La curvatura de la córnea

18 enero 2026

La decisión de Lola

 




Una mirada que hipnotiza

La cómica Hannah Godsby le dio un meneo al monólogo para que la comedia fuera más allá de hacer reír de múltiples maneras, y convertirla en una plataforma de expresión para que al final el público sienta lo que tú quieres transmitir. En palabras de Sergio del Molino, un humor donde la inteligencia o la diversión sea menos importante que su capacidad para reflexionar.

Sobre el texto de José Warletta no hay duda, aunque se reserva una coda con el tono de agitar conciencias, está pensado para hacer reír mediante el típico monólogo de entretenimiento, y esa tentación de repetir la fórmula de terminar cada párrafo con un chiste o chascarrillo gracioso, y sin embargo contiene la arquitectura teatral para construir el arco dramático de un personaje complejo que se puede resumir en tres hitos generacionales. La abuela de estropajo y delantal con una capacidad innata para contar en bucle mil historias familiares de mesa camilla y aledaños hasta perder el hilo y volver a empezar. La madre con güisqui y bolero que toma conciencia de sí misma para comprender que la vida más auténtica es la que tiende a acercarse a lo que ella siempre ha soñado. La hija de pelo suelto y pintalabios carmín que asume la realidad, toma los mandos y canta por Rosalía: Solo soy un terrón de azúcar. Sé desaparecer. Cuando tú vienes es cuando me voy.

La dirección de Mario Ronsano acepta ese universo de risas para mostrar los pliegues que denuncian la travesía del amor romántico a la violencia de género. La interpretación de Ana García es un salto mortal para equilibrar el ritmo de comedia con la naturalidad orgánica del personaje. Una coreografía de pequeños gestos y cambios en el tono de voz que aportan matices de profundidad, hasta concentrar toda su energía en una mirada que hipnotiza al patio de butacas.

 

‘La decisión de Lola’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Factory Producciones. Autor: Jose Warletta. Dirección: Mario Ronsano. Interprete: Ana García. Escenografía e Iluminación: Jose Antonio Royo. Vestuario: Arantxa Ezquerro.

Jueves 15 de enero de 2026. Teatro del Mercado

Crítica de teatro en Zaragoza: 'La decisión de Lola', una mirada que hipnotiza



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15 mayo 2025

Méliés el mago del cine

 


Divulgar con la risa

Los hermanos Lumière le auguraron un futuro incierto a su nuevo invento. El cinematógrafo nunca llegaría más allá de una curiosa herramienta que les permitiría reflejar de manera documental la forma de vivir de finales del siglo XIX. El texto de Daniel Tejero recoge este momento fundacional mediante un salto en el tiempo que nos lleva al Paris de 1895 para contarnos la historia de uno de los pioneros que protagonizaron un cambio fundamental.

Méliés era hábil en casi todos los oficios. Con una imaginación desbordante amasada en el escenario del teatro y actor por naturaleza, puso la magia de su creatividad como prestidigitador y todas sus facultades de artista al servicio de la nueva tecnología. Grabar y proyectar imágenes en movimiento le permitió explorar las posibilidades de un incipiente lenguaje para contar desde aventuras fantásticas a historias reales.

La dramaturgia apuesta por la participación activa del público. Un riesgo innecesario cuando el relato pide aumentar el músculo narrativo de una peripecia, donde lo más interesante ocurre al armonizar la dinámica de los tres protagonistas con el divertido aliño de la divulgación.

La sobriedad de Ismael Escribano ocupa la parte posterior del escenario con la banda sonora de un piano minimalista y poético. Rubén Remacha ejerce como el maestro de ceremonias diligente y eficaz que empuja la acción con la inteligencia y la ternura de quien sabe lo que quiere, y lo muestra con una teatralidad natural. La explosiva vitalidad de Alba Escribano es el contrapeso que va de un lugar a otro con energía orgánica para dar y tomar. Revolotea entre sus compañeros, agita el patio de butacas, y tiene la clarividencia del payaso para hacer reír con esa seriedad sobrevenida que voltea palabras, sortea obstáculos y nunca se da por vencida.

 ‘Méliès el mago del cine’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Factory Producciones. Autor: Daniel Tejero. Dirección: Rubén Remacha y Mario Ronsano. Reparto: Rubén Remacha, Alba Escribano e Ismael Escribano. Espacio escénico e iluminación: José Antonio Royo. Escenografía: Eduardo Velilla. Espacio sonoro: Ismael Serrano. Vestuario: Raquel Poblador.

Jueves 8 de mayo de 2025. Teatro del Mercado.

‘Méliès el mago del cine’: Divulgar con la risa




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03 octubre 2024

Manual básico de lengua de signos para romper corazones

 


Una comedia amable de amor y esperanza

Roberto Pérez Toledo escribió ‘Manual básico de lengua de signos para romper corazones’ porque quería dar un paso adelante, que unos personajes creados para un corto publicitario ocuparan el espacio teatral, y continuar una historia que nos habla del encuentro entre dos muchachos y un flechazo de amor.

Aunque la disposición en el escenario nos invita a pensar en una comedia de sofá, muy pronto queda en evidencia que estamos ante una comedia romántica. La peripecia nos cuenta una relación homosexual con la dosis justa de almíbar, dos comportamientos muy diferentes, las tensiones propias entre el amor y el desamor, la preocupación por la opinión del entorno familiar, y la interesante variante de los problemas de comunicación entre un sordo y un escuchante que desconoce la lengua de signos.

Los actores Carlos Soroa y Enrique Cervantes muestran con claridad el planteamiento en una relación amorosa y sus diferentes grados de intensidad emocional, desde los primeros besos hasta las primeras desavenencias y derivan en las tragedias que romperán el tablero del amor. Pero el gran acierto del texto es el uso de la ironía para mostrar como el personaje de Cervantes es capaz de construir un discurso muy potente y directo con las palabras habladas, mientras que el personaje sordo de Soroa es mucho más huidizo a la hora de mostrar sus sentimientos. Esa es la discrepancia que tensiona la relación y sin embargo, las diferencias se disuelven cuando los dos utilizan los mensajes del teléfono móvil para comunicarse con un lenguaje más pudoroso, irónico y lateral que permite un terreno de distensión y sonrisa.

Una vez establecido el marco principal de la comedia la trama avanza gracias a dos personajes nuevos. Juan Torres interpreta al típico escudero especializado en desengrasar situaciones mediante el humor, que en este caso tiene dos vertientes. Los diálogos se caracterizan por la ausencia del ritmo y la consistencia de las que se nutren las buenas réplicas. Sin embargo la comicidad gestual le funciona mucho mejor. El trabajo actoral de Enma Vallejo es el más complicado porque su personaje aparece cuando la peripecia ya cabalga a velocidad de crucero y se enfrenta a dos retos narrativos muy importantes. El primero es la dificultad de dotar de valor dramático a cuestiones que no ocurren en escena y que el público necesita saber. El segundo es componer una relación paralela a la secuencia principal. Ella que también es sorda tiene que tejer una relación de amistad con el escudero gracioso. La responsabilidad es tan grande que se echa en falta una energía más rompedora para elevar el tono de la comedia. Sin embargo, estoy seguro que ese trabajo interpretativo está directamente relacionado con que la actriz ha sido la última incorporación a un proyecto que ya estaba muy rodado.

La función se sigue perfectamente porque está sobretitulada para que todos los espectadores puedan seguir las conversaciones. Los oyentes entienden el lenguaje de signos y los sordos las palabras habladas. Sin embargo, gracias a una sinceridad que se agradece, el productor Toño Monzón confesaba en eldiario.es que se han visto obligados a realizar un planteamiento Low Cost porque la escenografía diseñada para el estreno en el Teatro María Guerrero, precisaba de una complejidad en el montaje que ellos no pueden asumir. En realidad la escenografía original también era un recurso que ayudaba a comprender el mensaje de la función. El decorado simbolizaba el laberinto en el que se encuentran los amantes homosexuales, sus dudas sobre dar a conocer su condición sexual o no hacerlo. Un maremágnum de indecisiones que se visualizaban gracias a un montón de puertas de armarios para que los personajes se escondan, se pierdan y vuelvan a encontrase una y otra vez.

Es fácil imaginar como la dinámica de la comedia entraba en una dimensión diferente con un diseño escenográfico que potenciaba los mensajes que transmite la función. La lucha de identidad, incomunicación y discapacidad contra unas barreras con las que se dan de bruces, pero también como hay que estar atento a ese momento en el que la amabilidad o el amor te abre la puerta para que ocupes su vida. Al fin y al cabo todos sabemos que una comedia romántica siempre termina con un brochazo final de optimismo, buen humor y esperanza.

 

‘Manual básico de lengua de signos para romper corazones’

Producción: Patty Brava y Factory Producciones. Autor: Roberto Pérez Toledo. Dirección y video: Edgar Córcoles. Reparto: Carlos Soroa, Enrique Cervantes, Emma Vallejo, Jonás Torres. Diseño Iluminación y Escenografía: José Antonio Royo. Música: Alejandro Ventura.

Lunes 23 de septiembre. Sala Polivalente Palacio de Congresos de Huesca.


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03 mayo 2024

María Domínguez una flor en el páramo


 

El valor de la Memoria Histórica

Los análisis genéticos confirmaron que los restos de la mujer asesinada en la tapia del cementerio de Fuendejalón eran de la primera alcaldesa democrática de España. Los estudios históricos descubrieron a la mujer humilde que luchó por la igualdad social, a la esposa feminista maltratada, y a la maestra de pueblo articulista y conferenciante. 'María Domínguez una flor en el páramo' es la urdimbre de todos estos hilos entretejida con el lenguaje teatral para poner en valor la necesidad de profundizar en la Memoria Histórica.

La construcción de un personaje suele formase a partir del discurso del dramaturgo sin embargo, el texto de Francisco Fraguas toma la voz de María Domínguez para nutrirla con las proteínas de acontecimientos históricos, vivencias personales y una miaja de humor que van mostrando su personalidad hasta culminar en un epílogo que resume sus ideas.

La función comenzó dubitativa y con algunos finales de frase con el volumen difuminado hasta ganar vuelo en un salto mortal. Situar en la órbita de la protagonista a veinticuatro personajes caracterizados con trazos precisos y suficientes por la solidez de Francisco Fraguas y la chispa zigzagueante de Cielo Ferrández. La dirección de Mario Ronsano acelera la sucesión de acontecimientos hasta atropellarnos y al mismo tiempo, la diáfana y pausada presencia de los actores le permite detenerse en gestos y palabras que, acompañados por un espacio sonoro deliciosamente minimalista, incrementan de a poquitos el grado de emoción.

La interpretación de Ana García condensa estos elementos narrativos en un ejercicio de contención para moldear una María Domínguez que se desenvuelve entre la sabiduría de la duda, y la firmeza resolutiva de una inteligencia sin estrépito para la gestión pública, el discurso político y el amor.

 'María Domínguez, una flor en el páramo'

Calificación 4 estrellas

Producción: Factory Producciones. Autor: Francisco Fraguas. Dirección: Mario Ronsano. Reparto: Ana García, Francisco Fraguas y Cielo Ferrández. Violín: Noelia Gracia. Piano: Jesús Ortiz. Asesoría Histórica: Carmina Gascón.

Miércoles 1 de mayo de 2024. Teatro de las Esquinas.

El valor de la Memoria Histórica (heraldo.es)




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08 diciembre 2022

El reencuentro

 



La exaltación del conflicto

«El reencuentro» es una función abonada a la receta de Cecil B. DeMille para atrapar al espectador: Empezar con un terremoto y de ahí para arriba. El texto de Ramón Paso impulsa la relación entre dos hermanas mediante un conflicto constante que empieza con una batalla campal de un tono muy elevado. El reto consiste en mantener ese alto grado de tensión gracias a una  apabullante avalancha retórica cosida por chistes, giros verbales y frases ingeniosas centrifugadas  al ritmo trepidante de la comedia.

La dirección mantiene el pulso de la peripecia enlazando una coreografía de acontecimientos que van desde asuntos de carácter social como el cuidado de los ancianos, los desahucios o la calidad de la sanidad, hasta las relaciones familiares que nos ayudan a entender la personalidad de las protagonistas, congeniar con ellas y acompañarlas en el combate con el que dirimen sus diferencias. El conflicto entre estas dos fuerzas antagónicas es tan intenso que la sucesión de crisis y colisiones se perciben como una saturación reiterativa. El único momento de duda llega cuando las hermanas conversan: Una ordena la casa y la otra, con una borrachera muy poco verosímil, deambula sin un objetivo claro y definido hasta desinflar parte de la tensión dramática que se había acumulado para sostener el entramado estructural de la narración.

La interpretación de las actrices es el elemento clave. Un exigente «tour de forcé» que nos lleva al resbaladizo mundo de la caricatura, en el que Yolanda Blanco se mueve en parámetros más naturales, pero igual de intensos que la serpentina vocal y gestual en la que surfea Minerva Arbués. Da gusto verlas trabajar en escena con esa generosa energía de la que se retroalimentan hasta conseguir un arco dramático donde lo grotesco aterriza en una cierta calma.

 

Ficha Técnica de «El Reencuentro»

Calificación: 3 estrellas

Producción: Factory Producciones y Hello Yoly. Autor: Ramón Paso. Dirección: Mario Ronsano y Yolanda Blanco. Reparto: Yolanda Blanco y Minerva Arbués

Teatro del Mercado. 6 de diciembre de 2022



 

 

 

 


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29 noviembre 2022

Si esto es un hombre


 

Sobrevivir al infierno

Dante Alighieri escribió «La Divina Comedia» en el primer cuarto de siglo XIV como la narración de un viaje que comenzó a las puertas del infierno bajo una inscripción que decía "Abandonar toda esperanza, quienes aquí entráis". Cuando las autoridades fascistas italianas entregaron a Primo Levi a la Gestapo alemana en febrero de 1944 porque era judío, y por tanto le correspondía la deportación y la muerte, el joven químico no podía imaginar que aquel viaje lo llevaría hasta las puertas del infierno situadas en campo de exterminio de Auschwitz y que sería capaz de sobrevivir.

Primo Levi escribió «Si esto es un hombre» en 1946, y en la presentación ya advertía "que ninguno de los datos ha sido inventado". Seguramente es un aviso necesario porque cuando te sumerges en su testimonio, lo primero que llama la atención es el tono neutro y objetivo con el que describe todo tipo de atrocidades, y la inexistencia de expresiones de odio, rencor o deseo de venganza. Sin embargo Levi confesó en 1976 que su abstención a la hora de juzgar explícitamente lo ocurrido no había que confundirla con el perdón, porque él no estaba dispuesto a perdonar a ninguno de los responsables, a menos que hubiera demostrado con hechos que habían tomado conciencia de las culpas y errores del fascismo.

La dirección de Mario Ronsano acierta cuando pone todo el empeño en conseguir que todas las palabras se perciban exentas de rabia, limpias de venganza y con una dicción quirúrgica que recoge la esencia del mensaje que quería transmitir Primo Levi mediante un diseño espacial muy concreto y utilizando tres lenguajes diferentes.

El espacio escénico atiende a la sensación que tuvo Cuando Primo Levi accedió al campo de exterminio, sintió que el infierno era una sala grande y vacía. El espacio escénico responde a esa sensación mediante una caja Aséptica de paredes blancas y neutras que aumentan la sensación de encierro, un espacio que mutará al compás de las palabras del autor mediante proyecciones visuales tan sobrias como eficaces y un audio que eleva la tensión narrativa para subrayar el mensaje esencial: Lo importante de esta historia es comprender que el peligro sigue ahí, agazapado, esperando a que el olvido de una sociedad desorientada ponga el viento a su favor.

Mariano Anos sustenta su interpretación en un tono comedido que, centrado en la contención gestual, nos regala un excelente trabajo vocal que recorre tres formatos diferentes. El primero recuerda la tradición oral de contar la peripecia más importante de una vida, esas historias familiares que solo se pueden contar en un ambiente de confianza sin fisuras y que, por mucho drama que contengan, siempre se perciben con la tibieza de los cuentos que Brotan al calor del hogar. El segundo conecta directamente con el hecho físico de un personaje leyendo en escena, una acción que transmite la idea de que lo realmente importante es la huella documental, dejar constancia negro sobre blanco de los acontecimientos dignos de ser recordados con fidelidad histórica. El tercero es la presencia del recuerdo que nace en la memoria y ocupa un espacio permanente en el pensamiento. La representación teatral de esta idea es posible gracias al uso de la tecnología y así, las palabras de Primo Levi nos llegan filtradas por una cámara de video y una postproducción que proyecta la imagen del personaje con un pequeñísimo retraso, una disfunción mínima que nos advierte del capricho del recuerdo que, si bien forma parte esencial de cualquier historia, también requiere una percepción diferente que tenga en cuenta su grado de elaboración posterior.

La representación mantiene a toda costa el estilo sobrio, casi de inventario de la obra original, una decisión estética que asume la posibilidad de que la emoción no estalle, y que el testimonio se perciba en su faceta estrictamente ética que, antes de dirigirse al corazón, tiene como objetivo un impacto intelectual sobre lectores y público para que no se repita el horror de Auschiwitz recurriendo al único camino posible: Evitar el olvido definitivo de los muertos.

 

«Si esto es un hombre»

Producción: Factory Producciones e Ideando Teatro. Autor: Primo Levi. Adaptación: Domenico Scarpa y Valter Malosti. Versión libre y actor: Mariano Anos. Dirección: Mario Ronsano. Escenografía: Antonio de Clemente. Espacio sonoro: Javi Lobe.

28 de noviembre de 2022. Teatro Arbolé.

 


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02 noviembre 2022

Los mundos de Amelia


Los mundos de Amelia: El círculo de las emociones

La gentrificación es un proceso de renovación que transforma los centros urbanos sustituyendo viviendas por apartamentos turísticos y centros comerciales que cambian las condiciones sociales, económicas y culturales para favorecer la llegada de personas con un estatus económico superior, mientras las clases medias y populares se desplazan a zonas periféricas de la ciudad. "Los mundos de Amelia" es un cuento que se apunta a este concepto de la Geografía Humana para sustituir al lobo y sus soplidos, por una heredera sin corazón que vende un edificio de viviendas al mejor postor, deja a sus habitantes en la calle y obtiene un suculento beneficio.

El texto de Francisco Fraguas utiliza cuatro personajes cinematográficos de la factoría Disney como protagonistas de un cuento con una estructura clásica de narración. Elsa, Bella, Quasimodo y Aladdin ponen su personalidad al servicio de la peripecia, de manera que la novedosa relación entre ellos permite acercarse de manera natural al resto del universo Disney para que las canciones y personajes que todos conocemos formen parte del engranaje que hace avanzar la historia.

La presentación de los buenos del cuento se hace con canciones por todo lo alto. Alicia Gaison es una Elsa apasionada por el frío que se muestra tan serena como el azul de su vestido y turbulenta como el vuelo de su capa, una princesa sonriente detrás de unas gafas que siempre alcanza las notas más altas de las canciones. Sara Sanroman es una Bella amarrada a un libro, una joven elegante que acumula conocimientos para organizar una mudanza, un club de lectura o un coro a tres voces en el que llevar la batuta mientras la delicadeza de sus cuerdas vocales acaricia las notas del pentagrama. Rubén Remacha es un Quasimodo con el talento del artista que brinca por las paredes, es el bailarín en la fiesta o el rompecorazones con caidita en los ojos para anunciar a un barítono que añora las gárgolas de una catedral. Manuel López-Vigo es un ingenioso Aladdin, avispado cuando llegan los problemas, tiene la inteligencia de quien siempre busca una solución ingeniosa y nunca sabes muy bien que está pensando detrás de esa mirada de pícaro saltimbanqui que nos apela entre canciones y bailes.

El conflicto del cuento se sitúa entre los buenos que quieren seguir en sus casas y La Nati, sobrina y heredera de Amelia, que solo piensa en sacar un inmediato y suculento beneficio económico. Yolanda Blanco hace el mayor y más gustoso de los viajes de esta función, el que va de la malhumorada ejecutiva sin tiempo pa'ná hasta transformar la seria geometría de su vestido verde en un alegre estallido de colores combinados sin ton ni son, y que tan bien nos habla del acertado diseño de vestuario para todo el elenco. El trabajo de Yolanda Blanco, que a veces consiste en observar a sus compañeros cantar y bailar, o flotar en las ensoñadoras vueltas de un vals, me recordó las palabras de Mariano Barroso: La melodía de las buenas historias audiovisuales siempre se encuentran en las miradas. Las miradas que Blanco regala a su personaje tienen la virtud de anticipar que cueste lo que cueste, todo va a salir bien, que La Nati de niñez olvidada, de notas fuera de tono y un vaivén oceánico de caderas, más pronto que tarde va a formar parte de ese universo donde lo normal es que la vida transcurra entre canciones y bailes para un gran festín, buscar lo más vital o disfrutar en las aguas más profundas del mar.

El desenlace llega después de que nuestros protagonistas se enfrenten a esos obstáculos tan necesarios para tensar la función y que las emociones entren en una montaña rusa donde la comicidad se combina con alegría, tristeza y decepción. A lo largo de toda la historia se aglutinan elementos propios de una buena historia infantil: Continuidad y rapidez en la acción, utilización de canciones como elemento de repetición para favorecer la comprensión y hacer avanzar la historia y, en cuanto la peripecia deja un hueco, introducir un giro de humor o el pellizco de la ironía para que la sonrisa brote y la carcajada estalle. La dirección de Mario Ronsano maneja con buen pulso todo este material narrativo y consigue que los personajes llenen de vida el escenario con sus sentimientos y actitudes para que brillen en los elementos musicales como en el vértigo de algunos diálogo, y en la pausa justa que deja un silencio flotando en el aire.

La escenografía está diseñada con la sobriedad que dicta la eficacia mediante un telón multicolor y un pequeño atrezo que disponen el espacio para que el proscenio sea musical, la zona central narrativa y más atrás, en el escotillón donde los cuerpos parecen evaporarse, un mundo para cantar a capela "Recuérdame" de la película Coco, y dejarme al borde de las lágrimas, justo antes de la eclosión final que cierra el cuento y el círculo de las emociones.

 

Ficha Técnia Los mundos de Amelia

 

Producción: Factory Producciones. Texto: Francisco Fraguas. Dirección: Mario Ronsano. Reparto: Yolanda Blanco, Manuel López, Sara Sanromán, Alicia Gascón y Rubén Remacha. Escenografía: Rubén Valero. Iluminación: José Antonio Royo. Vestuario. Alfonso López. Coreografía. Alicia Gasión. Entrenador vocal. Rodrigo Ramos. Diseño gráfico. Rubén Valero. Voces en off. Vicky Tafalla / Jaime Ocaña / Yolanda Blanco. Producción ejecutiva. José Antonio Royo.

31 de noviembre de 2020. Teatro del Mercado.




 

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