El tiempo de un café

 

Todo incluído

 

Reflexionar desde la comedia

Sánchez Ron recuerda que la neurobióloga Rita Levi hacia un elogio de la imperfección porque si algo sabemos los humanos es que la perfección no existe. Este hecho tan convincente tiene una gran importancia porque, al contrario de lo que le ocurre a la mayor parte de la sociedad, los científicos son más conscientes del valor de la imperfección que les empuja a buscar las explicaciones de una naturaleza imperfecta. Esta visión se aproxima bastante a lo que la dramaturga Susana Martínez ha escrito en sus redes sociales cuando define 'Todo incluido' como un motivo para hablar "de lo que no encaja ni a golpes", y poner en la palestra del debate esa percepción que aflora en algunos sectores sociales en los que se relaciona la pobreza y la exclusión social con lo imperfecto.

La sociedad visualiza sin problemas el perfil de las personas más vulnerables, y esa virtualidad es la que aprovecha el texto para enfrentarnos a la vida de dos mujeres que habitan en los márgenes de lo normativo, y que nos permite tomar conciencia sobre la relatividad estética y moral en la que nos movemos, o sobre lo ridículo de las comparaciones. Recuerden que la imperfección es lo que nos hace humanos.

'Todo incluido' tiene el armazón de una comedia pero en sus venas circulan un espíritu gamberro materializado en una buena cantidad de frases contundentes que, más allá de ideología, son el grito de quienes viven en los bordes maltratados de la sociedad. Por eso hay que ser precavidos con las carcajadas que acuden cuando aparece la brocha gorda de una provocación premeditada, o el efecto cómico grueso, fácil y a veces gratuito. Tan solo son un señuelo, el preámbulo para la sátira política, el puyazo social, la gotita malaya para que seamos conscientes de una situación de la que te puedes reír, pero nunca lo vas a hacer desde la impunidad de la comedia por la comedia porque, como dice Josean Mateos en sus redes sociales, esta forma de hacer teatro es una herramienta para permanecer en el recuerdo del público que se ve interpelado por la realidad.

La escenografía minimalista de un escenario prácticamente vacío permite concentrar toda la atención en el extraordinario trabajo actoral. Susana Martínez y Ana García consiguen crear un campo de energía que las mantiene en constate equilibrio. Ambas transitan por la cuerda floja de una dirección que no les deja caer en la tentación de llevar a sus personajes a territorios excesivamente paródicos, que los alejarían de la realidad donde se ancla la potencia reivindicativa de la función, pero también donde nace el resorte de la risa. Ese es el mayor mérito de la función: Levantar un castillo de naipes con el juego malabar de la comedia y el salto al vacío de la reflexión. Las dos actrices dibujan con precisión a sus personajes desde los aspectos discursivos y de gestualidad, dos arquetipos que recorren un arco dramático en el que se muestran los matices y la evolución de sus personalidades. Hay que destacar la sobresaliente interpretación de Ana García porque su personaje requiere de un especial cuidado para no sobrepasar ni un milímetro la frontera entre lo tierno y una afectación exagerada que derrumbaría toda su credibilidad. Ana García sorprende desde la contención, un magnífico trabajo en la cadencia del lenguaje y una envidiable búsqueda de la felicidad.

'Todo incluido' es una apuesta arriesgada que tiene la virtud de moverse con frescura por territorios fronterizos, que conectan el escenario con la reivindicación política, el humor de brocha gorda y la fina ironía. Una función que consigue mostrarnos una realidad concreta en la que nos sumergimos con deleite gracias a las peripecias de dos mujeres, a las que más pronto que tarde terminas queriendo y con las que te irías a comer una paella.

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Producción: Arteria Producciones y Facultad Mermada. Texto: Susana Martínez. Dirección: Josean Mateos. Reparto: Ana García y Susana Martínez. Diseño de iluminación: Fernando Medel. Vestuario de Jesús Sesma. Antonio Ayesta's Coreografía. Maquillaje de Irene Joven. Fotografía de Mas Mastral. Diseño gráfico de Nathaly Ceballos

30 de junio de 2022 Teatro Arbolé

 

Un tan Shakespeare

 

El Premio

 

El Éxtasis de la Belleza (o no tanto)

 

Kant afirmaba que el juicio estético es una finalidad sin fin. La belleza de una flor no necesita de un motivo o una argumentación, su sola existencia es bella. Todo lo contrario de lo que nos ocurre con un edificio, una pintura o una obra de teatro, la finalidad de su construcción es una parte esencial de su belleza.

'Contemporánea-El Éxtasis de la Belleza' de Sergio Muro nace con la intención de "explorar el sentido de la belleza y buscar respuestas a las múltiples posibilidades de definir lo bello"; y lo hace con un "montaje multidisciplinar, "lenguaje contemporáneo" y un "planteamiento perfomativo"

La función, que transcurre durante una jornada, está precedida por un preámbulo dividido en tres partes. La primera es una tesis sobre la belleza que se proyecta en el fondo del escenario, se trata de un video en inglés con subtítulos en español que a veces se siguen con dificultad desde la fila 10 del patio de butacas. La segunda parte es una conversación al estilo Zoom, que se puso tan de moda durante la pandemia, en la que tras las albricias de la amistad se nos pone en antecedentes sobre la gestación del espectáculo. Finalmente el director de la obra se hace corpóreo frente a un micrófono para lanzar un monólogo donde se explican los sentimientos que han generado la construcción del espectáculo, y todos los problemas que han terminado por modificar su estructura, de manera que la música en directo se sustituye por las mismas canciones proyectadas sobre el fondo del escenario. Esta entrada a modo de preámbulo es una fase esencialmente discursiva con total ausencia de una acción dramática, una característica que va a teñir el resto de la función y así, cuando los actores aparecen en escena, la primacía del discurso narrativo es tan apabullante que la tarea por modificarlo resultará muy difícil aunque el escenario se tiña de juegos como el baile, las ganas de volar o algunos intentos por romper la cuarta pared.

El trabajo actoral de Amanda Recacha, Elisa Forcano y Manuel Buenaventura es un ejemplo de cómo dominar las herramientas que dan verosimilitud a un actor y le permiten ejecutar cualquier acción dramática que se les exija, no es suficiente para construir un relato dramático. El elenco nos muestra una excelente dicción, un manejo sobresaliente de la corporalidad y esa energía natural que quien sabe moverse en escena. Pero todo este buen hacer no es suficiente para levantar una dramaturgia que, con tantas disciplinas en juego, pretende una construcción perfomativa que quizás sea más adecuada a otros espacios como un museo, donde se pueden lanzar mensajes sin ideas preconcebidas para comprobar la reacción del espectador y crecer a partir de esa premisa. Sin embargo ese crecimiento dramático no se consigue en las tablas del escenario, y todo se queda en una avalancha narrativa donde los mensajes y reflexiones, más allá de su calidad literaria, no desembocan en los conflictos que sustentan la acción dramática: Ni entre los personajes, ni entre los diferentes discursos en torno a la belleza, ni por supuesto con la presencia del público al que se le apela de manera muy lateral: Devolver una pelota no es un elemento muy atractivo para incentivar la participación de los espectadores en el debate sobre la belleza.

'Contemporánea-El Éxtasis de la Belleza' es un buen ejemplo para comprender que la construcción de un acto dramático no tiene tanto que ver con la belleza de los elementos que lo componen y los lenguajes que se utilizan, sino con la capacidad de que esos elementos y lenguajes conformen una nueva dimensión donde texto, gesto y argumento se convierta en vida, verdad y acción escénica. Ese es el salto esencial que le falta a esta función.

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  Dirección y Producción: Sergio Muro. Reparto: Sergio Muro, Amanda Recacha, Elisa Forcano y Manuel Buenaventura. Músicos: Alejandro Güerri y Carlos Hache. Audiovisuales: Antonio Valdovín.

Viernes 20 de mayo. Teatro del Mercado.

Malvivir

 

Democracia y Política

lustración: @fer_zombra

María Delgado y Tony Fisher establecen dos nexos de unión entre democracia y teatro: Ambos precisan de una labor continua de participación, en términos teatrales son actividades que consisten en una política de ensayo constante porque nunca están ni completos, ni asegurados, ni cerrados. En ese sentido el error más grave de la democracia es darla por sentada, una comodidad que es muy probable que tan solo sea el preámbulo a la crisis y el colapso. Por eso es necesario estar atentos a las fuerzas internas que quieren deteriorarla y potenciar la negociación y el diálogo entre los diferentes que de verdad quieren mantenerla. Ahora es más necesario que nunca estar atento a las fuerzas que desde dentro quieren pervertirla y deteriorarla.

Ana Iriarte afirma que democracia y teatro fueron dos grandes lujos que los atenienses disfrutaron en la mayor parte del siglo V a.C., un acontecimiento político, social y religioso que formaba parte de las fiestas en honor a Baco hasta imponerse como elemento central de ese evento sagrado que la sociedad griega vivía como una experiencia religiosa teñida de hedonismo y una percepción lúdica del mundo. La tragedia, lejos de recrear el ideal de las leyendas ancestrales, censuraba el carácter individual y soberbio de los héroes ensalzados por la épica, y ponía a la colectividad en el primer plano. Por lo tanto, afirma Iriarte, la tragedia griega es una manifestación que se caracteriza por apoyar al pueblo en contra de la clase aristocrática.

David Mamet defiende que la esencia de la democracia es la capacidad del individuo para abrazar o rechazar cualquier postura política sin dar cuentas a nadie, dentro de esa virtualidad, el teatro sería un buen ejemplo de cómo la economía de mercado libre lo convierte en un artilugio democrático en manos del público, una relación suministrador y consumidor en la que el vendedor y el comprador no necesitan dar explicaciones de la elección realizada. La libertad del teatro, más allá de gustos o disgustos, ofensas o aburrimientos, éxitos o fracasos, ofensas o aburrimientos, se mediría por su capacidad para alejarse de la norma o pautas marcadas por los ideólogos que pueden residir en las inmediaciones del Estado o en las tribunas de los intelectuales y así, partiendo de que el teatro es ese lugar donde los cómicos se ganan la vida, su esencia política dentro de la democrática tiene que ver con las ocurrencias de quien lo escribe, la pericia de quien lo dirige, y que ambos huyan de sermones para enfrentarse con el proceso de cuestionar lo que antes era incuestionable.

Fernando Vallejo alertó durante la XIX edición de la Semana de las Letras de Torrero sobre la necesidad escapar de esa idea filtrada en la sociedad que identifica el teatro con un espacio elitista, una manera simple y efectiva que entorpece el acceso de la ciudadanía a un espectáculo que, más allá del esparcimiento, debería aspirar a convertirse en una ceremonia de reafirmación social con planteamientos y cuestiones que nacen desde una posición política, y maneja contenidos para generar de debates y preguntas en el tejido social de la ciudad y el barrio.

La democracia y el teatro proponen un espacio de igualdad, erosionar este principio nos llevará a espacios radicales y reaccionarios donde la capacidad de todos para influir en las decisiones finales será pervertida. El teatro lanza sus mensajes a un patio de butacas donde cada espectador, en igualdad de condiciones, los codifica en plena libertad para darles la dimensión política que considere oportuna. Si el teatro se decanta por un espectáculo basado en exclusiva en un discurso político, se enfrenta a la paradoja de situarse en un terreno que solo le corresponde a la política y convertirá la función en un panfleto. Una función en la que no hay rastro de intencionalidad política es muy fácil que se sitúe en una lógica de mercado donde el consumo sin más pretensiones sea la clave del éxito. Desde el punto de vista del espectador, el objetivo más saludable quizás sería navegar entre esas dos almas para equilibrar la racionalidad consumista con el ágora política que promueve una discusión democrática sobre cuestiones esenciales en el seno de una sociedad compleja y plural. Este debate ha tomado mayor importancia desde que en ámbitos estrictamente políticos están proliferando actores que usan el escenario público para tirar bombas fétidas con la intención de impedir cualquier debate, y proporcionar argumentos y espacio a todo un ejército de ofendidos que toman cualquier consideración como una afrenta a una identidad e ideología que se agarra a los mitos del pasado para pervertir los debates del presente.

En ese sentido se manifiestan María Delgado y Tony Fisher cuando defienden un teatro político capaz de adoptar innumerables formas y que se puede resumir en dos: La intervención de los creadores comprometidos con la democracia y un teatro crítico que ponga en solfa la retórica política que nos apela desde la tribuna de oradores o la pantalla de la televisión. El teatro, insisten, puede dejarse llevar por la complacencia y la indiferencia que amenaza la democracia, pero también puede decantarse por el camino de mostrar un espectáculo donde la escucha de unos y otros es el argumento más poderoso para descubrir que la democracia es ese lugar donde se escucha y respeta la diferencia. Como dice Florián Malzacher, que el teatro sea un lugar de imaginación colectiva, de conflictos y contrastes entre ideas y hechos, entre poderes y poderosos, entre naciones y tradiciones.