La Replaceta

 

Jugar con el circo y la ópera

Artaud revindicaba la autonomía del teatro postdramático mediante la reconstrucción de una escena que derriba la tiranía del texto para liberarse de las palabras y recobrar la libertad creadora.

Daniel Esteban presentó el año pasado en el Teatro del Mercado el espectáculo ‘La casa del Conde’ mediante una dramaturgia sustentada en la gramática gestual de giros, contorsiones, vuelos de trapecio y un montón de esforzadas figuras. El  resultado final lograba una gran fuerza visual y sonora, y sin embargo, el uso de la palabra era un añadido que restaba valor dramático al conjunto. Un año después vuelve al mismo espacio escénico con una nueva propuesta que supera a la anterior gracias al acierto de eliminar definitivamente la palabra.

‘La Replaceta’ nace de un lugar que tiene el mismo nombre en un pueblo de la provincia de Teruel donde se localiza LATA (Laboratorio Artístico de Torrecilla de Alcañiz) un lugar donde se generan propuestas escénicas. En este caso Daniel Esteban publicita el evento como una simbiosis entre circo, ópera y juego, pero esa somera definición es muy escasa para resumir un espectáculo tan delicioso.

Daniel Estaban profundiza en la experiencia de una dramaturgia que une en la misma acción escénica música, canto, acrobacias y danza. El primer gran acierto de la función es conseguir que las ejecuciones de rango circense tenga una elevada carga de interpretación, y a partir de ese peso narrativo, la peripecia se dedica a  explorar la vida cotidiana de una manera fragmentaria que el espectador no necesita recomponer, porque las historia fluye dinámica e interesante.

Todo comienza con la música del tipo con gorro y camisa de flores. Instrumental de loops digitales y melodías analógicas hasta que la mezzosoprano pone su sonrisa en escena y empieza la tortura de los agudos. Una tortura tan insoportable que se traduce en cadenas, sumisión y altas dosis de ironía. Que gran acierto buscar constantemente la complicidad del humor mientras diva, acróbata, danzarín y saltimbanqui hacen de las suyas. Dinámicas sobre el suelo, desparrame más allá del escenario, esos saltos que algunos chavales hacen por los parques de la ciudad, y unas canciones que te atrapan. Semejante despliegue físico y artístico deja huella de un sudor que parece brotar de la casualidad de los acontecimientos, mientras en la percepción del espectador se crea un realidad paralela, un universo referencial del que no puedes (ni quieres) escapar.

El teatro como espacio de representación se antoja  un entorno favorable para destacar la belleza estética de la propuesta, y sin embargo muchas de las acciones tiene esa querencia por abandonar el escenario, las gradas y los capiteles, como si quieran asaltar el caos de la calle, allí donde la vida se detiene para asombrarse con las cuerdas vocales de Carla Sampedro, el ballet con flauta de Juan Díaz Peralta, la energía controladísima de Iván Benito, la elegancia guapetona de Thibault Unternehr y la sonrisa de cabriola de Carolina Peralta.

‘La Replaceta’ es una excelente experiencia donde el aparente desorden de los acontecimientos esconde la disciplina que necesitan los intérpretes para transforma el orden establecido de las cosas en un pequeño oasis de belleza y sensibilidad.

Dirección: Daniel Esteban. Reparto: Mezzosoprano: Carla Sampedro, Músico: Juan Díaz Bueno, Artista De Circo: Carolina Peralta, Artista de Circo y Bailarín: Iván Benito. Artista de Circo: Thibault Unternehr. Ayudante de Dirección: Ana Esteban Tricas. Iluminación y Sonido: Javier Castillo – Millán Pro Servicios Profesionales S.L..

Viernes 18 de septiembre de 2026 Teatro del Mercado.

Gigante

 

Combate de ideas y argumentos

El actor Javier Bardem afirmó en el Festival de Cannes que la actual intervención de Israel en Gaza es un genocidio, y definió como cómplice a quien lo apoya o lo justifica. El Presidente Aznar afirmó meses más tarde que tachar al Estado de Israel de genocida es de antisemitismo puro y duro.

El texto tiene la inteligencia de mostrar la complejidad de la condición humana, es una alerta ante la galopante polarización que pretende colonizarnos y, aunque se extiende en exceso, conecta directamente nuestro presente con el año 1983, cuando el escritor Roald Dahl fue acusado de antisemita por comparar las acciones de Israel en la guerra del Líbano con la Alemania nazi, y acusar a todos los judíos de cómplices.

Los personajes están diseñados para mostrar la personalidad del protagonista. En el ámbito privado su compañera lo humaniza, el jardinero nos muestra su camaradería, y la cocinera es el altavoz de lo que piensa la calle. En el ámbito profesional Claudia Benito y Pep Planas ejecutan un brillante arco dramático desde el sosiego al enfado. Un elemento narrativo esencial que aborda temas como la cancelación, la diferencia entre artista y su obra, y las condiciones para alcanzar la calificación de antisemita.

Josep María Pou se sube a ese magnífico lienzo para deleitarnos con las contradicciones a brocha gorda del hombre gruñón, la sutil filigrana de la ironía, y ese tirar de navaja dialéctica hasta aniquilar al adversario, y después tenderle la mano de la amabilidad. Una borrachera de palabras que culminan en la pincelada de una frase que lo pone todo del derecho o del revés, eso dependerá de la percepción de cada espectador, mientras una pregunta flota en el aire a la búsqueda de un debate. ¿Qué nos define mejor, el lugar en el que nos situamos o los motivos para estar ahí?

‘Gigante’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Teatre Romea y Grec 2025 Festival de Barcelona. Autor: Mark Rosenblatt. Traducción Josep María Pou. Dirección Josep María Mestres. Reparto: José María Pou, Victòria Pagès, Pep Planas, Claudia Benito, Aida Llop, Jep Barceló.

Jueves 17 de septiembre de 2026 Teatro Principal.

Crítica de teatro: 'Gigante', combate de ideas y argumentos

Mishi Mushi y los ratones

 

Hace falta más cachiporra

El Teatro Arbolé salió a la calle de entrada gratuita para celebrar el XIII Festival Iberoamericano de Teatro para Niños y Niñas. La actriz Ana Santa Cruz aprovechó la soleada mañana para repartir pescaito entre el respetable, hasta que el género se acabó, y por arte de birlibirloque se convirtió en la titiritera que cuenta una historia sobre la eterna disputa entre un gato degustador de quesos y dos ratones que acuden al olorcillo del manjar.

‘MIshi Mushi y los ratones’ utiliza diálogos, canciones y rimas para construir escenas en las que se mezclan diferentes técnicas de manipulación. La titiritera tan pronto permanece oculta tras el teatrillo para insuflar vida con el juego de sus manos, como de repente se coloca en el centro de la escena donde comparte espacio con un títere de mesa y otro de varillas superiores. A esta capacidad para utilizar diversas maneras de mostrar a los personajes en una misma escena, se le añade el juego de la mutación y así, el gato del cuento unas veces tiene la solidez de quien pisa tabla rasa, pero otras veces se muestra con la volatilidad de un guante de tela vaporosa que parece volar hasta que ¡zas!, el minino salta al proscenio embutido en un traje negro y una máscara. Ahora la titiritera en una actriz para dar una especial corporeidad a un felino que, todos los sabemos, más pronto que tarde sufrirá una buena tunda de esos cachiporrazos que tanto nos hacen reír.

Algunos espectadores adultos estuvieron molestando durante toda la representación a quienes queríamos disfrutar del teatro en la calle. Un murmullo constante para hablar de cosas que se pueden tratar en otro espacio y lugar. Ese chismorreo es una falta de respeto al trabajo de la artista, y por eso afirmo que a la dura mollera de estos maleducados les hace falta más cachiporra.

 

‘Mishi Mushi y los ratones’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Compañía Ana Santa Cruz. Textos de la Pescadora, dirección, titiritera, diseño y realización de títeres: Ana Santa Cruz. Realización de máscara: Enrique Jiménez. Fotografía: Nicolás Morales Sarmiento. Diseño del cartel: Gaspar El Pinturillas.

Domingo 13 de septiembre 12h. Teatro Arbolé

 Crítica de teatro: Hace falta más cachiporra

 

Friends The Musical Parody

Parodia musical a la deriva

La parodia en el teatro griego tenía la intención de desmitificar a dioses y héroes para aplicarles una buena dosis de andar por casa hasta diluir tanta leyenda. La popularidad de la serie ‘Friends’ durante su emisión la situó en el olimpo de las sitcom. Un éxito que se ha alargado en el tiempo alimentado por la nostalgia de los buenos tiempos, un fenómeno al que se han sumado generaciones posteriores hasta obtener beneficios económicos como para que los actores de la serie sigan ganando 20 millones de dólares al año. Transformar ese éxito en una parodia musical es un reto que cuenta con dos grandes aciertos y algunos lastres.

El elenco hace un notable trabajo en la construcción física de unos personajes dibujados como caricaturas, cuando mayor es la pantomima mejor se percibe la esencia de su personalidad, y aunque a lo largo de la función se aprecian altibajos, el conjunto de la representación se sobrepone gracias a la irrupción delirante de algunos secundarios que rompen la dinámica y elevan la comicidad.

El texto se abona a la ironía para hilvanar un metadiscurso que se ríe de los excesos de la serie original y pone en solfa de cachondeo algunas de sus premisas. Ese interesante puntito de gamberrismo va perdiendo fuelle a favor de una ortodoxia narrativa que, empeñada en colocarse tan cerca del objeto parodiado, al final diluye la peripecia en una secuencia de gags que precisan de los conocimientos previos del espectador con respecto a lo que ocurría en la pantalla. Esta servidumbre debilita definitivamente el desarrollo de la comedia.

Las melodías enlatadas tienen una chirriante sonoridad metálica, transmiten cierta sensación de atropello y en algunos pasajes la vocalización deja mucho que desear, poniendo sombra sobre otros momentos que muestran chispa, energía y determinación.

 

‘Friends The Musical Parody’

Calificación: 2 estrellas

Producción: Saga Producciones, Theater Mogul, Iría Producciones. Dirección: José Saíz. Elenco. Omar Ruíz, Marta Seguí, María Ochando, Dani Saiz, Irina Bargües, Mario Barbé, Kevin Villar. Dirección musical: Carlos Manga. Coreografía: Lina Martínez. Sonido: Álvaro Arencón y Marcos Alegre.

Jueves 3 de septiembre de 2026. Teatro Principal

 Crítica del espectáculo 'Friends' en el Teatro Principal de Zaragoza: Parodia musical a la deriva

 

La Reina Brava

 

Shakespeare en la tacita de plata

¿Existe un humor gaditano? El periodista Fernando Santiago responde con una opinión muy extendida. La diferencia de Cádiz con otros lugares es que allí hay gracia, y en vaya usted a saber donde abundan graciosos que fuerzan la situación para sobresalir constantemente.

Las Niñas de Cádiz tienen claro que la potencia de sus espectáculos se sustenta en la particularidad de una turuta para darle caña a la murga, la guasa por tanguillos y la ironía en el cuplé. La dramaturgia se construye a partir de esos elementos, que en esta ocasión se apoyan en el disparadero creativo de un asesinato de marcado carácter local, que llevan más allá de la memoria popular, hasta elevarlo al arte de la chirigota y beneficiar a un tan Shakespeare, del que toman  los aderezos que caracterizan a los personajes de sus tragedias y dramas históricos. El villano repugnante, las brujas para despertar la ambición de poder, la ingenua que pierde la razón, la veleta de un juglar republicano, y un bufón futbolero de la Peña Cadistas 1910. Arquetipos para mostrar un retrato atemporal que desnuda la intimidad de las pasiones humanas, y al mismo tiempo tiene la clarividencia de revelar el esperpento de una España infinitamente grotesca, donde la corrupción de los más poderosos siempre se beneficia de los paisanos palmeros, y las críticas que se quedan detrás del visillo.

Esta complejidad narrativa se resuelve con las hechuras chispeantes de tres actrices de postín, y su capacidad para dejarnos ver la naturalidad con la que se produce el salto de un personaje a otro sin darse importancia, apelar con tino al patio de butacas, poner soltura al cascabel del verso, y en cuanto tienen ocasión echarse un cantecito por derecho hasta poner al público en pie.

‘La Reina Brava’

Calificación: 4 estrellas

Compañía: Las Niñas de Cádiz. Texto y dirección: Ana López Segovia. Taller de dramaturgia y elenco: Alicia Rodríguez, Ana López Segovia, Rocío Segovia. Espacio Sonoro: Mariano Marín. Diseño de iluminación: Beatriz Francos. Vestuario: Miguel Ángel. Asesoría coreográfica: Mariana Collado.

Miércoles 1 de julio de 2026. Teatro de las Esquinas

Crítica de teatro de 'La Reina Brava': Shakespeare en la tacita de plata

Alonso Q

 

En un lugar de la mente

Cervantes inventó un hidalgo que sufre una transformación delirante de la identidad que le lleva a transmutarse en una nueva realidad, donde se auto percibe como el caballero andante Don Quijote. Nada que ver con el dilema al que se enfrenta Alonso Q. Una elección entre mantener a raya la salud mental mediante una estabilidad que le hace perder su identidad, o enfrentarse al riesgo de vivir a volandas de dos planos que conviven, y lo enredan entre la realidad del barrio y la ficción generada por imágenes y voces que no existen, y que sin embargo lo arrastran a situaciones conflictivas.

La dirección de María Aladrén es un excelente ejemplo de una concepción escénica que amalgama texto y trabajo actoral para conseguir una representación nutritiva, donde el discurso del personaje se traslade de manera natural a las acciones que realiza y desde ahí, que los problemas visibilizados en el escenario terminen por apelar al patio de butacas.

La complejidad de la propuesta se suscita porque el protagonista vive en un doble vaivén. Mientras la prosodia de las palabras transcurre en una mente que funciona como un dial de radio, donde toda la marea de voces que lo acompañan ocupan el primer plano gracias al buen uso del micrófono; la gestualidad es una deliciosa continuidad de pequeños detalles y matices que van de la composición corporal a la expresividad facial.

Esta arquitectura conceptual se sostiene gracias a la emocionante interpretación de Fran Martínez, al que ya hemos visto en otras ocasiones crear personajes atrapados en nudos y cadenas, pero en esta ocasión su trabajo se expande más allá del cuerpo para habitar el espacio social, atrapar al espectador en el silencio de la sala, y generar un debate sobre como percibimos a las personas que pasan por una enfermedad mental.

‘Alonso Q’

Calificación: 4 estrellas

Producción: El Enjambre Swarm Lab y Teatro Bicho. Idea y texto: María Aladrén y Fran Martínez. Dirección: María Aladrén. Intérprete: Fran Martínez. Luces y sonido. Pedro Javier Mora. Escenografía: Louis Wells. Asistente: Nuria Martínez. Diseño Gráfico: Nashaat Conde. Ayudante de Producción: Mayte Serrano. Difusión y redes: Estela Algaba.

19 de junio de 2026. Teatro del Mercado.

Ginzburg y mi madre

 

Ginzburg y mi madre

El historiador Carlo Ginzburg (Turín 1939) murió este 17 de junio a los 87 años. Doctor en Filosofía y Letras por la Universidad de Pisa, alcanzó notoriedad internacional con el libro ‘El queso y los gusanos’ (1976), que le valió para identificarlo como el maestro de la microhistoria. Una historiografía que otorga relevancia a fenómenos individuales para elevarlos a representativos de la cultura popular en relación con la cultura de la gente dominante. Una historia alejada del relato político.

El texto de Ginzburg cuenta las declaraciones del molinero Menocchio que interpretan la cultura de finales del siglo XVI con el choque entre las tradiciones rurales, lejanos acontecimientos históricos y la invención de la imprenta.

Mientras la concepción bíblica de la creación parte de un principio absoluto antes del cual no existía nada, ‘El queso y los gusanos’ es el choque entre la página impresa y la cultura oral. Una mezcla explosiva en la cabeza de Menocchio que lo llevó a ser ejecutado por la Inquisición porque su pensamiento estaba muy lejos del ejercicio católico del acto de fe en cuanto al origen del mundo que encontramos en (2 Mac 7, 28) “Te pido hijo mío que mires al cielo a la tierra y lo que hay en ella, que sepas que Dios hizo todo esto de la nada y que el género humano fue hecho así” Una idea rematada en (Gén 3,24) “Expulsó al hombre y puso delante del jardín de Edén los querubines y la espada de llama flameante para guardar el camino de la vida”

La cosmovisión de Menocchio partía de la creencia de un mundo originado en el caos del que surgió “una masa, como se hace el queso con la leche, y en él se formaron gusanos, y éstos fueron los ángeles” El molinero trataba de convencer a sus vecinos que el mundo había nacido de la putrefacción.

El estilo Menocchio mezclaba lo leído con una manera de contar los acontecimientos que nos llevan inexorablemente hacía la creación literaria. Esa idea de ”formar una masa” para crear el mundo me recordó a mi madre. Ella también tenía una cosmovisión propia de cómo Dios había hecho a los hombres. Me lo contó muchas veces en las tardes de invierno cuando la infancia en las Barriadas del Sur de Utrillas se detenía a escuchar historias junto a una estufa de carbón.

La Rosario, madre católica, creyente apostólica, de misa semanal y rosario diario, me hablaba de un Dios alfarero que creaba hombres y mujeres de barro y los introducía en un horno. El tiempo de cocción de cada hornada determinaba la raza. Nosotros éramos así tan blanquitos porque estábamos poco hechos, sin embargo indios, chinos, mulatos y todos los que tenían pieles cobrizas estaban cocidos al punto. ¿Y los negros? pregunta yo. Mi madre entonces levantaba la mirada del ganchillo y ponía sus ojos en los míos. Los negros hijo mío son un descuido divino. A Dios nuestro señor se le fue el santo al cielo y se le quemaron un poco. Ya ves Javi, todos diferentes pero iguales a los ojos del creador. Como cuando se me quema alguna croqueta.

Afortunadamente mi madre no terminó sus días en la hoguera como le ocurrió a Menocchio porque ella, lejos de la herejía, tan solo me estaba contando un cuento con ese quejío interno de quienes aceptan el mundo creado por Dios, pero no comprenden la forma que tienen algunos de mirarlo.