La curvatura de la córnea

05 diciembre 2022

Ratas y canguros: Divertimento para mamíferos

 


Teatro Bicho ha trasladado su sede a la calle Ricardo el Arco en la margen izquierda y así, un antiguo video club se ha convertido en uno de los últimos reductos del teatro alternativo de la ciudad. El nuevo espacio se inauguró el 18 de noviembre con la función de Teatro PezKao titulada «Ratas y Canguros».

Aunque las ratas y los canguros pertenecen a la familia de los mamíferos, no es lo mismo pensar en un maldito roedor que en la simpatía de un marsupial, al menos desde nuestra latitud norte, vaya usted a saber lo que pensaran Los australianos.

La sobriedad en la escenografía invita a que la dramaturgia se extienda más allá de espacio escénico, como si el hecho teatral huyera de su responsabilidad dramática, troceara la realidad mediante escenas sueltas que, sin relacionarse directamente con el público, lo apelan sin miramientos con una dialéctica que enfatiza argumentos, conversación y discusiones, hasta deslizarse por el delicioso mundo del absurdo. Un apetitoso terreno que se deja querer por los desequilibrios cotidianos, como si todo lo que ocurre en el escenario fuera un experimento creativo de la vida, dos personajes que mutan con la única intención de encontrar un humor esencial que, entre peripecias particulares y una sutil diversión, provoque en el patio de butacas un acto de reflexión antes que una carcajada sonora.

Fran Martínez y Nashaat Conde nos regalan una interpretación en la que domina el control del tiempo, el silencio y la lentitud. Las escenas se llena de miradas y pequeños gestos para conectar un realismo desganado con las inquietudes de los personajes, pero cuando menos te lo esperas las palabras llegan en avalancha, desembocan en un desequilibrio que rompe las situaciones creadas, y nos obligan a mirar el mundo con un prisma muy particular, una lente de aumento que nos avisa del peligro de caminar permanentemente por la cuerda floja, de compartir la vida con otros mamíferos y sin embargo ¿qué otra cosa podemos hacer las ratas y los canguros más que unir nuestras fuerzas contra el apocalipsis zombi que cada día asola nuestras vidas?

 

 


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04 diciembre 2022

Matilda: Un musical maravilloso con un potente mensaje

 



Ronald Dahl escribió Matilda en 1988, una novela de la que no tengo ninguna referencia. Mi acercamiento al personaje se debe a la adaptación cinematográfica dirigida por Dany De Vito en 1996, que se queda muy alejada en calidad de la excelente máquina narrativa que supone el musical realizado en 2010 por la Royal Shakespeare Company, cuya version española se representa en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid.

Matilda es un musical impecable. Narración, partitura y coreografía encajan perfectamente en una dramaturgia que incorpora otras artes escénicas en forma de narración oral y lenguaje circense. El trabajo actoral es sobresaliente y gracias a un amplio elenco, el reparto de cada función se va alternando, pero es fácil imaginar que el nivel de interpretación será muy parecido en todas los pases para conseguir números musicales tan elocuentes como el lirismo de unos columpios gigantes que nos recuerdan que cuando eres mayor siempre tienes preguntas por responder, la locura de unas habitaciones apiladas donde la noche es un no parar de cantar y bailar, o la emocionante coreografía de una revolución que pone en valor la importancia de los pupitres.

La tesis de la función es demostrar que, frente a la burricie de quienes pasan las horas muertas ante los concursos hilarantes de una televisión tóxica que anula el espíritu crítico, otro mundo es posible en el que se fusiona estudio, lectura y creatividad, tres actividades que, al contrario de lo que piensan lo zoquetes, no están reñidas con el divertimento. Matilda es la historia de la historia de una niña  aficionada a la lectura que transcurre en tres ámbitos para msotrarnos diferentes aspectos de su personalidad y de las personas que forman parte de su vida en el hogar, la escuela y la biblioteca.

La familia de Matilda es odiosa porque para ellos Matidla simplemente no existe, o tan solo es un objeto horroroso que se puede patear, insultar o vilipendiar. Sin embargo, están dibujados de una manera tan nítida y a la vez tan colorista, que nunca se terminan de perciben como los malos malotes de ponerse a temblar, más bien son una caricatura de que dan un pelín de pena porque no dejan de ser el pack garrulo de una ignorancia arrogante que más pronto que tarde les llevará a pegarse un Tozolón importante. Sin embargo, como el libreto envuelve todos esos despropósitos de ironía, vestuarios tropicales y un dinamismo chispeante en las acciones, hasta culminar con un fantástico número musical entre la madre desnortada de Matilda y un electrizante, sensual y muy gracioso profesor de bailes latinos.

La Biblioteca es para Matilda un Contendor inmenso de historias para leer y el lugar donde la bibliotecaria escucha con fervor las
historias que dictan su imaginación. Nos encontramos con unas escenas de una gran potencia teatral en las que aúnan la fuerza evocadora del relato oral, una deliciosa escenografía, y el lirismo de una acción ejecutada por unas siluetas circenses. Matilda mezcla todos esos elementos para construir un universo donde el más difícil todavía permite giros inesperados que nos llevan de las grandes dosis de amor a las lágrimas del drama, y quien sabe si a un final feliz.

La escuela es el meollo esencial de la función. Un lugar donde gobierna la maldad de una profesora mala, malísima con la autoestima muy alta, y un irremediable tendencia a deleitarse en el sufrimiento de los demás, sin embargo, como está dibujada sin un gramo de parodia y su puntito de ironía, la seguimos con mucho interés y, pese determinación para aniquilar niños, nunca se llega a odiarla. La decisión de que este papel femenino sea interpretado por un actor es un acierto mayúsculo que  permite una composición brillante del personaje, un puntazo que diría Raquel Vidales.

En la escuela ocurren cosas muy importantes. La primera tiene que ver con la formación y la evolución del conocimiento de los niños que asisten a clase, y que se convierte en todo un alegato en contra de esa corriente que está inundando el mundo occidental, que Antonio Muñoz Molina califica de "La edad de la ignorancia", y a la que hemos llegado en tres fases: 1 En un principio la ignorancia desataba el ridículo y había un intento por disimularla. 2 La ignorancia, cuando algunos líderes mundiales la mostraban sin vergüenza, comenzó a ser aceptada con indulgencia y naturalidad.3 En la actualidad la ignorancia se muestra sin complejos para convertirse en una señal de orgullo, y ahí es donde triunfan las redes sociales que la glorifican.

La segunda es que la defensa en favor dela cultura y el conocimiento deriva en que los alumnos se dan cuenta de la importancia de luchar contra la ignorancia desde el esfuerzo individual como el primer paso para obtener la conciencia colectiva que les permitirá enfrentarse al despotismo que les oprime y así, la fuerza del grupo limita la importancia de los poderes telequinésicos personales y exclusivos de Matilda que, si eran decisivos en la versión cinematográfica, ahora solo son un elemento más de la revuelta, una herramienta simbólica en la revolución que se visualiza en un emocionante número musical en el que participa todo el elenco.

Es evidente que la visión que les acabo de enunciar pertenece a la mirada de un adulto, sin embargo la grandeza de este espectáculo radica en que también está pensado para el público infantil que, con menos requiebros teóricos, se lo pasa de rechupete en un espectáculo que aúna emoción, reflexión y carcajadas para alimentar espíritus rebeldes.

 

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29 noviembre 2022

Si esto es un hombre


 

Sobrevivir al infierno

Dante Alighieri escribió «La Divina Comedia» en el primer cuarto de siglo XIV como la narración de un viaje que comenzó a las puertas del infierno bajo una inscripción que decía "Abandonar toda esperanza, quienes aquí entráis". Cuando las autoridades fascistas italianas entregaron a Primo Levi a la Gestapo alemana en febrero de 1944 porque era judío, y por tanto le correspondía la deportación y la muerte, el joven químico no podía imaginar que aquel viaje lo llevaría hasta las puertas del infierno situadas en campo de exterminio de Auschwitz y que sería capaz de sobrevivir.

Primo Levi escribió «Si esto es un hombre» en 1946, y en la presentación ya advertía "que ninguno de los datos ha sido inventado". Seguramente es un aviso necesario porque cuando te sumerges en su testimonio, lo primero que llama la atención es el tono neutro y objetivo con el que describe todo tipo de atrocidades, y la inexistencia de expresiones de odio, rencor o deseo de venganza. Sin embargo Levi confesó en 1976 que su abstención a la hora de juzgar explícitamente lo ocurrido no había que confundirla con el perdón, porque él no estaba dispuesto a perdonar a ninguno de los responsables, a menos que hubiera demostrado con hechos que habían tomado conciencia de las culpas y errores del fascismo.

La dirección de Mario Ronsano acierta cuando pone todo el empeño en conseguir que todas las palabras se perciban exentas de rabia, limpias de venganza y con una dicción quirúrgica que recoge la esencia del mensaje que quería transmitir Primo Levi mediante un diseño espacial muy concreto y utilizando tres lenguajes diferentes.

El espacio escénico atiende a la sensación que tuvo Cuando Primo Levi accedió al campo de exterminio, sintió que el infierno era una sala grande y vacía. El espacio escénico responde a esa sensación mediante una caja Aséptica de paredes blancas y neutras que aumentan la sensación de encierro, un espacio que mutará al compás de las palabras del autor mediante proyecciones visuales tan sobrias como eficaces y un audio que eleva la tensión narrativa para subrayar el mensaje esencial: Lo importante de esta historia es comprender que el peligro sigue ahí, agazapado, esperando a que el olvido de una sociedad desorientada ponga el viento a su favor.

Mariano Anos sustenta su interpretación en un tono comedido que, centrado en la contención gestual, nos regala un excelente trabajo vocal que recorre tres formatos diferentes. El primero recuerda la tradición oral de contar la peripecia más importante de una vida, esas historias familiares que solo se pueden contar en un ambiente de confianza sin fisuras y que, por mucho drama que contengan, siempre se perciben con la tibieza de los cuentos que Brotan al calor del hogar. El segundo conecta directamente con el hecho físico de un personaje leyendo en escena, una acción que transmite la idea de que lo realmente importante es la huella documental, dejar constancia negro sobre blanco de los acontecimientos dignos de ser recordados con fidelidad histórica. El tercero es la presencia del recuerdo que nace en la memoria y ocupa un espacio permanente en el pensamiento. La representación teatral de esta idea es posible gracias al uso de la tecnología y así, las palabras de Primo Levi nos llegan filtradas por una cámara de video y una postproducción que proyecta la imagen del personaje con un pequeñísimo retraso, una disfunción mínima que nos advierte del capricho del recuerdo que, si bien forma parte esencial de cualquier historia, también requiere una percepción diferente que tenga en cuenta su grado de elaboración posterior.

La representación mantiene a toda costa el estilo sobrio, casi de inventario de la obra original, una decisión estética que asume la posibilidad de que la emoción no estalle, y que el testimonio se perciba en su faceta estrictamente ética que, antes de dirigirse al corazón, tiene como objetivo un impacto intelectual sobre lectores y público para que no se repita el horror de Auschiwitz recurriendo al único camino posible: Evitar el olvido definitivo de los muertos.

 

«Si esto es un hombre»

Producción: Factory Producciones e Ideando Teatro. Autor: Primo Levi. Adaptación: Domenico Scarpa y Valter Malosti. Versión libre y actor: Mariano Anos. Dirección: Mario Ronsano. Escenografía: Antonio de Clemente. Espacio sonoro: Javi Lobe.

28 de noviembre de 2022. Teatro Arbolé.

 


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28 noviembre 2022

Los dioses y dios

 





La receta de «El Brujo»

En la Grecia Antigua los dioses ocupaban el espacio del mito con sucesos no contrastados, y el hombre se dedicaba a contar su visión religiosa del mundo en unos rituales que son la base del teatro. Plauto en su obra «Anfitrión» rompió el molde por su querencia a fundir en un solo texto diferentes materiales dramáticos y así, hizo un sofrito de tragedia y comedia en el que mezcló peripecias de dioses y hombres con la intención de hacer reír al público por encima de un desarrollo lógico de la acción. «El Brujo» bebe de esa fuente para preguntarse por la relación que se establece entre dioses y hombres.

La puesta en escena es lo único sencillo de la función. Una alfombra roja a modo de escenografía que no requiere subvención, y en una esquina la aportación musical de Javier Alejano para subrayar el juego interpretativo que ya es marca de la casa: Un juglar agita la coctelera del teatro con elementos que complican la trama y confunden al propio actor que se va liando como la pata de un romano hasta no saber muy bien que obra está representando, y dejar al patio de butacas con esa risa de quien está al borde del desequilibrio y la incomprensión.

Los personajes se representan mediante el gesto y la danza de una metamorfosis liviana y efectiva; mientras la voz construye un complejo hilo argumental que conecta obras y autores de diferentes épocas, combinando el discurso culto y académico del paraninfo, con una avalancha de anécdotas atemporales, chascarrillos grotescos y chistes que cuentan la actualidad política, mediática y social.

Repetir receta estructural y algunos gags de otras funciones pueden alejar a espectadores veteranos, sin embargo, el miembro de la tribu que sigue la tradición oral de contar historias para hacernos reír y reflexionar sigue siendo un gran espectáculo.

 

«Los dioses y dios»

Calificación: 4 estrellas

A partir de la obra «Anfitrión» de Plauto. Versión, dirección e interpretación: Rafael Álvarez «El Brujo» Director musical: Javier Alejano. Directora de Producción: Herminia Pascual.

26 de noviembre de 2022. Teatro de las Esquinas


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26 noviembre 2022

¡Ay, Carmela!

 



Construir la memoria histórica de España

«Ay, Carmela» se estrenó en noviembre de 1987 en el Teatro Principal de Zaragoza. El programa de mano de aquella representación aspiraba a que la guerra civil tan solo fuera el escenario de dos personajes atrapados por su mala estrella, y que prevaleciera una idea transcendente: El teatro es un espacio evocador entre la realidad y el deseo que ofrece un albergue seguro a la memoria. La elegía de Carmela vuelve al mismo escenario para invocar a una sociedad que después de ochenta y seis años, todavía convive con compatriotas enterrados en cunetas.

La función se sustenta en dos pilares: Anticipar un final trágico con el objetivo de comprometer al espectador de manera emotiva e intelectual. Generar un conflicto moral entre unos personajes que, tan antagónicos como inseparables, representan al pueblo english. Las interpretaciones de María Adánez y Pepón Nieto aportan frescura y credibilidad a una mujer valiente tan alejada de la política como rebosante de humanidad, y a un pobre diablo que sobrevive atrapado entre la cobardía y la precaución. Los peligros que acechan a la pareja siempre están fuera de escena y, aunque la escenografía los subraya en exceso con el simbolismo de una terna de banderas, como la dirección de Carlos Plaza se recrea en las dudas y miedos que persiguen a Paulino, la tensión dramática se diluye hasta reducir el nivel de emoción que merece el momento culminante en el que Carmela alcanza la condición de mártir.

El texto de Sinisterra se cierra con un epilogo en forma de diálogo que se desvanece, como ahora ocurre en los parlamentos, entre el rojo desteñido de quien se evapora en los recuerdos, y un azul luminoso de miedo con panza llena. Entonces es cuando cristaliza el binomio emoción y reflexión, un lugar para construir la memoria histórica de España.

 

Ficha artística «Ay, Carmela»

Calificación: 3 Estrellas

Producción: Producciones Faraute y Pentación Espectáculos. Autor: José Sanchis Sinisterra. Dirección. José Carlos Plaza. Reparto: María Adánez y Pepón Nieto. Escenografía e iluminación: Paco Leal.

 

24 de noviembre de 2022. Teatro Principal

 


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21 noviembre 2022

Manual para cuando todo está perdido

 



La verbena de la incertidumbre

El principio de incertidumbre de Heisenberg estableció que en el mundo subatómico no existen las certezas: La realidad se ve adulterada por la mera observación que modifica el comportamiento del objeto observado. Conocer la posición de una partícula produce una gran incertidumbre sobre su velocidad, y viceversa. Cambaleo Teatro convierte este principio en un breve ensayo para reflexionar sobre el comportamiento individual y social a la hora de gestionar el grado de incertidumbre con el que somos capaces de vivir, y del que depende el porcentaje de felicidad y desencanto con el que miramos la realidad.

El espacio escénico se divide en dos. Un área donde se dicta una conferencia para defender que la incertidumbre es la única certeza que vamos a tener en la vida, y advertirnos que, si fortificamos la vida alrededor de certezas estaremos allanando el terreno para que se imponga el populismo que todo lo simplifica. El segundo espacio es la verbena de la incertidumbre donde la vida se concibe como una pista de baile en la que deleite, esparcimiento y comunicación conviven con una narración corporal que provoca atascos, impedimentos y el vaivén propio de una realidad, desde la que brota la ficción en modo de poema o descripción, esas historias que tanto nos gustan porque precisamente en su desarrollo narrativo la incertidumbre siempre tiende a cero.

La dramaturgia combina con acierto lenguajes como la música, la danza y la palabra, aunque prevalece una sensación de desequilibrio dramático, quizás porque el peso de la oralidad se sustenta en el discurso: Correcto en lo académico y con una excelente expresión poética; mientras el diálogo se deja en manos de una acción exclusivamente física con momentos de gran belleza formal, que llevan la realidad observada a terrenos simbólicos.

 

 

Ficha Técnica 'Manual de comportamiento cuando todo está perdido'

Calificación 3 Estrellas

Compañía: Cambaleo Teatro. Texto y dirección: Carlos Sarrió. Intérpretes: Eva Blanco, Begoña Crespo, Julio C. García, Antonio Sarrió. Música: Mariano Lozano-P

19 de noviembre de 2022. Teatro de la Estación.

 


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18 noviembre 2022

El premio



La muerte como premio

Marisol en 1962 cantaba que la vida es una tómbola de luz y de color. TVE emitió en 1964 «Reina por un día» El programa tenía como objetivo hacer realidad los sueños que las mujeres enviaban por escrito. La era ganadora coronada y se sentaba en un trono. Con el siglo XXI llegó «Gran Hermano» y cambió la forma de hacer televisión. La dramaturgia arrea una patada al tiempo y nos sitúan en la telerrealidad del año 2050. Pero solo es una argucia para tranquilizarnos. «El Premio» es una profunda radiografía de la actualidad, de como un guion convierte en personajes a unas personas que entregan sus vidas para construir una ficción que no controlan.

La escenografía es tan sencilla como una jaula de monos predispuestos a dar espectáculo mediante la interacción con el público, pero recuerden, en un reality show nada es lo que parece, al menos hasta después de la publicidad. Por eso, mientras el tono de comedia consigue las primeras carcajadas, el texto va escanciando gotitas de ácido que, si en el mundo real serían un alud de sabor agrio, corrosivas desgracias y proclamas que nos deberían poner en alerta ante un contexto tan hostil; El Tamiz del concurso las trivializa como las estrategias que necesitan los concursantes para ganar, y como la ficción o la realidad (usted elije) para fidelizar a la audiencia. Este interesante juego narrativo se ha construido gracias a una creación colectiva mediante improvisaciones que, con algunos altibajos en el interés de la peripecia, tiene momentos cumbre como la disrupción de las grabaciones en video.

Buen trabajo del elenco y la dirección en la nítida construcción arquetípica de los concursantes, y en la eficacia para zarandearlos al capricho de cada una de las pruebas a las que se ven sometidos, hasta alcanzar la muerte como premio.

 

Ficha Técnica 'El Premio'

Calificación: 3 estrellas

Producción: La Quintana Teatro, Escenate y Zeena Producciones. Creación: Colectiva. Dirección: Marián Bañobre. Dramaturgia: Santiago Cortegoso. Actores: Victoria Tejeiro, Raquel Espada y Xurxo Cortázar.

16 de noviembre de 2022. Teatro de las Esquinas.


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