Microteatro en el Teatro Bicho

 

Teatro Bicho. Microteatro 17 de Enero 2026

Teatro Bicho en esta temporada está consolidando una programación quincenal de microteatro que deja constancia de un movimiento alternativo en las artes escénicas de la ciudad, además de crear una base importante de público interesado en este formato. Las tres piezas que se representaron el 17 de enero de 2026 tuvieron en común una interesante construcción de los personajes, y ese puntito de dimensión social que tan bien le viene a estas pequeñas piezas desde las que se pueden mostrar de una manera directa e inmediata parte de la complejidad contemporánea.

‘Pastillas para todo’ está escrita en esa clave de comedia que busca explotar lo cómico a través del juego escénico. El trabajo actoral de Rafa Cadena condensa dos personajes perfectamente definidos por la pantomima. Al primero lo minimiza en los gestos pero lo envalentona con las palabras para enfrentarse a un dramaturgo caprichoso que le obliga a decir palabras con las que está en desacuerdo. El segundo personaje es totalmente diferente. Sorprende la transformación del actor para que todo se convierta en acción y gestualidad, y cuando ya te tiene cogido por la comedia, el personaje se sienta, agacha la cabeza y nos lleva hasta ese imaginario que flota en el cuerpo social. España es el país de mayor consumo de ansiolíticos, hipnóticos y sedantes del mundo. Una epidemia silenciosa que avanza sin grandes aspavientos, pero de forma imparable y contundente.

La comicidad de Cadena se alimenta de la realidad para elaborarla por el filtro de un humor particular hasta conseguir que lo ridículo de la situación responda a una intención estética de estar sobre el escenario.

‘Linterna’ está organizada en torno a dos personajes y dos espacios. Esther Albalá es la locutora de radio nocturna. En la construcción de su personaje juega de una manera determinante que se encuentra sentado detrás de una mesa con micrófono, y desde ahí se aprecia una apuesta muy bien construida desde la mirada. Un reflejo inconfundible de todo lo que dice desde ese tono de voz radiofónica tan familiar para los insomnes, y como cambia de manera radical cuando no está en antena. Claudia Sancho está a su lado pero de pie y en un espacio totalmente diferente. Ella es la oyente que llama a la emisora para contar sus problemas. La construcción del personaje también parte de la voz, pero ahora es todo su cuerpo el que nos transmite inseguridad, dudas, y cuando se sienta, ¡ay! cuando se sienta advertimos el gélido aire de tragedia. Ese momento es una cumbre emocional. Estamos acostumbrados a ver la vulnerabilidad de las personas que han sufrido de acoso y aquí, en un giro de guion también se pone el foco en los acosadores. El conflicto está servido pero para eso se busca el giro humanista que nos ayude a la catarsis de la sonrisa.

La situación cómica viene determinada por el choque entre los dos personajes y como la provocación de uno significa la sorpresa para el otro. Da igual si te han acosado o eres tú el acosador, porque el conflicto que parece derivarse hacia la tragedia, en realidad esquiva ese destino para encontrar un  final feliz y terapéutico que el patio de butacas recibe con alborozo.

‘En metálico y al contado’ también cuenta con dos personajes, un técnico inmobiliario y una clienta. En este caso la construcción de los personajes parte del silencio. Rodrigo Muñoz y Blanco Royo hacen un trabajo elegante y eficaz en la gestualidad que culmina con un cruce de miradas. Todavía no se ha dicho nada y ya conocemos a los personajes mientras el tiempo se dilata incomodo en el escenario… y en el patio de butacas. Entonces llegan las primeras frases. La dirección mantiene el ritmo bajo de una situación absurda y muy bien sostenida hasta que llega el circunloquio del absurdo. Una conversación de noria que dice sin decir, que avanza sin avanzar y que modifica la condición inicial de cada personaje con nuevos y sorprendentes matices hasta aterrizar de golpe en lo peor de estos tiempos:  gentes que pagan una vivienda a tocateja como símbolo de especuladores y fondos buitres.

La mirada del espectador es la responsable de encontrar la comicidad de la pieza. La percepción irónica de las acciones clasifican a los personajes, que poco a poco experimentan una pequeña transformación. La risa acude según la situación y el chascarrillo, cuando el enfrentamiento no tiene ni pizca de gracia lo hace en silencio hasta que estalla en carcajada cuando el material cómico se hace evidente. En ese ir y venir se construye una deliciosa comedia.

 

‘Pastillas para todo’

Textoo de B. Sender y R. Cadenas. Interpretado por R. Cadena

‘Linterna’

Dramaturgia: Esther Albalá. Intérpretes: Esther Albalá y Claudia Sancho. Voz en off: Jorge Hernández. Fotografía y cartel: Laura Andrés.

‘En metálico y al contado’

Producción: Extintos Teatro. Intérpretes: Rodrigo Muñoz y Blanco Royo. Dirección y cartel:  Nashaat Conde.

Sábado 17 de enero de 2026. Teatro Bicho.

La decisión de Lola

 

Una mirada que hipnotiza

La cómica Hannah Godsby le dio un meneo al monólogo para que la comedia fuera más allá de hacer reír de múltiples maneras, y convertirla en una plataforma de expresión para que al final el público sienta lo que tú quieres transmitir. En palabras de Sergio del Molino, un humor donde la inteligencia o la diversión sea menos importante que su capacidad para reflexionar.

Sobre el texto de José Warletta no hay duda, aunque se reserva una coda con el tono de agitar conciencias, está pensado para hacer reír mediante el típico monólogo de entretenimiento, y esa tentación de repetir la fórmula de terminar cada párrafo con un chiste o chascarrillo gracioso, y sin embargo contiene la arquitectura teatral para construir el arco dramático de un personaje complejo que se puede resumir en tres hitos generacionales. La abuela de estropajo y delantal con una capacidad innata para contar en bucle mil historias familiares de mesa camilla y aledaños hasta perder el hilo y volver a empezar. La madre con güisqui y bolero que toma conciencia de sí misma para comprender que la vida más auténtica es la que tiende a acercarse a lo que ella siempre ha soñado. La hija de pelo suelto y pintalabios carmín que asume la realidad, toma los mandos y canta por Rosalía: Solo soy un terrón de azúcar. Sé desaparecer. Cuando tú vienes es cuando me voy.

La dirección de Mario Ronsano acepta ese universo de risas para mostrar los pliegues que denuncian la travesía del amor romántico a la violencia de género. La interpretación de Ana García es un salto mortal para equilibrar el ritmo de comedia con la naturalidad orgánica del personaje. Una coreografía de pequeños gestos y cambios en el tono de voz que aportan matices de profundidad, hasta concentrar toda su energía en una mirada que hipnotiza al patio de butacas.

 

‘La decisión de Lola’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Factory Producciones. Autor: Jose Warletta. Dirección: Mario Ronsano. Interprete: Ana García. Escenografía e Iluminación: Jose Antonio Royo. Vestuario: Arantxa Ezquerro.

Jueves 15 de enero de 2026. Teatro del Mercado

Crítica de teatro en Zaragoza: 'La decisión de Lola', una mirada que hipnotiza

No dejes pasar está oportunidad

 

Dejar pasar una oportunidad

Enma Calvo piensa en imágenes con marcos. Se lo contó a Peribáñez en el Heraldo. Un marco es el límite entre la realidad y la ficción. La dramaturga recuerda que cuando trabajó en un museo le resultaba muy fácil ver esos marcos, y como la obra del autor quedaba perfectamente delimitada del exterior donde nos movemos el resto de los mortales. En el teatro es el escenario quien marca ese límite entre la ficción y la vida.

‘No dejes pasar esta oportunidad’ es una obra que juega a la metáfora de convertir los pasillos de un supermercado en la réplica de la vida. Allí dos mujeres, una vendedora y una clienta, deciden tomar el control de su destino.

La estructura textual de la función deja claro que Enma Calvo tiene un discurso muy elaborado con momentos brillantes, pero con un clara tendencia a dejar a los personajes como una excusa para que repliquen la tesis que  defiende la autora. Por eso el material dramático, en lugar de conseguir que los personajes encarnen la musculatura literaria que el texto  contiene, las interpretaciones se quedan varadas en algunos momentos de stand up. Y aunque esa bien podría ser una posibilidad de representación, tras las primeras miradas de las actrices a la búsqueda cómplice del público, el recurso pierde fuelle cuando al intento por construir una relación con diálogos le falta calor en los sentimientos, mientras la apisonadora de las palabras continua ganando más y más espacio hasta que la peripecia toma dos decisiones que dejan en evidencia el interés por la enunciación: los conflictos planteados se van a resolver fuera de escena y el uso de la figura clásica del deus ex machina.

Resulta muy difícil que el espectador sienta complicidad o empatía por el devenir de un personaje cuando en el momento de alcanzar la categoría de héroe se le oculta la acción de su cuerpo, la expresión de su rostro porque todo ocurre fuera de escena dejando, de nuevo, todo el peso de la catarsis a un diálogo entrecortado , mientras el patio de butaca asiste sobre el escenario a una réplica gestual ramplona y poco elaborada a cargo de la antagonista de la historia.

El broche final de la obra es la prueba del algodón para determinar la prevalencia del discurso sobre la teatralidad con el uso del deus ex machina. Una noción dramatúrgica que se utiliza para provocar la resolución de conflictos mediante la intervención de un personaje inesperado, que en este caso vuelve a estar fuera de escena dejando todo el peso del discurso a un voz en off.

Esta manera de entender la representación deja muy desprotegido el trabajo actoral. Carmen Marín y Marissa Nolla se ven en el fregado de devolverse la pelota del discurso de una a otra, pero sin llegar a conectar con la energía humana de sus personajes, ni con el gesto ni con la palabra, esa magia de solvencia y sensibilidad que les hemos visto hacer otras producciones.

‘No dejes pasar esta oportunidad’ demuestra que Enma Calvo tiene voz propia y la capacidad para idear historias, pero también deja claro que aún tiene un trecho que recorrer para convertir ese talento en un potente representación teatral que vaya más allá del uso y abuso del discurso para ponerse a la altura de las excelentes  intenciones que se adivinan.

 

‘No dejes pasar esta oportunidad’

 

Dramaturgia y dirección: Enma Calvo Olloqui. Interpretación: Marissa Nolla y Carmen Marín. Voz megáfono: Jesús Bernal. Ayudante de dirección: Dani Caudevilla. Iluminación: Natalia Marín Marco. Diseñador de sonido: Juan Monge. Música original: Gonzalo Nuviala. Estilismo: Isabel Fernández Solsona. Cartelismo: Victoria Chesa

 

Miércoles 7 de enero de 2026. Teatro del Mercado.

Casa de Muñecas

 

Casa de goteras

Eduardo Galán revisita la ‘Casa de Muñecas’ de Ibsen con un nuevo paradigma que condiciona el desarrollo de la función. El original desvela la personalidad que Nora esconde tras una aparente trivialidad envuelta por el amor que siente hacia su marido, hasta alcanzar la lucidez de mirarse a sí misma desde la reflexión de todo lo que ha vivido, y tomar una decisión tan rompedora para 1879 como abandonar a sus hijos y la seguridad del hogar.

La adaptación transcurre en la actualidad, diluye la carga existencial y sitúa el conflicto en un machismo reacio a la conciliación familiar. La dirección de Perotti apuesta por una escenografía volátil que promete laberinto, pero muy pronto se advierte que los movimientos sobre el escenario tienen ese aire de pasearse sin sustancia, mientras la dinámica de las escenas se acerca peligrosamente al quehacer de las comedias de situación, tan preocupadas por explicar las circunstancias pretéritas, como raudas para olvidar la compleja profundidad interior de los protagonistas. Esta ligereza formal desdibuja el paulatino e inexorable arco dramático por el que deberían transitan tanto Nora como el resto de los personajes, y los deja varados en un aburrido desinterés.

Una concepción tan etérea en la relación y desarrollo de la peripecia abona un trabajo actoral con actitudes y reacciones de escasa musculatura. Una prosodia zigzagueante que anula la verosimilitud de palabras balbuceadas como la metralla de unas cuerdas vocales que olvidan la densidad orgánica, y son incapaces de provocar un mínimo impacto emocional. Tan solo cuando Patxi Freytez y Pepa Gracia comparten escenario se avista un rayito de esa teatralidad que llevaría a preguntarnos tras el mítico portazo de Nora, si la libertad es lo que haces con lo que te han hecho los demás.

‘Casa de Muñecas’

Calificación: 2 estrella

Producción: Secuencia 3, Pentación, Saga Producciones. Autor: Henrik Ibsen. Adaptador: Eduardo Galán. Director: Lautaro Perotti. Reparto: Elena Ballesteros, Santi Marín, Patxi Freytez, Pepa Gracia y Alejandro Bruni. Escenografía y vestuario: Lua Quiroga.

Sábado 10 de enero de 2026. Teatro de las Esquinas.

Crítica de teatro en Zaragoza: 'Casa de muñecas', casa de goteras

Mihura el último comediográfo

Apología de la comedia

Los productores teatrales de los años 30 le dieron esquinazo a las hechuras absurdas que proponía ‘Tres sombreros de copa’, hasta que llegó el ímpetu del teatro estudiantil amateur para estrenar la obra en 1952. La crítica especializada dio palmas con las orejas por su atrevimiento formal, mientras al público burgués de pago en taquilla no le hizo gracia ni fu ni fa aquel cuestionamiento del matrimonio. Mihura escribió en el programa de mano que la situación a la que se enfrentan la pareja protagonista no era cómica, y la función del humor era envolverlo todo de una intrascendencia que le quitara peso al problema sentimental de los personajes. Adrián Perea se apunta a esa idea mediante la virguería de un texto con una  coda innecesaria y triple salto mortal: contar la vida de Mihura, como construyó su comedia más famosa, y homenajear a los comediantes.

La dirección de Beatriz Jaén se menea al ritmo que pide la comedia. Agita la coctelera del cabaret y el atropello, detiene la acción donde las palabras pesan, juega con el espacio y la escenografía para mostrar las diferentes maneras de convertir un libreto en teatro dabuten que por momentos parece desordenado, y sin embargo es el mejor caldo de cultivo para sustituir el primer plano de la carcajada, por el travelling de un variopinto catálogo de personajes perfectamente dibujados para hacer sonreír.

El elenco está de toma pan y moja. El tejemaneje de la prosodia y la eficacia en los cambios de papel certifican una máxima: todo fluye porque mientras el autor aumenta la teatralidad con la mezcla de tramas, prende la chispa del chiste o alimenta la situación cómica; el trabajo de los actores exprime sin estridencias una apabullante naturalidad para que sus interpretaciones brillen en los grandes gestos y los pequeños detalles.

‘Mihura el último comediógrafo’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Nave 10 Matadero y Entrecajas Producciones. Texto: Adrián Perea. Dirección: Beatriz Jaén. Reparto: David Castillo, Paloma Córdoba, Esperanza Elipe, Ariana Martínez, Rulo Pardo, Kevin de la Rosa y Nacho Almeida. Escenografía: Pablo Menor Palomo. Iluminación: Pedro Yagüe. Espacio sonoro: Luis Miguel Cobo. Vestuario: Vanesa Actif.

Martes 6 de enero de 2026. Teatro Principal.

Crítica de la obra de teatro 'Mihura el último comediógrafo’ en Zaragoza: Apología de la comedia

De Muggle a Mago

 

Magia en un mundo de muggles

Los muggles en el universo de Harry Potter son las personas no mágicas. El resto tienen un talento innato para la magia que se potencia en las aulas del Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Sin embargo en el mundo ordinario cualquiera puede iniciar los estudios para pasar de persona corriente a ese otro tipo al que llamamos mago.

Esa es precisamente la historia que cuenta la función. Un niño con la suerte de tener un abuelo que le regaló un libro de Harry Potter. En aquellas páginas descubrió que para dominar los hechizos es necesario estudiar bien la pronunciación de las palabras. Hincar codos es un buen método para conocer y dominar los ingredientes que diluyen la frontera entre lo cotidiano y la sorpresa mágica que provoca instantes inolvidables. Juan Tamaríz afirma que un mago por su sitio aúna la belleza estética del dicho «por arte de magia», con un irrenunciable compromiso de juego lúdico y festivo. La dramaturgia utiliza diferentes lenguajes para alcanzar esos objetivos.

La oralidad trenza chistes de diferente pelaje, la voz de un oráculo y la primera persona para relatar la aventura de dominar los rudimentos de la magia. La trepidante unión entre banda sonora y coreografía conecta la peripecia, y consigue que los números de magia brillen entre derroche de energía, creatividad y buen hacer interpretativo. El espectáculo empieza con la gran ilusión de apariciones inesperadas hasta que las revoluciones bajan al formato de una magia de cerca que juega con objetos pequeños. El vértigo regresa en modo escapismo de cadenas, mujer cortada por espadas, levitación con escoba y un magnífico número audiovisual que domestica los haces de luz de un rayo láser. Sin embargo la repetición de algunas técnicas dificulta que el espectáculo culmine en una incontestable plenitud emocional.

 

‘De Muggle a Mago’

Producción: Con ustedes producciones. Dirección y guión: Vanessa Gil. Coreografía: Inma Quinzá. Composición: Carlos Mansa. Elenco: Kenko Kinzá, Inma Quinzá, Raquel Carrasco, Ana Bueno, Jesús Thomas y Lluc Ausina. Diseño sonido: José Valle. Diseño luces: Cristina

Martes 30 de diciembre de 2025. Teatro de las Esquinas

Aprender entre lobos

 

 

Aprender entre lobos

Bruno Bettelheim defiende que el lobo de los cuentos permite a los niños experimentar que ocurrirá si no hace caso a las advertencias de sus padres. Sentir miedo y al mismo tiempo divertirse ayuda a los zagales a comprender y alentar el desarrollo de su personalidad, a diferenciar entre el temor a la representación de los seres imaginarios y los peligros de la realidad objetiva. ‘Cinco lobitos’ contribuye a ese proceso a partir de la tonada popular de los cinco lobitos que la loba tiene escondidos detrás de la escoba.

La sabiduría titiritera que atesora Iñaki Juárez conjuga diferentes técnicas de manipulación, vocecillas a tutiplén y la sonrisa de un bonachón en camisa de rayas, con el gesto pícaro de gorra y ponpom que pregunta si todo lo que pasa en los cuentos es verdad. Algún niño para sorpresa de su madre contestó convencido que si, y a partir de ahí la narrativa de la función quedó clara. Historias que asignan a los lobos un rol diferente para alejarlos del sambenito de ser siempre los malos, comprobar que cada uno de ellos tiene su propio pelaje, y cambiar el devenir de los cuentos.

Unas canciones bien guapas nos presentan a los nuevos personajes. Un lobo que sueña con ser dragón. La mala suerte de soplar y pedorrear para ni un cerdito tragar. Denunciar que los lobos se comen a las abuelas es una mentirijilla propia de  cazadores. La ternura del amor entre lobos y claro, como en cualquier familia el lobo disfrazado que descubre su naturaleza depredadora para zamparse a los cabritillos, y de paso descubrir que la naturaleza humana es capaz de abrirlo en canal, llenarle la barriga de piedras, coserla en un pispas y tirarlo al pozo, al río o estrujarlo hasta hacerlo picadillo. Ya saben, los cuentos como ese equipo de supervivencia para enfrentarnos al mundo y sus desafíos.

 

‘Cinco Lobitos’

Calificación: 4 estrellas

Compañía: Teatro Arbolé. Producción: Esteban Villarrocha. Texto, dirección y titiritiero: José Ignacio Juárez Montolio. Música: José Ramón Vericad – CUTI. Diseños: María José Montón. Construcción: Teatro Arbolé. Diseño luces: Julio Sebastián.

Lunes 29 de diciembre de 2025. Teatro Arbolé.

Crítica de la obra Cinco lobitos en el Teatro Arbolé de Zaragoza: aprender entre lobos