El misterioso caso del poeta que se fue a la luna

 

Una Comedia Pop que pierde ritmo

Patricia Tubella recuerda que el Pop-Art elevó el culto a la celebridad hasta la categoría de arte mediante la crítica o la celebración de la cultura de consumo. Este influjo de la cultura pop utiliza una coctelera para mezclar imágenes inmediatamente reconocibles por el público que podemos resumir en una exhibición de latas de sopa, estrellas del entretenimiento y líderes políticos.

Jaime Ocaña ha escrito un texto que acumula una gran cantidad de nombres populares, pero el uso que les da en la peripecia es meramente instrumental para encajarlos en un discurso caracterizado por un encadenado más o menos brillante de juegos de palabras, chascarrillos y humoradas que, si al principio resultan novedosos, poco a poco pierden fuerza hasta diluir lo que el programa de mano califica de «Comedia Pop»

La función empieza con una sugerente presentación de los personajes apoyada en la experiencia de unos actores con oficio de sobra para que las ironías y dobles sentidos funcionen bien dentro de una ucronía descacharrante: el fundador de la Legión Española, el autor de 'Poeta en Nueva York', y la mujer transgresora que escribió sobre la erótica de sus pechos a principios del siglo XX comparten conversación entre puyitas de intelectual, ecos de la Guerra Civil y una boda estrafalaria.

La dirección de Mario Ronsano incorpora ingredientes que buscan una vía de escape a la preeminencia de la comicidad verbal. El baile poético de seducción, la ilustración reaccionaria de 'El Mago de Oz', o la discreta utilización de los títeres. Estos materiales narrativos no transforman el agotamiento de la energía generada por la oralidad, y tampoco añaden chisporroteo eléctrico para enriquecer el juego escénico con sorpresas, gestualidad y acciones que alimenten el ritmo clásico de la comedia.

 

'El misterioso caso del poeta que se fue a la luna'

Calificación: 2 estrellas

Producción: Belladona Teatro, Las Pueyo Producciones. Dramaturgia: Jaime Ocaña. Dirección y puesta en escena: Mario Ronsano. Intérpretes: Jaime Ocaña, Catalina Pueyo y Francisco Fraguas.

Viernes 13 de septiembre de 2024. Teatro del Mercado

María Domínguez una flor en el páramo

 

El valor de la Memoria Histórica

Los análisis genéticos confirmaron que los restos de la mujer asesinada en la tapia del cementerio de Fuendejalón eran de la primera alcaldesa democrática de España. Los estudios históricos descubrieron a la mujer humilde que luchó por la igualdad social, a la esposa feminista maltratada, y a la maestra de pueblo articulista y conferenciante. 'María Domínguez una flor en el páramo' es la urdimbre de todos estos hilos entretejida con el lenguaje teatral para poner en valor la necesidad de profundizar en la Memoria Histórica.

La construcción de un personaje suele formase a partir del discurso del dramaturgo sin embargo, el texto de Francisco Fraguas toma la voz de María Domínguez para nutrirla con las proteínas de acontecimientos históricos, vivencias personales y una miaja de humor que van mostrando su personalidad hasta culminar en un epílogo que resume sus ideas.

La función comenzó dubitativa y con algunos finales de frase con el volumen difuminado hasta ganar vuelo en un salto mortal. Situar en la órbita de la protagonista a veinticuatro personajes caracterizados con trazos precisos y suficientes por la solidez de Francisco Fraguas y la chispa zigzagueante de Cielo Ferrández. La dirección de Mario Ronsano acelera la sucesión de acontecimientos hasta atropellarnos y al mismo tiempo, la diáfana y pausada presencia de los actores le permite detenerse en gestos y palabras que, acompañados por un espacio sonoro deliciosamente minimalista, incrementan de a poquitos el grado de emoción.

La interpretación de Ana García condensa estos elementos narrativos en un ejercicio de contención para moldear una María Domínguez que se desenvuelve entre la sabiduría de la duda, y la firmeza resolutiva de una inteligencia sin estrépito para la gestión pública, el discurso político y el amor.

 'María Domínguez, una flor en el páramo'

Calificación 4 estrellas

Producción: Factory Producciones. Autor: Francisco Fraguas. Dirección: Mario Ronsano. Reparto: Ana García, Francisco Fraguas y Cielo Ferrández. Violín: Noelia Gracia. Piano: Jesús Ortiz. Asesoría Histórica: Carmina Gascón.

Miércoles 1 de mayo de 2024. Teatro de las Esquinas.

El valor de la Memoria Histórica (heraldo.es)

Edipo

 

Los héroes también lloran

El psicoanálisis fue injusto con Edipo cuando le asignó un complejo que no merece. El héroe por méritos propios que termina expiando la responsabilidad de sus actos para aplacar la ira de los dioses y beneficiar a la comunidad, no sintió ni el deseo del incesto, ni la necesidad de matar al padre. La desdicha de su vida es un capricho del destino.

La escenografía propicia un ambiente poético que separa con gusto y eficacia los hechos reales y presentes de las acciones ocultas, recuerdos y fantasmas. La adaptación acierta con la externalización de la voz del corifeo en dos ciudadanos, para que los diálogos y la función narrativa se conviertan en la melodía de un coro acompañado por percusiones, flautas y efectos sonoros.

La dirección organiza con claridad el espacio, potencia una representación grupal que difumina el binomio protagonista/antagonista, y reduce la dosis de tensión del conflicto trágico que, dibujado en los duelos dialécticos o en la coreografía de los báculos, se diluye en el arco dramático de un héroe sabio y sensato, que no termina de decantarse en el hombre al que, una vez descubierta su peripecia fatal, Sófocles describe como «desesperado» Esa contención engrandece al personaje y lo simbólico de su castigo, pero reduce el impacto emocional en el espectador que ya conoce su desventura, cuando Edipo descubre la fragilidad de su felicidad frente al infortunio propiciado por los dioses y sus oráculos.

El trabajo actoral aliña el texto con soltura, buena dicción y compromiso con la verdad escénica hasta conseguir el empaque de una liturgia un tanto deshumanizada, quizás por eso destacan las trasformaciones de Chavi Bruna y Francisco Fraguas que pasan de la solemnidad a un mensajero grotesco que aligera la tensión, y a un tosco pastor que certifica la tragedia.

 

Ficha Técnica'Edipo'

Calificación: 3 estrellas

Compañía: Teatro del Temple. Autor: Sófocles. Adaptación: Alfonso Plou. Dirección: Carlos Martín. Producción. María López Insausti. Reparto: Carlos Martín, Félix Martin, Irene Alquézar, Chavi Bruna, Francisco Fraguas, Alba Gallego, Gonzalo Alonso.

Teatro Principal. 10 de noviembre de 2022.

Los mundos de Amelia

Los mundos de Amelia: El círculo de las emociones

La gentrificación es un proceso de renovación que transforma los centros urbanos sustituyendo viviendas por apartamentos turísticos y centros comerciales que cambian las condiciones sociales, económicas y culturales para favorecer la llegada de personas con un estatus económico superior, mientras las clases medias y populares se desplazan a zonas periféricas de la ciudad. "Los mundos de Amelia" es un cuento que se apunta a este concepto de la Geografía Humana para sustituir al lobo y sus soplidos, por una heredera sin corazón que vende un edificio de viviendas al mejor postor, deja a sus habitantes en la calle y obtiene un suculento beneficio.

El texto de Francisco Fraguas utiliza cuatro personajes cinematográficos de la factoría Disney como protagonistas de un cuento con una estructura clásica de narración. Elsa, Bella, Quasimodo y Aladdin ponen su personalidad al servicio de la peripecia, de manera que la novedosa relación entre ellos permite acercarse de manera natural al resto del universo Disney para que las canciones y personajes que todos conocemos formen parte del engranaje que hace avanzar la historia.

La presentación de los buenos del cuento se hace con canciones por todo lo alto. Alicia Gaison es una Elsa apasionada por el frío que se muestra tan serena como el azul de su vestido y turbulenta como el vuelo de su capa, una princesa sonriente detrás de unas gafas que siempre alcanza las notas más altas de las canciones. Sara Sanroman es una Bella amarrada a un libro, una joven elegante que acumula conocimientos para organizar una mudanza, un club de lectura o un coro a tres voces en el que llevar la batuta mientras la delicadeza de sus cuerdas vocales acaricia las notas del pentagrama. Rubén Remacha es un Quasimodo con el talento del artista que brinca por las paredes, es el bailarín en la fiesta o el rompecorazones con caidita en los ojos para anunciar a un barítono que añora las gárgolas de una catedral. Manuel López-Vigo es un ingenioso Aladdin, avispado cuando llegan los problemas, tiene la inteligencia de quien siempre busca una solución ingeniosa y nunca sabes muy bien que está pensando detrás de esa mirada de pícaro saltimbanqui que nos apela entre canciones y bailes.

El conflicto del cuento se sitúa entre los buenos que quieren seguir en sus casas y La Nati, sobrina y heredera de Amelia, que solo piensa en sacar un inmediato y suculento beneficio económico. Yolanda Blanco hace el mayor y más gustoso de los viajes de esta función, el que va de la malhumorada ejecutiva sin tiempo pa'ná hasta transformar la seria geometría de su vestido verde en un alegre estallido de colores combinados sin ton ni son, y que tan bien nos habla del acertado diseño de vestuario para todo el elenco. El trabajo de Yolanda Blanco, que a veces consiste en observar a sus compañeros cantar y bailar, o flotar en las ensoñadoras vueltas de un vals, me recordó las palabras de Mariano Barroso: La melodía de las buenas historias audiovisuales siempre se encuentran en las miradas. Las miradas que Blanco regala a su personaje tienen la virtud de anticipar que cueste lo que cueste, todo va a salir bien, que La Nati de niñez olvidada, de notas fuera de tono y un vaivén oceánico de caderas, más pronto que tarde va a formar parte de ese universo donde lo normal es que la vida transcurra entre canciones y bailes para un gran festín, buscar lo más vital o disfrutar en las aguas más profundas del mar.

El desenlace llega después de que nuestros protagonistas se enfrenten a esos obstáculos tan necesarios para tensar la función y que las emociones entren en una montaña rusa donde la comicidad se combina con alegría, tristeza y decepción. A lo largo de toda la historia se aglutinan elementos propios de una buena historia infantil: Continuidad y rapidez en la acción, utilización de canciones como elemento de repetición para favorecer la comprensión y hacer avanzar la historia y, en cuanto la peripecia deja un hueco, introducir un giro de humor o el pellizco de la ironía para que la sonrisa brote y la carcajada estalle. La dirección de Mario Ronsano maneja con buen pulso todo este material narrativo y consigue que los personajes llenen de vida el escenario con sus sentimientos y actitudes para que brillen en los elementos musicales como en el vértigo de algunos diálogo, y en la pausa justa que deja un silencio flotando en el aire.

La escenografía está diseñada con la sobriedad que dicta la eficacia mediante un telón multicolor y un pequeño atrezo que disponen el espacio para que el proscenio sea musical, la zona central narrativa y más atrás, en el escotillón donde los cuerpos parecen evaporarse, un mundo para cantar a capela "Recuérdame" de la película Coco, y dejarme al borde de las lágrimas, justo antes de la eclosión final que cierra el cuento y el círculo de las emociones.

 

Ficha Técnia Los mundos de Amelia

 

Producción: Factory Producciones. Texto: Francisco Fraguas. Dirección: Mario Ronsano. Reparto: Yolanda Blanco, Manuel López, Sara Sanromán, Alicia Gascón y Rubén Remacha. Escenografía: Rubén Valero. Iluminación: José Antonio Royo. Vestuario. Alfonso López. Coreografía. Alicia Gasión. Entrenador vocal. Rodrigo Ramos. Diseño gráfico. Rubén Valero. Voces en off. Vicky Tafalla / Jaime Ocaña / Yolanda Blanco. Producción ejecutiva. José Antonio Royo.

31 de noviembre de 2020. Teatro del Mercado.

 

Teatro del Temple presenta Don Juan Tenorio de Zorilla

El Teatro del Temple estrenó ayer en el Teatro Principal de Zaragoza el Don Juan Tenorio de Zorrilla. El truhán y pendenciero Tenorio, amante de las mujeres y matarife de los caballeros, le da suelta a la pluma en un bareto regentado por un Buttarelli con faldas y hechuras de mujer. El texto es el original pero los gestos bruscos, el cuero negro y los pantalones ajustados en el porte y campana en las aceras nos llevan a los años setenta de una España en transición de perros callejeros que chulean los andares, sacan pecho de gallito y trotan las calles con el apelativo de macarra.
La propuesta del Temple es arriesgada y sin embargo funciona muy bien en la primera escena entre chulos, chicas de alterne y los colegas con cuellos de camisa tan grandes como sus egos. Don Juan en la calle pierde la chispa pandillera del inicio, será por la noche o quizás que ante las damas se muestre menos callejero. Entonces llega el amor de veras a la vera del Guadalquivir, y Tenorio embelesado ante la virginal belleza que sus ojos contempla, muda definitivamente el gesto arrabalero por la faz del enamorado. Y aparecen las navajas y soñé con un duelo bandolero dónde el acero de plata tiña la luna de fuego. Pero el navajazo fue tan rastrero y veloz que dónde esperaba lucimiento sólo hubo telón.
Vuelve Tenorio gris, con el pelo recogido en busca de sus muertos. Dudas y miedos le asolan, o tal vez son remordimientos hasta que envalentonado le pierden sus excesos con el vino y la conciencia, y hace gala del dicho de morir por el mismo acero que antaño fue gloria de su nombre y su porfía.
El trabajo de dramaturgia para cambiar el tiempo en el que transcurre la acción es un acierto porque mantiene las palabras de Zorrilla moldeadas por los actores con excelentes resultados, recitando con la cadencia que piden los personajes y la claridad que exigen las tablas. Da igual que los alguaciles no detengan a los gallitos, o que el tabernero sea camarera, incluso cambiar monjas por curas tras los muros del claustro, esas revisiones no varían un ápice el desarrollo dramático de la obra.
La escenografía muta con imaginación y facilidad gracias a tres sencillos elementos que conforman las escenas con puertas de acceso, barras de bar, nichos de muertos y claustro conventual.
El acompañamiento sonoro y la iluminación subrayan perfectamente la tensión, el amor y la intriga que discurre ante nuestros ojos. Las transiciones entre escenas están coreografiadas y permiten un momento de relax y divertimento entre la psicodelia y el funky.
El elenco de actores esta a gran altura, si además añadimos que muchos de ellos tienen que desdoblarse en varios personajes sin que esas mutaciones afecten a la comprensión de la obra. Pero tras la ovación final no puedo dejar de preguntarme como sería la función si Tenorio mantuviese su actitud macarra del principio: Macarra en la taberna y en la calle. Enamorado de macarra y de macarra humillado. La filosa en su mano de macarra y al final, de vuelta al infierno, un macarra derrotado.
No se pierdan esta interesante propuesta del Teatro del Temple. Una ocasión única para disfrutar de la brillantez de un texto clásico del teatro español pero situado en un contexto histórico que permite revisar cuestiones como la moral, el honor y lecciones ejemplificadoras que pertenecían a otros tiempos.

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Teatro Principal de Zaragoza
Obra: DON JUAN TENORIO
Compañia: TEATRO DEL TEMPLE
Fechas: Del 9 al 13 de marzo
Funciones:
Jueves 10: 21.00h
Viernes 11: 22.00h
Sábado 12: 22.00h
Domingo 13: 19.00h
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Dirección de Carlos Martín
Dramaturgia de Alfonso Plou
Producción de María López Insausti
Escenografía de Tomás Ruata
Iluminación de Bucho Criñena
Vestuario de Beatriz Fdez. Barahona
Caracterización de Virginia Maza
Fotografía de Colectivo Anguila
Diseño Gráfico de Wadstudio
Distribución de Julio Perugorría

Reparto:
Francisco Fragúas
Ivana Heredia
Gabriel Latorre
Rosa Lasierra
Marco Aurelio González
Agustín Miguel
Sascha Montenegro
Francesc Tamarite

Los McClown presentan Mc-Mix 8 años y 1 día

Mc-Mix es el resumen de ocho años y un día – bendita condena – de la historia de la compañía aragonesa Los McClown, una función que se puede disfrutar en el Teatro del Mercado de Zaragoza durante las Fiestas del Pilar.
Me resultó extraño que con tan sólo tres espectáculos (“Cinema Maravillas”, “La Biblia según San Clown” y “En pie de guerra”) los McClown se hubieran decidido por hacer un “pastiche de lo más mejor de lo que hemos hecho”, al menos así nos lo contó uno de los arcángeles que merodean a lo largo de la obra y que sirven de hilo conductor para ir de aquí para allá por el Universo McClown, un viaje que trenza escenas totalmente diferentes con pasmosa eficacia, un cóctel realizado con la medida justa de cada uno de sus ingredientes para conseguir una excelente singladura de comicidad, además de encontrar un buen ramillete de momentos de humor de alto nivel, que el público recibe con sinfonía de carcajadas, me permito recomendarles la aparición estelar de San José, ahí, yo me desternillé de risa.
Un función escrita por Marisol Aznar, Francisco Fraguas y Alfonso Palomares que es mucho más que un Grandes Éxitos, una obra que hace honor al título de Mix para ir un poco más lejos en la mirada teatral: Entre algunos números antiguos se cuelan, ¡señoras y señores!, personajes de la próxima obra de los McClown. Los actores Jorge Asín, Marisol Aznar, Carmen Barrantes, Francisco Fraguas, Laura Gomez-Lacueva, Pablo Lagartos y Alfonso Palomares haciendo y deshaciendo personajes, dejándolos entre cajas y recuperándolos más tarde, un formidable trabajo que el público agradeció con una ovación atronadora. No se la pierdan.

Imágenes del espectáculo “En pie de guerra”