: John Lee Beatty. Iluminación: Ken Billington. Vestuario: William Ivey Long. Coreografía: Bob Fosse. Música: John Kander. Letras: Fred Ebb. REPARTO: Teresa Abarca  Roxie Hart. Ela Ruiz Velma Kelly. Iván Labanda  Billy Flynn. Inma Cuevas Mama Morton. A. Bolea Mary Sunshine, Alejandro Vera Amos Hart , Ángel Saavedra alternante Amos Hart.

Elenco: Álvaro Cuenca, Diana Girbau, Briel González , Mario Hornero, Valeria Jones, Sara Martín, Paula Miessa, Gerard Mínguez, Graciela Monterde, Jose Montero, Esteban Provenzano y Marc Sol, Urko Fernández Marzana , Víctor González, Beatriz Mur y Rebeca O’Neill.

Domingo 14 de abril de 2024. Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

Grease. El musical. 50 aniversario

 

La reinvención de Grease

El periodista Gregorio Belinchón celebraba el medio siglo del estreno del musical ‘Grease’ con un recorrido histórico. ‘Grease’ nació en 1971 como un latido para recordar cómo en los EE:UU. de los años cincuenta nació la etiqueta de la juventud con la llegada del rock y la cultura del automóvil. Adolescentes polacos, italianos y puertorriqueños sobreviviendo a la dura realidad callejera de Chicago, cuando los greaser utilizaban la gomina para esculpir tupés, mientras se manchaban con la grasa para lubricar unos automóviles que eran el único signo al que se podían agarrar para decir que la vida les iba bien.

El endulzamiento de esta historia comenzó cuando se trasladó a los teatros de Nueva York, pero fue la película de 1978 la que definitivamente olvidó el alma urbano de la original y abrazó las hechuras de la comedia romántica, un ejercicio que Jordi Amat calificó como “delicioso fraude moral” para una auto parodia con ramalazos kitsch. Los españolitos más jovenzanos de aquella época éramos ajenos a estos cambios en el estilo, y recibimos la versión cinematográfica como un espectáculo grandioso, generacional, un preámbulo estupendo para la década a todo color de los años ochenta.

Som Produce celebra el 50 aniversario de esta función con una adaptación de David Serrano en la que se incrementa el grado de azúcar de ustedes ya lo saben: La historia de amor entre Danny Zuko y Sandy Olsson.

El cambio principal es eliminar por completo la rivalidad entre las bandas masculinas de los T Birds y The Scorpions que tienen sus flequillos y el brillo de sus coches como icono de su manera de ser. Es la decisión más importante de la adaptación porque ese duelo y una de las careras ilegales a las que están abonados son la espoleta final que provocará la decisión de Sandy para dar un giro a su imagen y conquistar definitivamente a Danny. En esta versión la decisión es mucho más intelectual que pasional y se toma después de una conversación entre las chicas que se han enfrentado desde las antípodas de sus personalidades y sin embargo son capaces de dar un paso para ayudarse la una a la otra y así, este mensaje de sororidad ocupa el centro de la peripecia modificando la esencia de la historia original. A este cambio estructural de la historia se le añade el tono de colorido juvenil que se les ha asignado a todos los protagonistas para que sus actitudes estén mucho más cerca del humor adolescente, que de ese punto macarra que requieren escenas eliminadas entre chicos y chicas, los primeros devaneos sexuales con errores incluidos y una falta total de conciencia de clase, y sin embargo es muy interesante que el papel de Sandy pierda parte del candor que tiene en la pantalla, y tenga una personalidad más sólida en la determinación de exigir el respeto que merece cualquier persona.

La puesta en escena es tan sencilla como eficaz y deja todo el espacio para resaltar los aspectos artísticos de una función con excelentes interpretaciones vocales, incluso durante los primeros minutos cuando el sonido era tan metálico y chillón que hacía imposible recoger los matices de las frases y las canciones. Las coreografías ganan en dinamismo y lejos de anclarse en las diseñadas para la película, recogen su esencia para llevarlas un poco más allá, elevar la energía y ganar en espectacularidad. Una maquinaria capaz de detenerse para que brillen los números solistas.

Pero la sorpresa de la noche, al menos para el público más veterano, fue el novedoso discurso del locutor de radio Vince Fontaine en el que nos advertía del peligro de vivir anclados en el recuerdo mientras la vida pasa a nuestro lado. Seguramente es un discurso acertado pero ya me contaran ustedes que hacíamos los mayores de cincuenta años viendo ‘Grease’ un domingo a las seis de la tarde. Eso es todo un clásico de la nostalgia. Y quizás esa sea la intención de SOM Produce. Huir de la nostalgia para reinventar una historia de amor y ponerla al servicio de una nueva generación. Mi sobrina Natalia de once años se lo pasó estupendamente y no entendía mis remilgos de señor mayor.

Palacio de Congresos de Zaragoza durante las Fiestas del Pilar. Octubre 2023.

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Reparto:

Lucía Perman (Sandy Olsson)

Quique González (Danny Zuko)

Isabel Pera Nebrera (Rizzo)

Jan Buxaderas (Kenickie)

Víctor Massan (Vince Fontaine)

Sònia Vallverdú (Frenchy)

Pau Gimeno (Roger)

Elisa Hipólito (Marty)

Lucas Miramon (Doody)

Paula Domínguez (Jan)

Samuel Gómez (Sonny)

Rocío Serrato (Patty)

Nerea González (Cha-Cha)

Mia Lardner (Charlene)

Pablo Bravo (Ensemble)

Ana de Alva (Ensemble)

Celia García-Cubillana (Ensemble)

Alba Samitier (Ensemble)

Óscar Pérez (Alternante Sonny)

Miguel Millán (Alternante Doody)

Álvaro Sanchis (Alternante Sonny)

Carmen Bravo (Ensemble)

Leire García Barquilla (Ensemble)

Diego Rey (Swing)

Sergi Boix (Ensemble)

Daniel Mena Mujica (Ensemble)

Millán de Benito (Ensemble)

Sara González Vicente (Ensemble)

Alicia Santos (Swing)

Mario Hornero (Swing)

Christian Velert (Ensemble)

Arturo Fajardo (Ensemble)

Jan Galvez Fraile (Ensemble)

 

Duración: 130 min. apróx.

Dirección: David Serrano

Adaptación: David Serrano

Coreografías: Toni Espinosa

Director Musical: Joan Miquel Pérez

Producción Artística: Carmen Márquez

Director Asociado: Juan Carlos Fisher

Dirección técnica: Guillermo Cuenca

Diseño de vestuario: Ana Llena

Diseño de Escenografía: Ricardo Sánchez Cuerda

Iluminación: Juanjo Llorens

Diseño de sonido: Gastón Briski

Diseño de caracterización: Chema Noci

Traducción y Adaptación de las canciones: Alejandro Serrano y David Serrano

Dirección de casting: Carmen Marquez y Carmelo Lorenzo

Gerencia de compañía: Joaquín Roselló

Productores: Marcos Cámara, José María Cámara, Pilar Gutiérrez y Juan José Rivero

Productores Ejecutivos: Marcos Cámara y Juan José Rivero

Producción: SOM Produce

Revista El Pollo Urbano

En tierra extraña

 

'En tierra extraña': la copla de la ucronía (heraldo.es)

La copla de la ucronía

‘En tierra extraña’ imagina un encuentro entre Concha Piquer, Rafael de León y Lorca. La ficción tiene la ventaja de que solo responde al marco que ella misma establece, en este caso la acción transcurre el 12 julio de 1936. Un fecha que permite al relato navegar en las aguas de la ucronía, preguntar ¿qué habría ocurrido si…? y componer una dramaturgia que, con fabulosas canciones atemporales y un texto de solidez desigual, también hace una lectura revisionista de la historia inventando acontecimientos sin justificación dramática: Modifica los hechos cuando olvida que fue la censura de la dictadura la que quiso cambiar el inicio de la canción ‘Ojos Verdes’. Sitúa a la reina de la copla en una equidistancia ideológica que es tan injusta como el sambenito que le colgaron de franquista. Licencias que van un poco más allá de manejar acontecimientos que, sin suceder en la realidad, podrían haber ocurrido.

Un piano de pared es el cuarto protagonista de una función que abre atractivos debates como la importancia del ensayo, la chispa de la improvisación, cuánto de andaluza tiene la canción española, o si la copla se canta desde el diafragma o con el corazón.

La acción dramática palidece con algunos fraseos precipitados, chascarrillos y la relación estereotipada entre los personajes. Se prioriza las piezas musicales en las que Diana Navarro muestra una voz portentosa, técnica encomiable y la versatilidad que le permite jugar con florituras de adorno y viajar a Broadway. Avelino Piedad, chispeante en las teclas y el diálogo, cumple a la perfección como contrapunto de las divas; mientras Alejandro Vera, con una excelente interpretación del tema ‘Y sin embargo te quiero’, compone un Lorca jovial, profundo y vehemente. ‘En tierra extraña’ defiende una patria para todos. Tomemos nota.

Ficha Técnica de ‘En tierra extraña’

Calificación: 2 estrellas                     

Producción: SOM Produce / Teatro Español Dirección: Juan Carlos Rubio. Dirección musical: Julio Awad. Reparto: Diana Navarro, Alejandro Vera y Avelino. Piedad.

Teatro Principal. 27 de enero de 2022.