Acelgas con champán

 

Un viaje a la nostalgia

‘Acelgas con champagne’ se estrenó en agosto de 1969. La crítica de Pérez Fernández en ABC hablaba del éxito de una comedia sobre un tema penoso con ribetes dramáticos. El «desviacionismo sexual» de un personaje que lucha por «redimirse» sin acentuar las tintas en gesto y lenguaje en un mullido lecho de situaciones divertidas con desenlace feliz. Espectáculos Tauro ha españolizado el título de la función para superar ese pasado del que venimos, reivindicar la diversidad sexual,  maridar hortaliza con vino espumoso (si hay presupuesto), y refugiarse en un viaje a la nostalgia con aromas de café-teatro y vodevil que navega entre dos polos artísticos.

Javier López se convierte en mucho más que el coro y el acompañamiento musical para la diva. Sus dos cuerdas vocales y las seis de la guitarra son el contrapunto melódico que espera cada nueva entrada de su partenaire, mientras nos regala versiones muy personales sobre los labios de un bolero que no quieren besar, y la inagotable avalancha de metáforas sabineras que gruñen a ritmo de canta autor y rumba sobre amores cerrados por derribo, o esa pena que dura no sé cuántos días y un montón de noches.

Jesús Sesma se mete en la piel de una Drag Queen para darle palique a un repaso muy particular de mitos generacionales como Los Payasos de la Tele. Aplica golpecitos de amable bambú al público para echar pa`lla la vergüenza porque se viene coreografía de cuplé. Y se enfrenta en riguroso play-back al desgarro amoroso de una mujer insoportable entre lo peor de lo peor, o al indomable desdén de una cabaretera que dice bye bye a su amante desde lo más alto de una silla. Cuarenta y dos años de carrera para salir sin maquillaje sobre una modesta escenografía, y darse el gusto de cantar que entre dudas y risas todo lo ha hecho a su manera.

 

‘Acelgas con champán’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Espectáculos Tauro. Dramaturgia, dirección, espacio escénico, vestuario y attrezzo: Jesús Sesma. Dirección musical, diseño de iluminación y espacio sonoro: Javier López. Intérpretes: Jesús Sesma y Javier López

Viernes 4 de octubre de 2024. Teatro de la Estación

'Acelgas con champán': Un viaje a la nostalgia (heraldo.es)

3 Hermanas

 

Un Chejov para el siglo XXI

Una de las responsabilidades más importantes de los dramaturgos contemporáneos es ofrecer nuevas lecturas de los clásicos para que nos hablen del presente sin traicionar la esencia del pasado. La adaptación que Alfonso Plou y Carlos Martín han realizado de ‘Las tres hermanas’ supera el reto con algunas pinceladas para actualizarla. Se introducen frases que nos sitúan en la Rusia postsoviética que lucha por recuperar la identidad idealizada de cuando era un imperio. La incorporación del patinete como símbolo de una generación atosigada por una sucesión de crisis económicas que los arrastra a una edad de hielo, donde la nostalgia idealiza un pasado que se advierte como cobijo y consuelo. Estas dos situaciones conectan la fatalidad melancólica del estreno de la obra en 1901 con una sensación muy arraigada en estos tiempos hiperconectados por la globalización: creer constantemente que la felicidad está en otra parte hasta abstraerse de la realidad.

La escenografía tiene la finalidad funcional de un enorme salón donde ocurre la peripecia que alterna territorios de tristeza, soledad y desesperación con acontecimientos alegres y distendidos, hasta que la sencillez poética de una proyección nos deja en un jardín de abetos y abedules donde se resuelven todos los dramas que nunca llegan a percibirse como tragedias.

A partir de este contexto, la dirección de Carlos Martín ha cuidado al máximo el trabajo del elenco para dibujar cada uno de los personajes mediante un acertado ejercicio de precisión. Actores y actrices manejan con sutileza el realismo teatral hasta conseguir que el artificio de la verdad conecte con el espectador, y hacerlo participe del fluir cotidiano de la vida. Esta autenticidad es imprescindible para seguir el juego dramático a un Chejov en modo siglo XXI.

 

‘3 Hermanas’

Calificación: 4 estrellas

Compañía: Teatro del Temple y Nova. Autoría: Antón Chejov. Adaptación: Alfonso Plou y Carlos Martín. Dirección y escenografía: Carlos Martín. Intérpretes: Alex Aldea, Fany Gijón, Javier Guzmán, Blanca Láinez Laura Lúa, Luisal Martu, Jorge Rado, Rubén Remacha, Ignacio Viscasillas, Nuria Zapatería. Producción: María López Insausti.

Martes 24 de septiembre. Teatro de las Esquinas.

'3 Hermanas': Chejov en modo siglo XXI (heraldo.es)

Aquellas migas de pan

 

¿Qué me gustaría recordar?

El actor y director Alfonso Desentre estrenó 'Help!' en marzo de 2017. La función mostraba el intento de reconstrucción de la historia de una vida con materiales tan endebles como unas pocas palabras, algunas fotografías y una canción de Los Módulos. El viaje al pasado era imposible porque en la memoria del protagonista reinaba el olvido. En 'Aquellas migas de pan' ocurre todo lo contrario. La función que ha escrito Jennifer Haley nos muestra la reconstrucción del pasado cuando todavía es posible acercarse a ese puñado indeleble de recuerdos que definen una vida. Y sin embargo ambas obras tiene en común la pregunta sin respuesta que alentaba el proyecto de Desentre. ¿Qué me gustaría recordar si padeciera demencia?

La peripecia transita entre dos planos. La carga simbólica recae en los elementos de atrezo y la escenografía de una isla sobrevolada por los recuerdos de una cortina de hilos. Allí es donde las protagonistas se suben a una montaña rusa que combina los saltos en el tiempo con una relación determinada por la dualidad entre la necesidad de amar y la soledad. El plano de la realidad está anclado en las palabras y su capacidad para transformarse en relatos de ficción, recuerdos infantiles y todo un catálogo de relaciones entre dos mujeres que, más allá de una unión marcada por el deterioro de la enfermedad, están perdidas y abandonadas.

La música original subraya con diferentes colores todos estos elementos narrativos, hasta constituirse en una guía esencial que conecta todas las estaciones de un viaje vital, en el que se aprecia un atropello innecesario en la ejecución de diálogos y transiciones, mientras el arco dramático prioriza el devenir biográfico de los personaje, hasta diluir y posponer una transformación emocional que tan solo se apunta en el tramo final.

'Aquellas migas de pan'

Calificación: 2 estrellas

Producción: Kendosan Producciones y Varsovia Producciones. Autora: Jennifer Haley. Directora: Inma Cuevas. Intérpretes: Mónica Bardem y Carmen Ibeas. Espacio sonoro: Jordi Collet. Espacio escénico e iluminación: Javier Ruíz de Alegría.

Jueves 19 de septiembre de 2024. Teatro de las Esquinas.

'Aquellas migas de pan': ¿Qué me gustaría recordar? (heraldo.es)

El misterioso caso del poeta que se fue a la luna

 

Una Comedia Pop que pierde ritmo

Patricia Tubella recuerda que el Pop-Art elevó el culto a la celebridad hasta la categoría de arte mediante la crítica o la celebración de la cultura de consumo. Este influjo de la cultura pop utiliza una coctelera para mezclar imágenes inmediatamente reconocibles por el público que podemos resumir en una exhibición de latas de sopa, estrellas del entretenimiento y líderes políticos.

Jaime Ocaña ha escrito un texto que acumula una gran cantidad de nombres populares, pero el uso que les da en la peripecia es meramente instrumental para encajarlos en un discurso caracterizado por un encadenado más o menos brillante de juegos de palabras, chascarrillos y humoradas que, si al principio resultan novedosos, poco a poco pierden fuerza hasta diluir lo que el programa de mano califica de «Comedia Pop»

La función empieza con una sugerente presentación de los personajes apoyada en la experiencia de unos actores con oficio de sobra para que las ironías y dobles sentidos funcionen bien dentro de una ucronía descacharrante: el fundador de la Legión Española, el autor de 'Poeta en Nueva York', y la mujer transgresora que escribió sobre la erótica de sus pechos a principios del siglo XX comparten conversación entre puyitas de intelectual, ecos de la Guerra Civil y una boda estrafalaria.

La dirección de Mario Ronsano incorpora ingredientes que buscan una vía de escape a la preeminencia de la comicidad verbal. El baile poético de seducción, la ilustración reaccionaria de 'El Mago de Oz', o la discreta utilización de los títeres. Estos materiales narrativos no transforman el agotamiento de la energía generada por la oralidad, y tampoco añaden chisporroteo eléctrico para enriquecer el juego escénico con sorpresas, gestualidad y acciones que alimenten el ritmo clásico de la comedia.

 

'El misterioso caso del poeta que se fue a la luna'

Calificación: 2 estrellas

Producción: Belladona Teatro, Las Pueyo Producciones. Dramaturgia: Jaime Ocaña. Dirección y puesta en escena: Mario Ronsano. Intérpretes: Jaime Ocaña, Catalina Pueyo y Francisco Fraguas.

Viernes 13 de septiembre de 2024. Teatro del Mercado

Mi vida en el arte

 

Un monaguillo en el escenario

El actor Israel Elejalde sitúa la dificultad de decir el verso en una estructura formal tan férrea, que se siente como en una jaula desde la que mostrar pericia corporal, una adecuada de respiración y un ejercicio de comprensión que te obliga a relacionarte con las palabras. Una vez alcanzados esos objetivos puedes decidir cuándo te los vas a saltar. El Brujo hace mucho tiempo que decidió saltárselos para crear espectáculos únicos y personales.

'Mi vida en el arte' es la última de sus producciones y ha vuelto a utilizar la misma receta que, repetida una y otra vez siempre consigue matices diferentes. Los ingredientes hay que buscarlos en la santísima trinidad de un solo hombre y tres personas a la vez. El incansable dramaturgo que estudia a los clásicos. El buen oficio del cómico que hace malabares con la prosodia y la mueca. El ritmo del monologuista que cuenta sucedidos de su vida y se mofa de la actualidad social.

El Brujo modifica las proporciones de esos elementos dramáticos escuchando las reacciones del público y por eso, aunque tiene la guasa de anunciar una función con el objetivo de enfrentarse a «la asignatura pendiente para cualquier actor» y convertir los «versos, versos, versos y más versos» en el centro de un espectáculo, lo cierto y verdad es que los versos escasean para mayor gloria de una técnica infalible. Hacer reír mediante la tontería mayúscula de un juego de palabras simplón, elevar de inmediato el tono del lenguaje con una pirueta que deja la broma en las alturas de la transcendencia filosófica, y recoger el aplauso cerrado para salpimentarlo con ironías de cuando El actor dice que pierde el hilo y hasta el oremus. El secreto consiste en mantener la mirada infantil de aquel monaguillo que en lugar de feligreses veía a un público al que entretener.

 

'Mi vida en el arte'

Calificación: 4 estrellas

Dirección y actor solita: Rafael Álvarez 'El Brujo' Dirección musical: Javier Alenjano. Directora de Producción: Herminia Pascual.

Domingo 8 de septiembre de 2024. Teatro de las Esquinas.

Crítica de teatro:'Mi vida en el arte': un monaguillo en el escenario (heraldo.es)

Forever Van Gogh

 

Una estructura narrativa sin emoción

El productor ejecutivo Dario Regattieri afirma que esta función es difícil de catalogar porque es un espectáculo interdisciplinar de texto, música, danza y proyecciones envolventes. Más allá de un acercamiento histórico a la figura del protagonista, el reto principal para el director Ignasi Vidal es emocionar. Los dos máximos responsables de 'Forever Van Gogh' señalan las claves para que suceda el hecho teatral: que los diferentes lenguajes narrativos activen las fuerzas de la teatralidad para que acción, pensamiento, poesía y emoción conecten con el espectador.

El pensamiento surge de una peripecia que parte de las cartas intercambiadas por los hermanos Van Gogh para contar sus vidas con nitidez, hasta invitarnos a reflexionar sobre la paradoja de como sus cuadros alcanzan un valor económico que el autor nunca pudo imaginar. Los aliados de la poesía están relacionados con la acción y la vibración del violín. Imágenes que se escapan del escenario para ilustrar y contextualizar. La escenografía de un contendor cúbico utilizado con versatilidad. Los movimientos en el espacio escénico culminan en coreografías contemporáneas de gran belleza magnética que componen los momentos más interesantes de la función.

Estos aciertos no cuajan por la ausencia de la imprescindible tensión entre escritura y su pronunciación. Mayorga afirma que el tipo de la palabra constituye la forma de la obra. En este caso abundan las dudas, problemas de vocalización, barullo en las escenas de grupo y confundir la intensidad dramática con elevar el volumen de la voz. Con estos mimbres la construcción de los personajes es superficial, y los enjaula en las cuerdas vocales hasta incapacitarlos para mostrar el pálpito interior de sus sentimientos, ese lugar donde brota la emoción que tanto se echa en falta.

'Por siempre Van Gogh'

Calificación: 3 estrellas

Producción: Beon Entertaiment. Autor y dirección: Ignasi Vidal. Coreografía: Chevy Muraday. Música. Ara Malikian. Violinista: Simón García Escenografía: Alessio Meloni. Elenco: Cisco Lara, Felipe Ansola, Alba Yuste, Andoni Larrraberi, Inés Valderas, Gema Álvaro, Vicky Condomí, Joaquín Fernández, Noelia Venza y Javier Arroyo 'Jota'.

Jueves 5 de septiembre de 2024. Teatro Principal de Zaragoza

Crítica de teatro: 'Forever Van Gogh': una estructura narrativa sin emoción (heraldo.es)

Sobras completas: ¡Hazmerreir!

Antropología para odiseas cotidianas

Si un viajero dorado vino del futuro para clausurar los Juegos Olímpicos de Paris, y recordarnos las esencias del olimpismo, los dos androides que protagonizan 'Hazmerreir' vienen de la frontera de ese mismo futuro gracias a un software IA de última generación diseñado para salvaguardar el entretenimiento. El plan consiste en llevar el monólogo cómico más allá de un tipo frente al micrófono que se dirige directamente al público para generar una comunicación interactiva que conecte, escenario y auditorio. El objetivo se cumple gracias a un salto esencial hacia el género dramático, y que la acción recaiga en los personajes en lugar de hacerlo en la narración. El dramaturgo José Luís Esteban lo resume en dos ideas que lo representan como actor y escritor. «Que las palabras estén vivas y se pueda jugar con ellas»

El juego comienza en el título. 'Hazmerreir' parece la orden Tajante para que los cómicos empiecen a divertirnos, sin embargo los androides fusionan los dos verbos para alejarse de esa acepción. Ellos en realidad se comportan como el antropólogo que estudia las relaciones sociales de los humanos, elige la evolución de las mejores individualidades y hace un resumen de sus vidas tirando de la ironía proporcionada por el diccionario de la RAE. «Hazmerreir. Persona que por su aspecto o conducta es objeto de diversión o burla de otros.» Y así lo androides convierten nuestras odiseas cotidianas de ir al cine, al gimnasio o hacer el amor en una voltereta cómica que siempre esconde una moraleja.

El piano de Naiel Ibarrola ilustra imágenes y sus contornos hasta empujar las peripecias con melodías que a veces reclaman más variedad. ¡ habituales travesuras en la prosodia de Esteban piden transiciones con ese puntito de engrase que se adquiere con los bolos que están por venir.

 

'Sobras completas: ¡Hazmerreir!'

Calificación: 3 estrellas

Texto e intérprete: José Luís Esteban. Música original en directo, gráfica e ilustraciones: Naiel Ibarrola. Atrezzo: José Ibarrola. Distribución: Pilar Royo.

Jueves 29 de agosto. Centro Joaquín Roncal.

Antropología para odiseas cotidianas (heraldo.es)