No me falte el aire

 

Tránsitos de pasado y futuro

El programa de mano de 'No me falte el aire' anuncia una historia sobre tránsitos que van de la juventud a la madurez, y otros geográficos entre el campo y la ciudad. Movimientos sentimentales y económicos que sitúan sus inicios hace cincuenta años, cuando una marea de migración dejó medio abandonados a los pueblos para convertir el extrarradio de las ciudades en una avalancha de ilusiones y algunas decepciones.

La mirada literaria y etérea de Sergio de Molino a esa nueva geografía sentimental terminó por acuñar el término 'España vacía' como título de un libro que explora los lazos que unen a los españoles con la memoria campesina y la mitología de los éxodos rurales. Un tratado sobre ese cruce de mitos y leyendas arrastrados por las familias entre la ciudad de llegada y el pueblo que se quedaba en el pasado. Unas conexiones sentimentales que tienen la memoria como único soporte, y por lo tanto corren el peligro potencial de perderse con el paso del tiempo y la llegada de nuevas generaciones.

El texto de Alba Saura-Clares se adentra en esos laberintos con la intención de salvaguardar algunas de las historias que protagonizaron ese tránsito para conectarlas con un presente en el que empieza vislumbrarse una nueva posibilidad de tránsito: Revertir el viaje original.

La dirección escénica de Antonio Saura sitúa la acción antes del comienzo de la función. La vida ya transcurre sobre el escenario cuando el aviso por megafonía para que el público desconecte su teléfono móvil. Es una vida con cierto ajetreo pero se aprecia cierta calma hasta que empieza la Peripecia dramática y la escena se transforma de manera radical. El ritmo se acelera. La música marca el paso de los actores que recorren todo el escenario o se detienen en una coreografía. Está va a ser la dinámica del relato. Todo parece apresurado y sin embargo la precisión es absoluta. Las historias saltan en el tiempo. Los espacios están ocupados por tiempos diferentes. La Yuxtaposición de planos desconcierta hasta que los trocitos dramáticos se van decantando.. Los lugares se solapan. Las acciones se suceden. El tiempo y el espacio dentro de una coctelera. Las fechas sobreimpresionadas marca los saltos de la cronología, un asidero para situar el contexto histórico que va desde los años setenta del siglo pasado hasta ahorita mismo.

Todo ese dinamismo formal genera una energía que me atrapa, pero de vez en cuando se detiene en el remanso de un diálogo, y es ahí cuando desconecto. Cuando la danza hipnótica del elenco se detiene alrededor de una mesa, sentados en un sofá o de pie en medio del escenario. Da igual. Cuando todo se para y empieza la fase donde la palabra reposada es la ley. Entonces desconectó. No, yo Creo a los personajes ni sus diálogos. Es como si toda la energía cinética que arrastran los actores se desacoplara de las palabras, y allí donde otros espectadores confesaron en el coloquio posterior y redes sociales que se habían emocionado hasta llorar, yo me encontraba fuera de juego.

La historia se decanta con un final que presenta dos salidas posibles para la juventud encajonada entre las historias heroicas del pasado que tantas veces han escuchado en un relato perfecto, y este presente líquido donde los problemas económicos de salarios precarios, especulación en la vivienda y el ansiado desarrollo vital en forma de independencia está en peligro.

Enfrentada a esa encrucijada la función apuesta por una inmersión en la nostalgia de volver a las raíces, a ese lugar mítico donde una Canción comunitaria calmará todas las injusticias sociales. Sin embargo también hay un ligero apunte hacía una solución de lucha contemporánea que reclama derechos, grita que la historia del estado del bienestar se está diluyendo en un timo, y pega una patada en la espinilla de la sociedad para que conste: Mientras los muchos cada vez tienen menos, los pocos cada vez tiene más.

De esta manera 'No me falte el aire' además contarnos los tránsitos que unen el pasado con el presente, apunta a que el camino sigue y quizás nuestro futuro dependa de que elijamos bien los siguientes pasos

'No me falta el aire'

Producción: Alquibla Teatro. Autora: Alba Saura-Clares. Música original:: Álvaro Imperial. Dirección escénica: Antonio Saura. Interpretación: Cristina ̈Aniorte, Esperanza Clares, Nadia Clavel, Julio Navarro, José Ortuño y Pedro Santonera.

Noviembre de 2024. Teatro de las Esquinas.

Friends The Muscial Parody

 

Parodia casi a tope

Hubo un tiempo en el que la audiencia se dividía entre detractores y admiradores de la serie de televisión 'Friends'. Sergio del Molino recuerda que los primeros la calificaban de inverosímil por no reflejar la vida en el Nueva York de su tiempo, mientras los segundos disfrutaban de una comedia de pantomima y exageración. La adaptación de Saga Producciones apuesta por una parodia musical mediante tres aspectos esenciales.

La escenografía gira, pero siempre gravita sobre el típico sofá para comedia de salón donde el conflicto de intercambio de ideas se ha sustituido por un texto de tensión cómica entre personajes y situaciones inverosímiles.

La parte musical está lastrada por la música pregrabada y ese inevitable tufillo a karaoke de unas melodías que añaden capas de humor, variedad de ritmos y coreografías tan sencillas como eficaces. Elementos narrativos que empujan la acción hacia lugares tan interesantes como preguntarse por el precio del alquiler del casoplón donde viven los protagonista, la revolución de los secundarios, o el delicioso momento de la naturalidad irrumpiendo en forma de Balada y beso de amor.

Para que una parodia funcione necesita un discurso con dos niveles de narración que distinga entre la representación parodiante y el Original parodiado. La función cumple de sobras con el primero gracias al excelente trabajo actoral con las canciones, el tejemaneje exagerado de gestos y palabras que subrayan la personalidad de cada personaje para componer algunas escenas delirantes. Sin embargo, la enorme distancia a la que se encuentra el objeto parodiado dificulta conseguir una comicidad plena, que guarda una relación directamente proporcional con el conocimiento enciclopédico que cada espectador tenga de la serie de televisión y la biografía de sus protagonistas.

'Friends: The Musical Parody'

Calificación: 3 estrellas

Producción: Saga Producciones, Theater Mogul e Iría Producciones. Dirección: José Saiz. Reparto: María Ruíz, Omar Ruiz, María Ochando, Dani Saiz, Irina Bargues, Ricardo Saiz, Kevin Villar. Dirección musical: Carlos Mansa. Coreografía: Lina Martínez. Vestuario y caracterización: Fidel David y Elena Bellver. Escenografía: Rowan diseño escénico.

Miércoles 27 de noviembre de 2024. Teatro Principal.

‘Friends. The musical parody’: parodia casi a tope

Seis personajes en busca de autor

 

Atrévete, ve al teatro

Pirandello escribió esta obra para poner en un brete al espectador, por eso rompió el acuerdo tácito que asignaba al escenario como el lugar de la representación, y lo utilizó como un matraz para mezclar ficción y realidad. El autor italiano no podía imaginar que un siglo después de su estreno, el estado de opinión de los espectadores estuviera tan influenciado por falsedades disfrazadas de verdad, que muchas veces somos incapaces de distinguir entre patrañas y certezas.

Antonio del Álamo se lo dijo a Mariano García en estas mismas páginas. «Es como si lo ficticio fuera más real que la realidad», y su adaptación cumple con la formalidad de mostrar las diferencias entre un mundo inventado y la vulgaridad laboral de un ensayo sobre el escenario. Ese primer objetivo se consigue con pincelas de humor, una iluminación que juega con las  fronteras, y una ocupación del espacio que iguala el patio de butacas, la zona donde ensayan los actores, y unos personajes sin autor dispuestos a mostrar su drama mediante la revolución de contar la verdad y nada más que la verdad.

Pero como la verdad tiene muchos dueños, la dirección de Pepa Gamboa moldea la peripecia hasta situar en primer plano el conflicto existencial que atrapa a los personajes entre la repetición inalterable de sus vidas, y el juego dramático de trasladarlas al escenario. Ese salto de calidad se alimenta de la armonía de un trabajo actoral que conjuga con maestría diferentes niveles de emotividad. Desde la exagerada naturalidad de una comedia de salón y tresillo, hasta la sobriedad dramática que termina por golpear con igual intensidad a los actores que representan la obra, y al público desconcertado por la experiencia. Atrévete, ve al teatro y comprueba como la ficción influye de manera emocional en tu realidad.

‘Seis personajes en busca de autor’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Producciones Faraute. Autor: Luigi Pirandello. Adaptación: Antonio Álamo. Dirección: Pepa Gamboa y Antonio Álamo. Intérpretes: Aiden Botia, Eva Egido, Ruth Gabriel, Nuria Gallardo, Ramón Langa, Chema León, Paula Muñoz, Didier Otaola, Montse Peidro, Fernando Ramallo, Jorge Torres y Lena Vega.

Martes 19 de noviembre de 2024. Teatro Principal.

Atrévete, ve al teatro

Casa Strindberg: La más fuerte + Paria

 

Palabras para la soberbia

La literatura dramática de Strindberg sufrió un cambio a finales del siglo XIX. Si hasta ese momento la palabra definía con naturalidad el conflicto entre antagonistas, entonces se transformó en una sucesión de narraciones confinadas en el yo del personaje. Estas expresiones de autoafirmación tienen una lectura contemporánea que las conecta con las redes sociales que, como nos recuerda Vila Matas, evidencian la presencia de muchos seres con identidades construidas al antojo de temores internos, y descontentos con su propia vida. La Companhia de Teatro de Braga puso de manifiesto esta manera de entender la dramaturgia mediante dos obras en portugués con sobretítulos en castellano, y una dirección de Rui Madeira que mantiene la tensión gracias al trabajo de un elenco con buen ritmo en la oralidad y una presencia austera en los enfrentamientos.

El monólogo de ‘La más fuerte’ incrementa la relevancia del relato introspectivo mientras diluye las réplicas gestuales del texto original para aumentar la inacción exterior, y concentrar la atención del espectador en un azote verbal tan desolador que se agradece ese par de gratificantes gotitas de humor.

En ‘Paria’ ocurre todo lo contrario gracias a un formato donde se prima el duelo dialéctico en lo que aparentemente es un conflicto y sin embargo, las réplicas exaltan de nuevo a unos narradores tan poco preocupados por el avance de la acción que, cuando en un momento de la representación los sobretítulos se desincronizaron de lo que se decía en el escenario, los espectadores desconocedores del portugués asistimos a un momento simbólico. Mientras la discusión remedaba el incomprensible guiriagay de estos tiempos, la intensa verbalización establecía la realidad de dos personajes en crisis cabalgando palabras para la soberbia.

‘Casa Strindberg: La más fuerte + Paria’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Companhia de Teatro de Braga. Autor: August Strindberg. Dirección: Rui Madeira. Intérpretes: Solange Sá, Eduarda Filipa, Grasiela Müler, André Laires y Rogérico Boane. Escenografía: Manuela Bronze. Vestuario: Mónica Molo. Iluminación: Fábio Tierri.

Domingo 17 de noviembre de 2024. Teatro de la Estación

Palabras para la soberbia

La leyenda del pianista en el océano

Teatro para contar la vida

Cuando Alessandro Baricco se enfrentó a la edición en forma de libro de ‘Novecientos’, no estaba seguro si aquel texto de su autoría escrito para la escena era teatral o un cuento para contar en voz alta. El director de teatro Peter Brook le hubiera dicho que el valor de las palabras sobre un escenario está en función de las tensiones creadas con independencia de su forma literaria. Se trata de que los acontecimientos tomen vida en el escenario gracias al lenguaje teatral.

La versión producida por Teatro Imaginario cambia el título de la obra y así, ‘La leyenda del pianista en el océano’ se aleja del mundo de los cuentos porque la dirección de Alfonso Desentre y María José Pardo armoniza con gusto dramático puesta en escena, espacio sonoro y trabajo actoral.

Tomás Besavilbaso agita las teclas del piano mediante arreglos y composiciones para una banda sonora incidental que enriquece las transiciones, y amplifica la densidad emocional de la atmosfera hasta que saltan chispas cuando los temas forman parte narrativa de la peripecia.

Alfonso Desentre construye su interpretación sobre el dominio de una oralidad que le permite estar en la peligrosa frontera entre el contador de hechos y la acción teatral para mostrar una escala de matices que van de la ternura al drama con un pellizco de humor. El exceso en la gestualidad inicial se va moderando hasta dibujar con nitidez cada uno de los personajes que aborda, y alcanzar un peso hipnótico cuando las palabras dejan paso a imágenes tan poderosas como el silencio estático de un abrigo de pelo de camello bajo un foco cenital.

El resultado es la representación de un relato épico para un tiempo irrepetible que subraya el punto de vista del narrador y conecta la realidad literaria de los recuerdos con el pálpito emocionante de la vida.

‘La leyenda del pianista en el océano’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Teatro Imaginario, dsf yel apoyo de Diputación de Zaragoza. Autor: Alessandro Baricco. Dirección y puesta en escena: Alfonso Desentre y María José Pardo. Actor: Alfonso Desentre. Piano, composición y arreglos musicales: Tomás Basavilbaso. Iluminación: Fernando Medel. Escenografía: Manolo Pellicer. Vestuario: Ana Sanagustín

Jueves 7 de noviembre. Teatro del Mercado.

Teatro para contar la vida

Medea a la deriva

 

La metamorfosis de Medea

Se ha convertido en una imagen de estos tiempos. La temperatura del planeta aumenta y cada vez hay menos bloques helados, en uno de ellos, un oso polar mira a su alrededor sin entender lo que está ocurriendo mientras el mundo que conoce desaparece.

La acción de 'Medea a la deriva' si sitúa en uno de esos bloques de hielo que se derriten como la amenaza inevitable de quien viaja a bordo. Desde el punto de vista formal la función bebe de la novela gráfica de Fermín Solís. Algunas de sus viñetas se proyectan sobre el fondo para marcar un estilo sencillo pero contundente en la concepción visual, y en el uso de los colores en un bloque compacto acompañados por unos trazos gruesos que perfilan la escena. La escenografía se alimenta de esa forma de dibujar en el contraste del blanco como elemento de atrezo y el negro del vestuario y los malos augurios. Toda la escena está matizada por destellos azules y naranjas mientras el espacio sonoro completa un espacio poético y contundente.

La peripecia empieza inmediatamente después del último y más terrible crimen cometido por Medea. Un punto de partida para repasar a una vida marcada por un amor arrebatador, y la muerte de quienes osen ponerlo en peligro. Ella se enamoró por una flecha lanzada por Eros, abandonó su país y sus comodidades de princesa para convertirse en esposa fiel y extranjera. El ímpetu de Medea por ayudar a su marido y salvaguardar su relación no tuvo límites en la ejecución de todos los crímenes que consideró necesarios, hasta que Jasón la repudió por otra mujer.

Esa traición modificó su condición. Ella que tanta sangre había derramado para defender su amor ahora se veía abandonada. Estrujó sus razonamientos hasta el punto de cometer el acto más irracional que se puede achacar a una madre. Cuando Medea mató a sus hijos solo tenía en su mente un motivo: Hacer todo el daño posible al esposo que la había traicionado después de toda la sangre que ella se había visto obligada a derramar, incluida la de su hermano Apsirtos. El mito se cinceló con esa crueldad.

La dramaturgia de Isidro Simón combina diferentes elementos narrativos para visualizar con precisión el arco dramático del personaje, y mientras asistes a una metamorfosis biológica y discursiva, no puedes escapar porque Estás pegado a la butaca.

Todo comienza con la danza de un insecto negro sobre el manto impoluto del hielo. La mandíbula desencajada para comenzar a hablar desde la sensación oscura de una asesina, la angustia amarga de una confesión teñida de muerte, pero narrada por alguien atrapada en su condición de inmortal, la que no puede morir ni por su propia mano.

El relato poco a poco abandona el tono irracional y se va adentrando en profundidades más reflexivas. La reflexión empieza domesticar la voz. Los sonidos se humanizan para que el mito reciba una nueva mirada, cuando el siglo XX dibujó a Medea como una extranjera víctima del racismo y la xenofobia, una extranjera sometida a la voluntad de los hombres investidos con la maldad de inventar que asesinó a sus hijos. Estamos en el momento más importante de la obra porque el cuerpo de Medea y su presencia inician una transformación definitiva. La danza modifica sus movimientos, expande articulaciones, y todo se hace más humano en el cuerpo de una mujer que recupera la inteligencia.

El armazón de todo este viaje se sustenta en el trabajo de interpretación de Amelia David. La actriz pone todos sus recursos al servicio de una conexión con el patio de butacas al que paraliza como algunos depredadores hacen con sus presas, un estado de rendición que le permite arrastrarte con avidez de sediento y preocupación de humano por todo el desarrollo de la peripecia. El espacio se llena con su presencia, el manejo del cuerpo, la modulación de la voz y una dosificación adecuada de la gesticulación consiguen que todas las emociones rasguen de emotividad la necesaria reflexión sobre una historia tan compleja.

La actriz Nuria Espert afirma que «Sí, Medea es una mujer terrible, pero el público, cuando termina la función, no sale odiándola, y eso lo hace peligroso. Ve en ella tanto dolor que entiende que puede cometer esos Crímenes.» Sin embargo en esta función, mientras el deshielo ha hecho su trabajo, Medea comprende su estado histórico, proyecta una nueva mirada para aceptar la trayectoria de su vida y que su destino es la eternidad. El renovado compromiso con su figura pasa por una vuelta a la consciencia de su inmortalidad, y una inquietante altivez en la despedida del público para regresar allí donde nacen los mamíferos.

 

'Medea a la deriva'

Producción: Maltravieso Teatro. A partir de la novela gráfica de Fermín Solís. Dramaturgia y dirección: Isidro Timón. Intérprete: Amelia David. Composición musical/Espacio Sonoro: Lorenzo González. Diseño de Iluminación: Jesús Pablos/Fran Cordero. Adaptación Viñetas: Fermín Solís. Vídeo/Foto: Patricia Bravo. Vestuario: Yolanda Blanco. Estilismo/Peluquería: Esther Olivera. Área técnica: Jesús Pablos. Ayudante de producción: Ángeles Morlón

Domingo 20 de octubre de 2024- Teatro de la Estación

Hijas de la misericordia

 

Un drama atravesado por la ternura

La fascinación por la pintura de Caravaggio tiene que ver con la forma en la que concibió su obra, y como utilizaba los fondos negros para centrar la acción en la mente del espectador, hasta construir una especie de secuencia mediante diferentes fotogramas aislados unos de otros, pero todos bajo la misma fuente de luz. Pintar desde la oscuridad para llegar a la luz con la idea de crear contrastes.

'Hijas de la misericordia' es una función que recorre ese mismo camino. Desde lo más tenebroso de la condición humana hasta una amistad luminosa. El programa de mano nos advierte que el espectáculo se basa en los testimonios de mujeres que pasaron su infancia y primera adolescencia en una Casa de Misericordia al amparo de la Iglesia Católica de los años setenta, allí donde acababan muchos hijos de la pobreza, la desestructuración familiar y el maltrato para convertirse en los cobayas de una rancia educación en medio de ínfimas medidas de higiene y salubridad.

La dramaturgia se apropia de las palabras de las mujeres que han tenido el arrojo de contar su historia, y a partir de ahí confeccionar un nutritivo entramado de lenguajes narrativos. El primero utiliza la sobriedad del ensayo como el método para transmitir datos históricos, reflexiones pictóricas y una contextualización que nos permite tener perspectiva para valorar los acontecimientos. El segundo tiene el aroma poético del recuerdo de unas hijas abandonadas por sus madres. No te preocupes por si los acontecimientos te parecen terribles o dramáticos porque el tono con el que se cuentan tiene un elevado nivel de humanidad, y es capaz de esquivar cualquier pulsión parecida al odio o el desprecio. El tercero sumerge la acción en el devenir diario del internado en el que viven nuestros protagonistas. Cuatro niñas al albur de la manipulación educativa y emocional de sacerdotes y monjas, y sin embargo ese entorno de miedo, hambre y frío se convierte en un delicioso retrato costumbrista que transita por la sabiduría del humor y la ironía.

Esta sugerente combinación de diferentes formas de contar la historia es perfecta para definir la personalidad de las protagonista, y tiene la virtud de preparar a los espectadores para cuando datos, recuerdos y entrañables Andanzas infantiles nos dejan a los pies de las confesiones en primera persona de unas mujeres arrasadas por la vida, que ahora nos miran de frente y apelan directamente a nuestro corazón.

La dirección se hace cargo de este catálogo de expresiones escritas para convertirlas en acciones, gestos y declamaciones que conforman una coreografía teatral en su justo punto de armonía, sin permitir ni una sola nota discordante, y alimentando el poder escénico mediante el uso de materiales de atrezo como linternas, zapatos o tocas que van más allá del aliño escénico y se convierten en nuevos personajes.

El ambiente mágico que se crea sobre el escenario sería imposible sin la eficacia de las cuatro actrices. La delicadeza de su trabajo se sustenta en una concepción elegante y minimalista de la interpretación para afrontar con exactitud y ternura cada uno de los muchos matices por los que transitan, desde dibujar con nitidez la personalidad de cada uno de los personajes hasta empujar la peripecia colectiva. La aparente levedad con la que saltan de un plano a otro esconde un potente ejercicio dramático que compagina la individualidad con el valor comunitario del grupo Dos aspectos clave para entender que pese a todo lo vivido y lo que queda por venir, en medio de la atmósfera tenebrosa de un cuadro de Caravaggio siempre puedes escapar de la oscuridad para situarte bajo la tenue luz de la esperanza.

'Las hijas de la misericordia'

Producción: Pere Fullana, Iguana Teatre, Albena Teatre, Teatro del Temple y Teatre Principal de Palma. Dramaturgia y documentación: Pere Fullana, Carme Planells, Alfonso Plou, Aina Salom. Dirección: Pere Fullana. Reparto: Anna Berenguer, Rebeca Del Fresno, Catalina Florit e Irene Soler. Ayudante de dirección: Xavi Núñez. Iluminación: Toni Gómez. Escenografía: Luís Crespo. Vestuario: Bel Cirerol. Técnico de sonido y luces: Juanro Campos. Construcción de escenografía: Background Producciones / Pablo Sacristán. Diseño gráfico, grabación videográfica y fotografía: Teatre Principal. Promoción y comunicación: Teatre Principal e Iguana Teatre. Distribución: Iguana Teatre, Albena Teatre y Teatro del Temple. Diseño de producción: Carles Molinet. Producción ejecutiva: Jordi Banal. Asistentes de producción: Toni Benavent y María López Insausti

30 de Noviembre de 2024. Teatro del Mercado.