Dulcinea

 

Palabra de Dulcinea

Cervantes se apoya en la realidad de Alonso Quijano para inventar a Don Quijote. Don Quijote se apoya en la realidad de Aldonza Lorenzo para inventar a Dulcinea, olvidarse de la primera e idealizar a la segunda.

El texto de Juan Carlos Rubio también gambetea entre realidad y ficción con su pizca de humor. Esa distancia que va de un ensayo teatral con pianista argentino y actriz-cómico-dramática con excelente entonación y una prosodia divina, hasta un libreto con prólogo engominado de lenguaje académico, que da paso a un conflicto por resolver: La actriz quiere encontrar la verdadera voz de Dulcinea, pero los dramaturgos solo le escriben aproximaciones que la pasean por la piel de diferentes diosas de la literatura, y cuando los flases iluminan por fin a Dulcinea vemos el arquetipo de una diva del papel cuché, que fuera de foco se convierte en una mujer real.

La búsqueda traspasa la cuarta pared para dar voz a un público muy tímido. Es el preámbulo para que la magia del teatro tenga la brillante idea de situar las palabras de la pastora Marcela en la voz de una poderosa Aldonza Lorenzo para poner su libre albedrío por delante de amores y caballeros. La intensidad dramática de este momento es inolvidable.

La sencillez simbólica de la escenografía y una iluminación de pincel son el marco perfecto para que destaque el talento. El piano de Julio Awad escribe su propia peripecia, agrupa notas de jazz y deja reposar el compás romántico, mientras da la réplica juguetón y simpático a una Paloma San Basilio con aromas de gran teatralidad, frescura en los gestos, eficaz en todos los cambios de registro, y con la apabullante naturalidad de quien respira elegancia escénica. Y claro, la actriz encuentra la voz de una Dulcinea que nos interpela para convertirse en el sujeto de su propia historia.

‘Dulcinea’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Txalo Producciones, Olympia Metropolitana, Pentación Espectáculos y La Alegría Producciones. Texto y dirección: Juan Carlos Rubio. Dirección musical: Julio Awad. Intérpretes: Paloma San Basilio y Julio Awad. Escenografía: Curt Allen Wilmer y Leticia Gañán (Estudio DeDos). Diseño de iluminación: Nicolás Fischtel.

Jueves 5 de noviembre. Teatro Principal.

Crítica de 'Dulcinea' con Paloma San Basilio en Zaragoza: Palabra de Dulcinea

La ciencia de las flores

 

Alumbrar silencios de emoción

Enrique Vila Mata, recién galardonado con el Premio Nacional de las Letras Españolas, dice que la autoficción no existe. Los hechos reales se deforman sin querer cuando los escribimos y se convierten en ficción. Ángela Encinar ha escrito un texto que parte de su experiencia personal sobre «la dificultad de ser madre en el mundo contemporáneo», y a partir de esa realidad construye una dramaturgia para que las herramientas de la ficción muestren un relato sobre el deseo de formar una familia, la falta de empatía social cuando los hijos no llegan y el negocio de la reproducción asistida.

La peripecia transita por diferentes espacios. El humor de la gestualidad que ilustra las diferentes maneras de hacer el amor. La pulcritud de los datos para mostrar la frialdad económica y estadística entorno a la gestación. La repetición de las mismas acciones y palabras que describen con simpatía simbólica una fecundación in vitro hasta que el duelo lo inunda todo y te hiela el corazón. Un duelo que se queda ahí, suspendido en el aire. No va a desaparecer. Lo sientes cuando las palabras dominan la escena. Frases cortas. Precisas. Rápidas. Descriptivas. Un salvavidas que no funciona porque el duelo sigue ahí aunque se eleve sobre la belleza de un poema, y descansas cuando entiendes que la historia no trata de elegir entre un final con llanto de vida o silencio de muerte. Lo importante es identificar el dolor que a veces produce el viaje a la maternidad.

La dirección de Fernando Ferrer y el naturalismo estilizado en el trabajo actoral de Ángela Encinar consiguen una relación de semejanza entre personaje e intérprete, para que las vivencias personales se transformen en una ilusión escénica, donde el peso irrebatible de la verdad alumbra silencios de una emoción que inunda el patio de butacas.

 

‘La ciencia de las flores’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Producciones Claridiana y El Sol de York. Actriz y dramaturga: Ángela Encinar. Dirección: Fernando Ferrer. Escenografía : Anna Tusell. Composición musical: Joan Martorell. Construcción Decorado: Mambo Decorados.

Miércoles 4 de noviembre. Teatro de las Esquinas.

La comedia de la olla

 

Usar a Plauto en vano

Plauto lo tenía muy claro. Sus comedias buscaban darle mecha a todo lo ridículo y vergonzoso de la gente común para que la risa brotara a partir de las debilidades humanas. El conflicto y el intríngulis en el que nos mete tan solo es la excusa para crear situaciones cómicas, y entonces mostrar el ingenio a través de las figuras retóricas del lenguaje, la gestualidad a todo meter, y añadir fragmentos cantados con coreografías que en su momento significó un importante cambio en la naturaleza de la comedia. Esta arquitectura estaba siempre pendiente de las exigencias del mercado y la aprobación del público. El comediógrafo olisqueaba los gustos del respetable, se sometía a las exigencias del mercado, y cambiaba lo que fuera menester para recolectar cuanto más aplausos mejor.

La versión de Antonio Prieto sigue a pie juntillas la estructura y las intenciones de Plauto y, aunque demora el inicio de las confusiones, cuando se supone que empieza lo mollar para satisfacer los deseos de risa de los que han pasado por taquilla, entonces solo aparece la brocha gorda de unos chistes que, en lugar de buscar el riesgo de trasgredir, escandalizar y darle caña al mono, tan solo viajan a la caspa de una comicidad más antigua que el hilo negro para conseguir unas risas que tampoco fueron como para tirar cohetes, mientras los aplausos aparecían tras unas cancioncillas con sonido pregrabado tan de baratillo como los bailecitos que las acompañan.

La dirección mueve sin más alharacas a un elenco que cumple de sobras con las exigencias de una comedia que pide personajes bien dibujados, replicas al compás, una gestualidad de oficio y buen timing para la pausa, el tono y el remate de los chistes. La función termina repitiendo la misma canción tres veces para que el público se levante y meneé el bullarengue.

‘La comedia de la olla’

Calificación: 2 estrellas

Pentación Espectáculos presenta un texto de Plauto. Versión: Antonio Prieto. Dirección: José Luís Iborra. Reparto: Carlos Sobera, Ángel Pardo, Jesús Cabrero, Juanjo Cucalón, Silvia Vacas, David Tortosa, Arianna Aragón, Antonio Prieto. Música: Nicolás Castro, Coreografía: Luis Santamaría.

Viernes 30 de Octubre. Teatro Principal.

Crítica de 'La comedia de la olla' en el Teatro Principal de Zaragoza: Usar a Plauto en vano

Las ratas

 

Atrapados por la nostalgia

Delibes publicó ‘Las ratas’ en 1962 para sortear la censura de prensa que le impedía publicar en El Norte de Castilla reportajes sobre las nefastas condiciones de la vida campesina. Por ese motivo el autor vallisoletano se mudó a la ficción literaria de un realismo social que hacía compatible la denuncia, el compromiso con la estética, y una reivindicación humanista frente a cualquier factor de degradación de los protagonistas. La propuesta teatral de Martínez-Losa Zapata está muy alejada de estos objetivos.

La estructura de la novela sustenta varios planos que se solapan. El conflicto entre rateros que termina en tragedia, las interesantes relaciones entre la curiosidad de un niño y el resto de los personajes, como telón de fondo una pobreza al capricho de ventiscas y heladas, y por encima de todos ellos una deliciosa sinfonía de palabras para contarnos un universo que ya no existe.

El texto teatral convierte al niño de la novela en la voz solitaria de un ingeniero agrónomo que, para mayor gloria de la dramaturgia, salta a algunos personajes mientras a otros ni se les acerca, reduce la emoción de descubrir como la curiosidad infantil se convierte en sabiduría ancestral, simplifica el caleidoscopio de sensaciones que proporciona la experiencia lectora, potencia la visión edulcorada del drama histórico, y pierde la oportunidad de invitarnos a pensar sobre las injusticias económicas y sociales del presente.

La puesta en escena minimiza las acciones propias de la narrativa teatral y así, el trabajo actoral de una gestualidad básica y austera desarrolla la peripecia con una expresión oral atrapada por la nostalgia que navega entre la amabilidad de un cuenta cuentos infantil, la prosodia sin peso que relata una anécdota, y un final feliz que buena parte del público aplaudió puesto en pie.

‘Las ratas’

Calificación: 2 estrellas

Adaptación teatral, dirección escénica e interpretación: Javier Martínez-Losa Zapata. Diseño de iluminación y escenografía: La Rural. Diseño de vestuario: Soledad Royo Pui.

Jueves 29 de octubre de 2026 Teatro de las Esquinas.

La última oportunidad: El retorno

 

Comedias para un reality

Andy Warhol en 1968 vaticinó que en el futuro todos seríamos famosos durante quince minutos. Esta intuición parece hacerse realidad con las actuales redes sociales, sin embargo todo empezó cuando la celebridad que en el siglo XX pertenecía a las estrellas del cine y la música, a principios del siglo XXI se traspasó a unos concursos de tele realidad donde una fauna con diferentes pelajes competía a diario por la atención del espectador. Con el paso del tiempo el formato se amplió para quienes cocinan, cosen, o tienen cuerpazo que enseñar. ‘La última oportunidad: El retorno’ realiza un repaso a ese mundo catódico mediante un catálogo de criaturas que nos muestran tres ámbitos diferentes de comedia.

La función comienza con una ligera sátira que subraya el hábitat cutre donde se desarrolla la peripecia. Esta introducción de tono amable y juguetón pide más vinagre de conflicto y ese puntito trepidante de la comedia. El meollo se guisa en la cazuela de un stand up costumbrista con una serie de monólogos que adolecen del clásico chiste para rematar el final de cada párrafo, pero acompañados por la proyección de audiovisuales caseros que muestran los altibajos de un humor cotidiano y popular. El lento y titubeante final busca el brilli brilli de una salida por todo lo alto con plumas y lentejuelas de revista musical.

La dilatada experiencia del elenco se demuestra mediante una musculatura que les permite cabalgar sobre la estructura narrativa, y dibujar con precisión la caricatura de todos los personajes. La sobriedad inicial de Jesús Sesma se eleva en cuanto se calza unos tacones altos. Carmen Marín y Marissa Nolla alternan sobre el escenario solidez y fases espídicas con sobrecarga de energía, mientras Jesús Bernal juega al contraste de asentar la comicidad en la parsimonia gestual.

‘La última oportunidad: El retorno’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Teatro con botas. Autor: Javier Vázquez. Dirección: Jesús Bernal. Elenco: Marisa Nolla. Carmen Marín, Jesús Sesma y Jesús Bernal, Iluminación: Javier López. Vestuario Y Atrezzo: El Taller De Sesma. Espacio Escénico: Raúl Iglesias.

Viernes 24 de octubre de 2026 Teatro del Mercado

Crítica de teatro de ‘La última oportunidad: El retorno’: Comedias para un 'reality'

Protocolo

 

Una pareja varada

Ibsen rechazaba la democracia burguesa diseñada para proteger los interés económicos. ‘Un enemigo del pueblo’ escrita en 1879 mostraba la moral corrupta de una sociedad donde escaseaba la inteligencia emocional para discernir entre el bien y el mal, y allí sitúo el enfrentamiento de un ciudadano con los poderes políticos y la prensa.

Abel González Melo ha tenido la brillante idea de trasladar el dilema frente al poder a la actualidad de nuestra democracia representativa. Sus personajes mantienen la energía que se desprende de un fuerte compromiso político y social pero, en lugar de abordar la peripecia del héroe que planta cara a los poderosos, se sube a la postmodernidad de situar el conflicto en el ámbito más íntimo y personal de la pareja protagonista, y adentrarse en los territorios más oscuros del comportamiento humano.

El texto apuesta por una trama construida mediante un pequeño rompecabezas donde las escenas se saltan la lógica temporal que relaciona nuestras decisiones y sus consecuencias. Un mecanismo ideal para escabullirse del arco dramático lineal, y conseguir a lo largo de la representación diferentes picos emocionales que elevan la tensión y el interés.

Mientras la sencillez de la escenografía acomoda el espacio, la dirección apuntala la estructura narrativa sobre cuatro grandes bloques por los que transitan la musculatura de dos grandes intérpretes. Beatriz Argüello y Ernesto Arias dominan la prosodia y afinan la gestualidad de una transformación que comienza y termina con un canto poético a la teatralidad. En el tramo intermedio dibujan con precisión el arquetipo de unos personajes muy reconocibles, hasta que se quiebran en la naturalidad de un ser humano despiadado y otro que se diluye: una pareja varada en una tranquila playa de reproches y malas decisiones.

‘Protocolo’

Calificación: 4 estrellas

Producción: La Belloch Teatro. Texto inspirado en Henrik Ibsen y dirección: Abel Gonzálo Melo. Elenco: Beatriz Argüello y Ernesto Arias. Ayudante dirección: María Colibrí. Vestuario y espacio escénico: Javier Chavarría. Música y espacio sonoro: Antonio Dueñas. Iluminación: Agustín Maza.

Sábado 17 de octubre. Teatro de la Estación.

El fantasma de la ópera

 

Duelo de voces

Lloyd Weber andaba en tierra de nadie cuando en 1986  estrenó ‘El Fantasma de la Ópera’. Si en la música clásica lo consideraban alejado de su mundo, los teatreros no siempre captaban la sutileza de sus melodías. Quizás por eso puso el acento en cómo es eso de vivir entre dos mundos diferentes, y preguntarnos si estamos dispuestos a volvernos locos por alcanzar nuestros sueños.

La dirección de Federico Bellone camina hacia ese objetivo excepto por una tendencia estática en algunas escenas, la falta de credibilidad en la relación amorosa entre Christine y Raoul que pide más chispas, y el dramatismo impostado del novio moribundo en la escena final.

La ejecución musical transita desde el órgano de tubos y la batería ochentera que te golpea en el estómago como un muro de sonido, a una partitura con aires románticos que refleja pasión, melancolía y misterio. El desarrollo de la acción se alimenta de un notable trabajo actoral para mostrar el delicioso salto que va de la opereta bufa de sobreactuación, maquillaje y pelucón, hasta una interpretación que potencia los sentimientos que desgarran el interior y alcanzan el deseo carnal. La escenografía en movimiento acoge toda esta dinámica entre un rinconcito de humor, y el gran escenario para que los números icónicos del musical discurran de la sorpresa a las máscaras de un austero carnaval y al incremento del drama.

El paradigma de todos estos cambios lo encontramos al inicio de la función, cuando Ana San Martín alza el vuelo con la delicada interpretación de ‘Piensa en mí’, te coge de la mano, y te vas con ella siguiendo su talento. Unas veces al amor platónico que dibuja un eficaz Guillermo Pareja, y otras a terrenos tan oscuros como arrebatadores donde Daniel Diges se desenvuelve con peso escénico, energía y determinación.

‘El fantasma de la ópera’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Letsgo. Música y libreto: Andrew Lloyd Webber. Letras: Charles Hart y Richard Sitlgoe. Adaptación: Silvia Montesinos. Dirección y escenografía: Federico Bellone. Director musical: Julio Awad. Elenco: Ana San Martín, Daniel Diges, Guillermo Pareja, Marta Pineda, Robert Matchez, Enrique R. del Portal. Eduardo Santamaría, Isabel Malavia y Lola Nájera.

Jueves 8 de octubre de 2026. Palacio de Congresos.