La curvatura de la córnea

30 abril 2024

Paella


 



Cocina real para una ficción

Manuel Vicent divide el desarrollo táctico de los arroces cocinados en paella entre hombre y mujeres. Ellos se invisten de una gran responsabilidad entre la angustia y la euforia de elegir los ingredientes del sofrito. Ellas definen el resto de la vida sin importarles los veinte minutos de cocción para un ratio de doble más uno entre la cantidad de arroz y agua. A los protagonistas de 'Paella' les pasa algo parecido. Mientras la actriz que interpreta a Amparo quiere concretar cómo termina la función de la manera más digna posible, el actor que interpreta a Federico se enreda en vericuetos existencialistas.

El trampantojo comienza en una escenografía que muestra el esqueleto teatral necesario para sostener una peripecia sobre césped artificial y dos sillas de jardín, que lo mismo sirven para discusión de despacho, coreografía y cabaré. Esa misma convención teatral permite una estructura que juega en dos planos. La pareja de personajes en crisis pone de manifiesto la Pertinaz desigualdad entre hombres y mujeres. El dúo de actores apela al público sobre la paradoja de interpretar desde la frialdad necesaria para no naufragar en las emociones de los personajes, evidencia el interés dramático que separa el patio de butacas de las ficciones escritas, improvisadas o vaya usted a saber que transcurren en el escenario, y lanza dardos de cachondeito contra egos y costumbres que caracterizan el mundillo del teatro y la gestión cultural.

El texto es un delicioso encaje de bolillos que guisa una comedia con un aroma trágico, ridículo y musical. La dirección retroalimenta las acciones con buen pulso narrativo que pierde fuelle en algunas transiciones, sin afectar a la precisión cómica de un trabajo actoral que rebosa verdad escénica, ritmo en el uso de la palabra y destreza en el gesto.

'Paella'

Calificación: 4 estrellas

Compañía: Tarambana Teatro. Autor: David Fernández "Fabu". Dirección: Víctor Velasco. Intérpretes: Nerea Moreno y David Fernández "Fabu". Escenografía y vestuario: María Jiménez. Coreografía: Amaya Galeote.

Domingo 28 de abril de 2024. Teatro de la Estación.

Crítica de teatro:'Paella': cocina real para una ficción (heraldo.es)


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22 abril 2024

El tiempo todo locura

 



La coctelera del tiempo

El físico Carlo Revelli defiende que el tiempo es una variable que no existe en el universo. No hay un ahora. El tiempo tan solo es una noción que el ser humano necesita para ordenar y comprender el mundo mediante la narración. El cerebro es una máquina del tiempo que utiliza la memoria para contarte la historia a ti mismo, o como escribe Manuel Vicent «El tiempo sólo son las cosas que te pasan» Pero claro, los recuerdos que tienen los tres hermanos protagonistas de 'El tiempo todo locura' son diametralmente opuestos e incompatibles con la reconstrucción de un pasado familiar común para establecer unas relaciones personales que, más allá del rol estereotipado que se le asigna a cada uno de ellos, alcancen una mayor calidad humana.

La solución dramática a estas disquisiciones acude a la película 'Regreso al futuro' cuando Doc explica a Marty McFly que el mayor peligro de viajar en el tiempo es que la modificación de cualquier evento del pasado provoca una realidad nueva y paralela a la realidad conocida. Un recurso ideal para fabricar una peripecia con diferentes planos narrativos que se materializa en un texto con exceso de adornos en remantes pocos ingeniosos, chistes facilones y referencias a canciones populares. La dirección se empeña en mantener un tono monocorde de comedia que no deja espacio a otros matices para activar la tensión que necesita el humor, hasta que la función termina con el aderezo de un guiño al público para teñir el mensaje de moralina, buenas intenciones y la deliciosa melodía de 'La vida sigue igual'

El trabajo actoral se ciñe a estas exigencias con unas interpretaciones sustentadas en una energía de sobra para alcanzar y mantener un alto grado de comicidad, tanto en la agilidad con réplicas y diálogos, como en la pulcritud de gestos y coreografías.

 

'El tiempo todo locura'

Calificación: 2 estrellas

Producción: La Zona. Texto y dirección: Félix Estaire. Intérpretes: Silvia de Pé, Ángel Ruiz y Camila Viyuela. Diseño de Iluminación: Javier Alegría. Escenografía y vestuario: Almudena Bautista.

Jueves 18 de abril de 2024. Teatro del Mercado.

'El tiempo todo locura': La coctelera del tiempo (heraldo.es)

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14 abril 2024

Noche de Reyes

 


¡Viva el teatro!

La teatralidad de 'Noche de Reyes' brota desde el disfraz y la palabra para que la peripecia sea un enredo entre la apariencia y la realidad. Shakespeare escribe una comedia con dos tramas que se cruzan: La intensidad dramática de un noble enamorado que es rechazado por la dama. La burla grotesca que sufre un criado con ínfula suficiente para soñar con un amor de alcurnia inalcanzable.

La dramaturgia de Castrillo-Ferrer respeta estos elementos pero modifica radicalmente su dosis mediante una adaptación muy intervencionista que añade textos, canciones y escenas, elimina las partes más dramáticas, y trastoca el desarrollo de algunos personajes. Si Shakespeare comienza su obra con la música que alimenta un lecho de violetas y el espíritu del amor. Castrillo-Ferrer nos invita a una fiesta de aromas balcánicos para, además de construir una escenografía con tres listones, dos cortinas y cuatro taburetes, rendir un delicioso homenaje al teatro y sus gentes.

El resultado incrementa la comicidad de una farsa que salta de la cadencia de recitar versos a una ranchera desafinada, de juegos de palabras que construyen chistes al beso que sella un matrimonio, o ¡Paren las máquinas! La oratoria de un bufón al servicio de una sinopsis visual por si el respetable se ha perdido en la espiral de equívocos.

La puesta en escena saca partido de unas interpretaciones eficaces para alejarse de la veracidad y abonar un humor que construye arquetipos meneando el ritmo del despiporre gestual. El trabajo actoral de desdoblamiento en diferentes personajes nos permite entrever como la mecánica interna de la actuación engrasa la ironía generada entre los laberintos de la identidad y la necesidad de amar, hasta cerrar el círculo y conectar con el inicio de la función con un apasionado ¡Viva el teatro!

 

'Noche de Reyes'

Calificación: 4 estrellas

Producción: Nasú Teatro y El Gato Negro. Autor: William Shakespeare. Dirección y dramaturgia: Alberto Castrillo-Ferrer. Intérpretes: Irene Alquézar, David Ardid, Blanca Carvajal, Gema Ruiz, Alfonso Pablo y Luis Rabanaque. Espacio Sonoro: David Angulo. Iluminación: Bucho Cariñena. Vestuario: Marie-Laure Benard. Coreografías: Cristina Guadaño

Jueves 11 de abril de 2024. Teatro del Mercado.






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05 abril 2024

Una ballena en el Barrio de Las Fuentes (Primera Parte

 



 Javier Guzmán pasaba los veranos de su niñez en casa de sus abuelos donde solo había una película de video. En aquellas jornadas estivales vio una y otra vez 'Moby Dick' de John Houston mientras pasaban los años y el sueño de viajar a la Patagonia Argentina para ver ballenas. Mientras tanto ha dedicado buena parte de su tiempo al esfuerzo de abrir un espacio dedicado a la enseñanza, ensayo y creación de espectáculos teatrales.

 'La Ballena' está en una zona del Barrio de Las Fuentes de cuando las calles eran huertas, acequias y las casas de dos pisos de las calles pintor Zuloaga y Santiago Rusiñol dibujaban dos líneas rectas y paralelas, mientras la calle Figueras se cimbreaba en un pequeño arco. Si la miras desde la perspectiva de Google Maps es fácil imaginarse el perfil de una ballena.

 Un pequeño cartel iluminado me avisa que he llegado. Frente a la puerta de barras metálicas y cristales traslúcidos no me puedo imaginar lo acogedor del ambiente que me espera. El espacio es diáfano con paredes en tonos oscuros y agradables. Una tenue iluminación adivina el perchero junto a un sofá negro con muchas vivencias. Al otro lado una pequeña barra para hacer café o infusiones. Sobre el grifo del fregadero una bayeta roja como la que tengo en casa. Un paso más adelante domina una luz cenital concentrada en dos grandes mesas y un buen número de sillas alrededor. Al fondo todo está negro. El escenario está a pie de suelo y tres gradas a la espera de espectadores que casi siempre son los alumnos lo observan. La clase diseñada en círculos comenzó sobre las tablas.

 El primer Círculo fue el del recibimiento. Javier saludó a todos los alumnos de manera individual. En su mirada franca adivinó las ganas de conectar con cada uno de nosotros. Desde la amabilidad recuerda la importancia de aprenderse el texto de memoria. No hay que buscar excusas por falta de tiempo, exceso de trabajo o cualquier otra consideración. Saber el texto de memoria es imprescindible para avanzar con eficacia en los ensayos.

El segundo Círculo tuvo dos fases. En la primera se trabajó la idea de grupo mediante la técnica del aplausos. Se trata de hacer un círculo para palmotear ligeramente sobre la espalda de quien tenemos delante. La mano cóncava realiza una percusión que afianza la unión en el grupo de actores. La segunda fase rompe la figura geométrica para aumentar la confianza entre las parejas que están preparando la misma escena.. El primer momento es estático y hay que usar la mirada para vaciarse en los ojos del otro. La dinámica llega después cuando cada miembro de la pareja se alterna para dejarse llevar por el otro. Una mano frente a los ojos para seguirla allá donde vaya. No hay dudas. Uno marca el camino y el otro lo sigue. Un poco más tarde se añaden las palabras del texto a memorizar para sincronizar los movimientos que desconocemos con las palabras memorizadas.

 El tercer círculo es el del análisis. Alrededor de las dos mesas se sientan alumnos y profesor para que cada pareja diseccione los textos que van a representar. La conversación trascurre bajo una premisa esencial: Interpretar significa ser verosímil para vivir de manera creíble circunstancias imaginarias.

 Javier está en alerta permanente y pone mucha atención en cada uno de los alumnos que toma la palabra. Es una avalancha de preguntas, puntualizaciones, y vuelta a preguntar. Deja el espacio suficiente para que cada alumno piense su respuesta que a veces son breves y concisas, pero también se construyen discursos sólidos y argumentados. Una escucha atenta y activa le permite subrayar las líneas más interesantes de las opiniones que vierten los alumnos, al mismo tiempo que es riguroso con la dirección por la que quiere llevar la escena.

En un par de ocasiones se produce un pequeño rifirrafe de opiniones contrarias. Javier no tiene problemas en ceder ante los gustos y preferencias de los actores, al fin y al cabo, son ellos los que tienen la responsabilidad de entender al personaje, y dejarles elegir el terreno en el que se va a mover su interpretación es una buena manera de construir la escena. Insiste en la importancia de la veracidad. Cada intérprete tiene que descubrir en cada momento cuáles son los sentimientos del personaje. No hay que adelantarse ni un ápice a todo lo que está por llegar. En el escenario es imprescindible reproducir los sentimientos de la misma forma que funcionan en la vida real. Actuar como si no conociéramos el futuro es clave para que el personaje tenga la musculatura de la verdad.

Javier utiliza este diálogo para crea un marco general en el que aterrizar la teoría necesaria para enfrentarse a los personajes a través de una máxima, dos preguntas y una afirmación: Las cosas se entienden cuando eres capaz de explicarlas. ¿Cuál es tu objetivo? ¿Cuáles son tus acciones? Pasamos de las acotaciones.

Javier quiere una respuesta concreta que explique el objetivo del personaje. Conocer lo que quiere el personaje es clave para sitúa la interpretación en un lugar real que se pueda tocar. Cuando el personaje tiene claro, el objetivo lo puede conectar con un estatus personal por el que el actor haya pasado. Alguna experiencia vital que le permita abrazar al personaje y bruñir con realidad vivida la ficción de la representación.

 Una alumna levanta la mano y expresa una duda. ¿Cuál es la diferencia entre objetivo y motivación? Javier cambia el tono de voz, abandona el ritmo picado del interrogatorio y se pasa a modo explicación para congratularse de lo acertado de la pregunta y contestar. El objetivo es algo concreto. La motivación es el por qué quiero conseguir ese objetivo. Tiene que ser personal y vincular directamente al intérprete con el personaje. Tiene razones intangibles o psicológicas relacionadas con las cosas que se pueden hacer para ser uno mismo y comunicarlo a los espectadores mediante el vestuario, la forma de moverse y de estar sobre el escenario. Javier hace hincapié en la importancia de tener presentes los conceptos de objetivo y motivación para que el actor tenga la posibilidad de apoyarse en sus propias palabras y vivencias como puentes que le abrirán un camino franco hacia el personaje.

 Javier recuerda que las acciones del personaje es todo lo que está pasando por encima del texto y que ocurre en función de su comportamiento. Entonces lanza un consejo. Si se hace una lectura atenta del texto, te detienes en los datos y contextualizas cualquier tipo de afirmación, es más fácil enriquecer la fotografía de los personajes y sus acciones. Y en este punto aprovecha para regresar a la idea de la inmediatez, y la importancia de separar el material que se está representando en el escenario del resto de la peripecia. La interpretación será mucho más creíble si la acción y los sentimientos no están condicionados por lo que va a suceder a lo largo de la obra. Acontecimientos que personaje y espectador desconocen.

 Una de las alumnas está leyendo su texto hasta que Javier la detiene porque su lectura está condicionada por las acotaciones que aparecen en el texto y lanza un mensaje rotundo: Vamos a pasar de las acotaciones. Las acotaciones no dejan de ser una prefiguración para una determinada puesta en escena que tuvo el autor en la cabeza. Con esta premisa, Javier subraya la importancia que teñir el texto con la humanidad que le aporta cada actor, y detenerse en todas y cada una de las frases para entender la profundidad de su significado argumental y emocional. Hay que huir de decir algo por solo decirlo y entender que el actor tiene que encontrar el modo más personal de sentir cada una de las palabras, más allá de cómo puntualice una acotación la forma de decir una frase. De esta manera se consigue que todas las frases tengan el sentido dramático hacia el que se dirige la interpretación. En este sentido es muy interesante buscar constantemente el conflicto entre los personajes.

 La clase de repente llegó a su fin. Las dos horas se habían pasado volando y no teníamos tiempo a probar por primera vez algunas de las escenas sobre el escenario. Me quedé con las ganas de ver el trabajo de Javier y sus alumnos sobre las tablas del escenario, y yo me lo tomo como una señal para que vuelva a colarme como oyente en otra de sus clases y volver a contarte todo lo que aprendí..

Los alumnos se despiden mientras se conjuran para memorizar el texto. Javier me sonríe mientras me regala un apretón de manos firme y franco. Camino de vuelta una casa. Recuerdo el mapa de Google que he consultado esta mañana y me imagino ascendiendo por el cuello de una Ballena en el Barrio de Las Fuentes.

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