Luces

 

Prosopopeya y Pantomima

Los habitantes de ' La casa tomada' de Cortázar están a gusto porque allí se guarda el recuerdo de su familia, sin embargo la abandonan cuando se presentan los ruidos de la noche. En 'Luces' ocurre lo contrario. Los edificios que ocupan la escenografía pugnan en una fábula urbanística para ver cuál de ellos cuenta la historia de su vida y la de sus habitantes. La narración recae en Barandillas, un bloque de viviendas que cuando habla de cañerías, tejados y caldera, la prosopopeya se sintetiza en venas, cabeza y latidos del corazón de uno de sus moradores que, gracias a este ardid literario contará su vida mediante diferentes lenguajes teatrales.

En las escenas de sketch y diálogo de payasos Joaquín García 'Kiny' y Alejandro García 'Jano' interpretan a unos personajes estereotipados para jugar con el lenguaje que explota en un chiste final, o con los malentendidos estirados en un hilarante rosario de palabras. En el resto de la representación 'Kiny' cultiva un discurso retórico de pausa y tranquilidad que cuenta el devenir de su vida, para que 'Jano' la traslade hasta una acción dramática en la que el uso de las palabras queda suspendido. La pantomima alcanza elevadas cotas de calidad gracias a la sabiduría del actor para crear un diccionario de gestos, destapar trompicones de risas con pañal y tirantes, evocar la poética del joven tan colgado del amor como de la luz de la luna, o que coger un ascensor sea una aventura.

La peripecia se despide con una proyección de sombras que anuncian el inevitable final de la vida, pero 'Kiny' y 'Jano' abren la puerta a la esperanza para elegir otra conclusión. Ellos, que son padre e hijo, lo tienen claro: Su historia es la de una saga de payasos a la que se ha incorporado una persona con el mismo apellido y que dirige la función.

 

Ficha Artística 'Luces'

Calificación: 4 estrellas

Producción: Producciones Kinser. Idea original y dramaturgia: Producciones Kinser con asesoramiento de Raúl Herrero. Dirección: Silvia García. Reparto: Joaquín García Gil Kiny y Alejandro García Jano. Músicos: Rafael Rodrigo y Pedro Alguacil. Escenografía: Manolo Pellicer. Vestuario: Lucía Igual.

El Cascanueces y El Rey de los Gatos

 

Brillante estreno del Cascanueces

'El Cascanueces' publicado en 1816 se recibió como una obra muy heterogénea para la comprensión de un niño, sin embargo Hoffmann defendía una literatura infantil con la suficiente complejidad para que la fantasía penetre el mundo real hasta conseguir que la imaginación influya en la vida. La versión de Mariano Lasheras acierta manteniendo los aspectos formales del original, y desde ahí crear un universo nuevo gracias a que evita muchas de las peripecias siniestras del cuento, modifica la naturaleza de los protagonistas, y añade lenguajes que enriquecen la narración. Todo un alarde para que los hilos literarios entre lo cotidiano y lo extraordinario se conviertan en la interesante acción dramática que cuenta una historia de amor.

La escenografía de apariencia sencilla es un baúl de sorpresas y un soporte físico que se transforma para incorporar el teatro de objetos. La música cumple una función narrativa esencial como el mapa que señala con precisión el lugar donde transcurre la peripecia: La realidad del cuento suena a gorro Navidad, mientras su ficción viaja desde la celesta de Tchaikovski hasta un amplio catálogo de música incidental bajo una peluca del siglo XVIII. El ragtime rebobina la fantasía hasta mezclarse con la vida actual, en la que Rosalía está 'Despechá' mientras Higinio Muñoz hace malabares en el teclado de un roedor con barba.

Los ratones, que tradicionalmente eran malos, ahora son actores que se relacionan con el público y esconden bajo la puntita roja de la nariz una pareja de payasos. Inés Andrés domina el elegante papel de quien pone orden y sentido común para que la trama avance por buen camino. El trabajo de Rubén Remacha es sobresaliente a bordo de un carrusel de transformaciones entre la precisión del pequeño detalle y la algazara saltimbanqui.

Ficha Artística de 'El Cascanueces y El Rey de los Gatos'

Calificación: 4 estrellas

Compañía: Almozandia Teatro. Autor: E.T.A. Hoffmann. Dirección, adaptación y espacio escénico: Mariano Lasheras. Escenografía: Manuel Pellicer. Dirección musical: Higinio Muñoz. Intérpretes: Inés Andrés y Rubén Remacha. Vestuario: Ana Sanagustín. Postizos y maquillaje: Virginia Maza.

28 de diciembre de 2022. Teatro de la Estación

Cuento de Navidad

 

Una atractiva función familiar

Dickens quizá no inventó la Navidad con este cuento de 1843, pero sin lugar a dudas potenció el afecto y la amabilidad de unos rituales familiares que todavía perduran en forma de felicitaciones, regalos y banquetes. La transformación del huraño señor Scrooge es la excusa para poner en solfa algunos execrables comportamientos sociales y las penosas condiciones de vida de los trabajadores pobres de la Revolución Industrial ¿te suena de algo? La versión de Luis O'Maley pasa de puntillas sobre estas cuestiones colectivas, y se centra en la idea de un cambio personal, en una segunda oportunidad para mostrar que es mejor ser buena gente que un paparruchas.

La acción se desarrolla en una cuidada escenografía con transiciones limpias y dinámicas mientras un eficaz diseño de luces moldea una atmósfera victoriana. El aliño con coreografías, canciones y el sugerente sabor del Broadway Jazz es una delicia musical con estupendas interpretaciones vocales que saben a poco.

Nos encontramos ante un relato fantástico, donde la manija de la acción recae en unos espectros actualizados y chispeantes que potencian la diversión con un poquito de miedo y una buena dosis de humor. Estefanía Rocamora es un fantasma trending topic del pasado, y Carlos Valledor el anticuado fantasma del presente con capa y Gimoteo. El viaje en el tiempo hace el milagro de cambiar la mirada de un señor Scrooge que Fernando Cayo construye desde un puntito de caricatura en el malhumor, hasta transitar el desconcierto y alcanzar una representación mucho más humana en el tramo final, donde el vértigo de acontecimientos que cierra la novela, se sustituyen por un discurso retórico que resta musculatura dramática, y está pidiendo a gritos un número musical para terminar por todo lo alto esta atractiva función familiar.

Ficha Técnica 'Cuento de Navidad'

Estrellas 3

Autor: Charles Dickens. Versión: Luis O'Malley. Dirección: Mingo Ruano. Reparto: Fernando Cayo, Belén Orihuela, Julián Salguero, Carlos Valledor, Estefanía Rocamora, Ángela Ruca, Carmela Martins y Raúl Heredia. Composición musical: Manuel Estupiñán. Escenografía: SAI, Iluminación: Juani González. Vestuario: Juan Peñate.

Jueves 22 de diciembre de 2022. Teatro Principal

Llega la noche

 

La vida a veces llega con la noche

La primera acotación de Arthur Miller en 'La muerte de un viajante' revela su interés para que la acción dramática se genere gracias a la tensión entre tiempo y espacio; por eso detalla con precisión la geografía de la casa de la familia Loman y pide que las acciones del presente respeten las paredes imaginarias, mientras todos los pasajes del pasado rompen con cualquier limitación arquitectónica.

Miguel Ángel Mañas da un paso más allá y desintegra definitivamente la casa en la que transcurre la acción para que pasado y presente se confundan en un espacio indeterminado gracias una escenografía ausente, donde la arquitectura se sustituye por las palabras que designan elementos materiales como un grifo averiado en el baño, una jarra que estalla en la cocina o un jardín de rosas azotado por la lluvia, símbolos que anuncian el deterioro de una familia abocada a la tragedia.

La dirección de Diego Palacio tiene la sabiduría de tomar ese lienzo negro sobre fondo negro para dibujar sobre el escenario una acción que, desarrollada en el plano simbólico, moldea con mesura texto, movimiento y trabajo actoral.

El discurso de la función navega con fluidez por un lenguaje natural difuminando los efectos literarios, hasta que de repente encuentra una esquinita al sol para desplegar la poesía. El movimiento de los actores es un engranaje que funciona como una coreografía lenta y pausada que construye encuentros y distancias, certezas y sueños, puntos cardinales que marcan un destino. El trabajo actoral se cimenta sobre una trama de miradas que van y vienen, hilos blancos que enlazan unos personajes con otros en una danza de latidos hasta construir un lenguaje paralelo que anuda alegrías y desata tristezas.

Estos tres elementos conforman las piezas fundamentales de un caleidoscopio que, a cada pequeño giro, agita el espacio escénico para que la simbiosis de presente y pasado desvele la historia que entrelaza la vida y la muerte de los personajes.

'Llega la noche' es una magnífica función, un mecanismo de precisión dramática construido sobre un sobresaliente trabajo actoral capaz de encajar todas las piezas que componen la dramaturgia, y conseguir que el ritual del artificio representado tenga la solidez narrativa de una realidad que emociona.

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'Llega la noche'

Producción: Mercucho Producciones, Diego Palacio Producciones y Tranvía Teatro. Autor: Miguel Ángel Mañas. Dirección: Diego Palacio. Reparto: Nicolás Sanz, María Pérez, Jesús Bernal, Alex Aldea e Inma Oliver.

Sábado 17 de diciembre de 2022. Teatro del Mercado.

Eclipse total

 

Gira el mundo gira

La dramaturgia recuerda a los tres niveles que Fernand Braudel utilizó para clasificar el tiempo histórico. La larga duración afecta a la firmeza de estructuras muy grandes, que en la función se visualizan con un recorrido por la historia del universo relacionando tiempo y longitud, y así simbolizar con metros y metros de tela la distancia que separa el presente del Big Bang. El tiempo de la coyuntura es un estadio intermedio en el que somos capaces de percibir los cambios, en este caso el trozo de tela es mucho menor porque tan solo ocupa los centímetros que van desde el nacimiento de los abuelos hasta el presente, con la valentía de adelantar acontecimientos del futuro histórico en base a datos que manejamos en la actualidad. Esta presentación relativiza la vida, y sin embargo pone en valor el tiempo histórico de los acontecimientos que se construyen con las pequeñas vicisitudes cotidianas, con los recuerdos que conservamos justo hasta el momento de morir.

La segunda parte de la función convierte el espacio escénico en un delicioso territorio en el que se celebra un banquete familiar. Álex Cantó y Jesús Muñoz se representan a sí mismos y allí congregan voces y gestos de sus padres y abuelos para mezclarse en un guirigay de anécdotas y chascarrillos que los actores interpretan con la frescura natural que nace de la verdad. Es un momento mágico que invita a indagar en la memoria personal para llevarte desde humor a la añoranza. Esta idea se traslada al futuro como una advertencia: Predecir cuantos centímetros que tendrá nuestra vida es una mala idea.

Toda esta estructura narrativa se sustenta en una plataforma circular que gira y permite observar el ciclo de la vida desde diferentes puntos de vista hasta que, poético y revelador, alcanza la metáfora de un Eclipse total.

 

Ficha Artística'Eclipse total'

4 Estrellas

Producción: Pont Flotant y Rambleta. Creación: Álex Cantó, Joan Collado, Jesús Muñoz y Pau Pons. Interpretación Álex Cantó y Jesús Muñoz. Escenografía: Los Reyes del Mambo. Espacio escénico: Pont Flotant.

 

Tejiendo

 

Tejiendo un mundo nuevo

Había una vez un Teatro Indie & Gesto que decidió buscar palabras para una función abracadabra. Las palabras, que unas veces se encuentran del derecho y otras del revés, al grito de ¡¡¡basta!!! saltaron a una canasta. En la canasta unos retales se las daban de normales, pero las palabras sabiondas les cambiaron la onda. Entonces fue cuando llegaron Oswaldo del Indie enamorado y Tarumba el Gesto le alumbra. Los dos cogidos de una mano en la canasta husmearon y con la otra mano la cabeza se rascaron. Rascaron cremalleras enteras, bolsillos con chiquillos, agujas brujas y una máquina de coser que se hace de querer. La cosa estaba clarita si la querías entender: Las palabras los invitaban a tejer. Tejer emociones con canciones. Tejer humor del mejor. Tejer alegría, amor y aceptación con un mucho de entusiasmo y su poquito de confusión. Tejer en conclusión un trocito de vida, un recuerdo olvidado, el amor en compañía, todas esas cositas que queremos tú y yo.

El telón cierra la realidad y abre el escenario a un mundo nuevo. Ya sé que no hace falta que te lo digan, pero es que aparece un mundo nuevo, un mundo estrafalario que invita al vecindario a cambiar de imaginario. Ya sabes lo que te digo: Cambiar ese almacén oxidado que guardas en el coco como si fuera extraordinario. Si lo tiras a la papelera y dejas la mente en blanco, enseguida te das cuenta de que algo ha cambiado. Te lo dicen las luces, los colores otoñales y una música que embellece. Al fondo una pantalla proyecta imágenes con recortables de pantomima, y unas maquetas de cartón que manipula un actor como si fuera un maquinista. Todo está claro, no hay duda ni opción, estos chicos del teatro nos invitan a la imaginación. Se han inventado un cuento y ahora toca la presentación.

Por un lado sale Fermín con botas peripuesto, un paraguas que no le deja dormir y en la cabeza un sombrero que aunque parece un bombín, en realidad cubre la testa de un bombón. Lupe en el otro lado, trabajando de costurera su cara moldea para coser una copla que habla de volver. ¿Pero como me iba a imaginar que la malabarista de la mueca y el mohín, la de la aguja piruja, la de la lengua de trapo cuando hace falta un gazapo. Cómo me iba a imaginar que la costurera del vestido triangular, además de todos los accesorios, también sabe afinar?

Cuando Lupe y Fermín se juntan en el escenario yo ya los quería así. Caminan en línea recta hasta cuándo van de perfil, sus movimientos cuadriculados me recuerdan a las diagonales que, estiraditas y nada convencionales, dan sentido al contenido de lo que se dice allí. Que se habla mucho en esta función todo el mundo lo sabe, lo alucinante es que a ratos no se oye, y eso que las palabras tintinean, se repiten y se esconden. Fermín abre los ojos. Lupe con su cara asiente. Y los dos enamorados se entre tejen para siempre. Da igual que se peleen, que no se entiendan o que se ausenten, la dramaturgia hace la liturgia y remienda lo que acontece.

El nuevo mundo es un lugar más grande que el taller de un sastre y una costurera, por allí también se pasea un tipo que su figura altera y manipula la caricatura, a veces es un zagal pizpireta, otras veces tira del hilo y cuando menos te lo esperas, en una voltereta se convierte en el maquinista que con imágenes te da una pista.

Pero que no se asusten los fans de esta troupe, ni se pongan a patalear, tan solo hay que esperar a que al saltimbanqui le apetezca rapear, entonces todos los espectadores ya saben que ha llegado la hora de preguntar. Pregunta por un pueblo, pregunta por una emoción y cuando las preguntas se acaban empieza la improvisación.

Así se cierra el círculo que nos propone la función: Entre coser y toser, elige coser. Entre vivir y olvidar, elige vivir. Entre volver y recordar, ay, ay, ay. Entre volver y recordar, vuelve al teatro, a ese lugar donde Los Indigestos tejen historias que te ponen la cabeza del revés.

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Producción: Teatro Indigesto. Autores: Encarni Corrales y Oswaldo Felipe Royo. Dirección: Oswaldo Felipe Royo. Intérpretes: Encarni Corrales, Alberto Salvador y J.J. Sánchez. Escenografía: David Martínez e Iris Pérez. Vestuario: Raquel Poblador (Obsidiana Atelier) Diseño Iluminación: Ángel Cantizani. Maquetas: J.J. Sánchez.

7 de diciembre de 2022. Teatro de las Esquinas.

 

El reencuentro

 

La exaltación del conflicto

«El reencuentro» es una función abonada a la receta de Cecil B. DeMille para atrapar al espectador: Empezar con un terremoto y de ahí para arriba. El texto de Ramón Paso impulsa la relación entre dos hermanas mediante un conflicto constante que empieza con una batalla campal de un tono muy elevado. El reto consiste en mantener ese alto grado de tensión gracias a una  apabullante avalancha retórica cosida por chistes, giros verbales y frases ingeniosas centrifugadas  al ritmo trepidante de la comedia.

La dirección mantiene el pulso de la peripecia enlazando una coreografía de acontecimientos que van desde asuntos de carácter social como el cuidado de los ancianos, los desahucios o la calidad de la sanidad, hasta las relaciones familiares que nos ayudan a entender la personalidad de las protagonistas, congeniar con ellas y acompañarlas en el combate con el que dirimen sus diferencias. El conflicto entre estas dos fuerzas antagónicas es tan intenso que la sucesión de crisis y colisiones se perciben como una saturación reiterativa. El único momento de duda llega cuando las hermanas conversan: Una ordena la casa y la otra, con una borrachera muy poco verosímil, deambula sin un objetivo claro y definido hasta desinflar parte de la tensión dramática que se había acumulado para sostener el entramado estructural de la narración.

La interpretación de las actrices es el elemento clave. ONU exigente «tour de forcé» que nos lleva al resbaladizo mundo de la caricatura, en el que Yolanda Blanco se mueve en parámetros más naturales, pero igual de intensos que la serpentina vocal y gestual en la que surfea Minerva Arbués. Da gusto verlas trabajar en escena con esa generosa energía de la que se retroalimentan hasta conseguir un arco dramático donde lo grotesco aterriza en una cierta calma.

 

Ficha Técnica de «El Reencuentro»

Calificación: 3 estrellas

Producción: Factory Producciones y Hello Yoly. Autor: Ramón Paso. Dirección: Mario Ronsano y Yolanda Blanco. Reparto: Yolanda Blanco y Minerva Arbués

Teatro del Mercado. 6 de diciembre de 2022

 

 

 

 

Ratas y canguros: Divertimento para mamíferos

 

Teatro Bicho ha trasladado su sede a la calle Ricardo el Arco en la margen izquierda y así, un antiguo video club se ha convertido en uno de los últimos reductos del teatro alternativo de la ciudad. El nuevo espacio se inauguró el 18 de noviembre con la función de Teatro PezKao titulada «Ratas y Canguros».

Aunque las ratas y los canguros pertenecen a la familia de los mamíferos, no es lo mismo pensar en un maldito roedor que en la simpatía de un marsupial, al menos desde nuestra latitud norte, vaya usted a saber lo que pensaran Los australianos.

La sobriedad en la escenografía invita a que la dramaturgia se extienda más allá de espacio escénico, como si el hecho teatral huyera de su responsabilidad dramática, troceara la realidad mediante escenas sueltas que, sin relacionarse directamente con el público, lo apelan sin miramientos con una dialéctica que enfatiza argumentos, conversación y discusiones, hasta deslizarse por el delicioso mundo del absurdo. Un apetitoso terreno que se deja querer por los desequilibrios cotidianos, como si todo lo que ocurre en el escenario fuera un experimento creativo de la vida, dos personajes que mutan con la única intención de encontrar un humor esencial que, entre peripecias particulares y una sutil diversión, provoque en el patio de butacas un acto de reflexión antes que una carcajada sonora.

Fran Martínez y Nashaat Conde nos regalan una interpretación en la que domina el control del tiempo, el silencio y la lentitud. Las escenas se llena de miradas y pequeños gestos para conectar un realismo desganado con las inquietudes de los personajes, pero cuando menos te lo esperas las palabras llegan en avalancha, desembocan en un desequilibrio que rompe las situaciones creadas, y nos obligan a mirar el mundo con un prisma muy particular, una lente de aumento que nos avisa del peligro de caminar permanentemente por la cuerda floja, de compartir la vida con otros mamíferos y sin embargo ¿qué otra cosa podemos hacer las ratas y los canguros más que unir nuestras fuerzas contra el apocalipsis zombi que cada día asola nuestras vidas?

 

 

Matilda: Un musical maravilloso con un potente mensaje

 

Ronald Dahl escribió Matilda en 1988, una novela de la que no tengo ninguna referencia. Mi acercamiento al personaje se debe a la adaptación cinematográfica dirigida por Dany De Vito en 1996, que se queda muy alejada en calidad de la excelente máquina narrativa que supone el musical realizado en 2010 por la Royal Shakespeare Company, cuya version española se representa en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid.

Matilda es un musical impecable. Narración, partitura y coreografía encajan perfectamente en una dramaturgia que incorpora otras artes escénicas en forma de narración oral y lenguaje circense. El trabajo actoral es sobresaliente y gracias a un amplio elenco, el reparto de cada función se va alternando, pero es fácil imaginar que el nivel de interpretación será muy parecido en todas los pases para conseguir números musicales tan elocuentes como el lirismo de unos columpios gigantes que nos recuerdan que cuando eres mayor siempre tienes preguntas por responder, la locura de unas habitaciones apiladas donde la noche es un no parar de cantar y bailar, o la emocionante coreografía de una revolución que pone en valor la importancia de los pupitres.

La tesis de la función es demostrar que, frente a la burricie de quienes pasan las horas muertas ante los concursos hilarantes de una televisión tóxica que anula el espíritu crítico, otro mundo es posible en el que se fusiona estudio, lectura y creatividad, tres actividades que, al contrario de lo que piensan lo zoquetes, no están reñidas con el divertimento. Matilda es la historia de la historia de una niña  aficionada a la lectura que transcurre en tres ámbitos para msotrarnos diferentes aspectos de su personalidad y de las personas que forman parte de su vida en el hogar, la escuela y la biblioteca.

La familia de Matilda es odiosa porque para ellos Matidla simplemente no existe, o tan solo es un objeto horroroso que se puede patear, insultar o vilipendiar. Sin embargo, están dibujados de una manera tan nítida y a la vez tan colorista, que nunca se terminan de perciben como los malos malotes de ponerse a temblar, más bien son una caricatura de que dan un pelín de pena porque no dejan de ser el pack garrulo de una ignorancia arrogante que más pronto que tarde les llevará a pegarse un Tozolón importante. Sin embargo, como el libreto envuelve todos esos despropósitos de ironía, vestuarios tropicales y un dinamismo chispeante en las acciones, hasta culminar con un fantástico número musical entre la madre desnortada de Matilda y un electrizante, sensual y muy gracioso profesor de bailes latinos.

La Biblioteca es para Matilda un Contendor inmenso de historias para leer y el lugar donde la bibliotecaria escucha con fervor las
historias que dictan su imaginación. Nos encontramos con unas escenas de una gran potencia teatral en las que aúnan la fuerza evocadora del relato oral, una deliciosa escenografía, y el lirismo de una acción ejecutada por unas siluetas circenses. Matilda mezcla todos esos elementos para construir un universo donde el más difícil todavía permite giros inesperados que nos llevan de las grandes dosis de amor a las lágrimas del drama, y quien sabe si a un final feliz.

La escuela es el meollo esencial de la función. Un lugar donde gobierna la maldad de una profesora mala, malísima con la autoestima muy alta, y un irremediable tendencia a deleitarse en el sufrimiento de los demás, sin embargo, como está dibujada sin un gramo de parodia y su puntito de ironía, la seguimos con mucho interés y, pese determinación para aniquilar niños, nunca se llega a odiarla. La decisión de que este papel femenino sea interpretado por un actor es un acierto mayúsculo que  permite una composición brillante del personaje, un puntazo que diría Raquel Vidales.

En la escuela ocurren cosas muy importantes. La primera tiene que ver con la formación y la evolución del conocimiento de los niños que asisten a clase, y que se convierte en todo un alegato en contra de esa corriente que está inundando el mundo occidental, que Antonio Muñoz Molina califica de "La edad de la ignorancia", y a la que hemos llegado en tres fases: 1 En un principio la ignorancia desataba el ridículo y había un intento por disimularla. 2 La ignorancia, cuando algunos líderes mundiales la mostraban sin vergüenza, comenzó a ser aceptada con indulgencia y naturalidad.3 En la actualidad la ignorancia se muestra sin complejos para convertirse en una señal de orgullo, y ahí es donde triunfan las redes sociales que la glorifican.

La segunda es que la defensa en favor dela cultura y el conocimiento deriva en que los alumnos se dan cuenta de la importancia de luchar contra la ignorancia desde el esfuerzo individual como el primer paso para obtener la conciencia colectiva que les permitirá enfrentarse al despotismo que les oprime y así, la fuerza del grupo limita la importancia de los poderes telequinésicos personales y exclusivos de Matilda que, si eran decisivos en la versión cinematográfica, ahora solo son un elemento más de la revuelta, una herramienta simbólica en la revolución que se visualiza en un emocionante número musical en el que participa todo el elenco.

Es evidente que la visión que les acabo de enunciar pertenece a la mirada de un adulto, sin embargo la grandeza de este espectáculo radica en que también está pensado para el público infantil que, con menos requiebros teóricos, se lo pasa de rechupete en un espectáculo que aúna emoción, reflexión y carcajadas para alimentar espíritus rebeldes.