Microteatro en el Teatro Bicho

 

Teatro Bicho. Microteatro 17 de Enero 2026

Teatro Bicho en esta temporada está consolidando una programación quincenal de microteatro que deja constancia de un movimiento alternativo en las artes escénicas de la ciudad, además de crear una base importante de público interesado en este formato. Las tres piezas que se representaron el 17 de enero de 2026 tuvieron en común una interesante construcción de los personajes, y ese puntito de dimensión social que tan bien le viene a estas pequeñas piezas desde las que se pueden mostrar de una manera directa e inmediata parte de la complejidad contemporánea.

‘Pastillas para todo’ está escrita en esa clave de comedia que busca explotar lo cómico a través del juego escénico. El trabajo actoral de Rafa Cadena condensa dos personajes perfectamente definidos por la pantomima. Al primero lo minimiza en los gestos pero lo envalentona con las palabras para enfrentarse a un dramaturgo caprichoso que le obliga a decir palabras con las que está en desacuerdo. El segundo personaje es totalmente diferente. Sorprende la transformación del actor para que todo se convierta en acción y gestualidad, y cuando ya te tiene cogido por la comedia, el personaje se sienta, agacha la cabeza y nos lleva hasta ese imaginario que flota en el cuerpo social. España es el país de mayor consumo de ansiolíticos, hipnóticos y sedantes del mundo. Una epidemia silenciosa que avanza sin grandes aspavientos, pero de forma imparable y contundente.

La comicidad de Cadena se alimenta de la realidad para elaborarla por el filtro de un humor particular hasta conseguir que lo ridículo de la situación responda a una intención estética de estar sobre el escenario.

‘Linterna’ está organizada en torno a dos personajes y dos espacios. Esther Albalá es la locutora de radio nocturna. En la construcción de su personaje juega de una manera determinante que se encuentra sentado detrás de una mesa con micrófono, y desde ahí se aprecia una apuesta muy bien construida desde la mirada. Un reflejo inconfundible de todo lo que dice desde ese tono de voz radiofónica tan familiar para los insomnes, y como cambia de manera radical cuando no está en antena. Claudia Sancho está a su lado pero de pie y en un espacio totalmente diferente. Ella es la oyente que llama a la emisora para contar sus problemas. La construcción del personaje también parte de la voz, pero ahora es todo su cuerpo el que nos transmite inseguridad, dudas, y cuando se sienta, ¡ay! cuando se sienta advertimos el gélido aire de tragedia. Ese momento es una cumbre emocional. Estamos acostumbrados a ver la vulnerabilidad de las personas que han sufrido de acoso y aquí, en un giro de guion también se pone el foco en los acosadores. El conflicto está servido pero para eso se busca el giro humanista que nos ayude a la catarsis de la sonrisa.

La situación cómica viene determinada por el choque entre los dos personajes y como la provocación de uno significa la sorpresa para el otro. Da igual si te han acosado o eres tú el acosador, porque el conflicto que parece derivarse hacia la tragedia, en realidad esquiva ese destino para encontrar un  final feliz y terapéutico que el patio de butacas recibe con alborozo.

‘En metálico y al contado’ también cuenta con dos personajes, un técnico inmobiliario y una clienta. En este caso la construcción de los personajes parte del silencio. Rodrigo Muñoz y Blanco Royo hacen un trabajo elegante y eficaz en la gestualidad que culmina con un cruce de miradas. Todavía no se ha dicho nada y ya conocemos a los personajes mientras el tiempo se dilata incomodo en el escenario… y en el patio de butacas. Entonces llegan las primeras frases. La dirección mantiene el ritmo bajo de una situación absurda y muy bien sostenida hasta que llega el circunloquio del absurdo. Una conversación de noria que dice sin decir, que avanza sin avanzar y que modifica la condición inicial de cada personaje con nuevos y sorprendentes matices hasta aterrizar de golpe en lo peor de estos tiempos:  gentes que pagan una vivienda a tocateja como símbolo de especuladores y fondos buitres.

La mirada del espectador es la responsable de encontrar la comicidad de la pieza. La percepción irónica de las acciones clasifican a los personajes, que poco a poco experimentan una pequeña transformación. La risa acude según la situación y el chascarrillo, cuando el enfrentamiento no tiene ni pizca de gracia lo hace en silencio hasta que estalla en carcajada cuando el material cómico se hace evidente. En ese ir y venir se construye una deliciosa comedia.

 

‘Pastillas para todo’

Textoo de B. Sender y R. Cadenas. Interpretado por R. Cadena

‘Linterna’

Dramaturgia: Esther Albalá. Intérpretes: Esther Albalá y Claudia Sancho. Voz en off: Jorge Hernández. Fotografía y cartel: Laura Andrés.

‘En metálico y al contado’

Producción: Extintos Teatro. Intérpretes: Rodrigo Muñoz y Blanco Royo. Dirección y cartel:  Nashaat Conde.

Sábado 17 de enero de 2026. Teatro Bicho.

El Enjambre inaugura su escenario

 

El Enjambre inaugura su escenario

María Aladren y Louis Wells cruzaron el umbral que separaba la zona del público del escenario para continuar con la tradición norteamericana de inaugurar un nuevo espacio dedicado a las artes escénicas. El Enjambre inauguraba sus muestras un día antes de que la primavera se convirtiera en verano. Borrar esa línea imaginaria entre la realidad y la ficción es uno de los objetivos de este laboratorio para conseguir que el público sea parte activa del proceso creativo, y que el ritual de la representación sea el punto culminante de un camino que artistas y espectadores han recorrido en comunidad.

La muestra se dividió en tres partes. La primera escena era un trabajo de dirección de escena, la tres siguientes eran ejemplos prácticos del  método Meisner de interpretación, y se terminó con una lectura dramatizada.

Un fragmento de ‘Propiedad en ruinas’ de Tenessee Williams es un buen ejemplo de como el autor se mueve entre una profunda penetración psicológica de los personajes y una ambientación realista. La frontera entre ambos mundos simbolizada con los raíles del ferrocarril, y sobre ese elemento de escenografía la dirección de Alfonso Ibarra mueve a los personajes para subrayar aún más la diferencia entre Alva y su compañero de instituto. La sobriedad con la que Ángel Pablo construye su personaje, la sólida pulcritud de su actitud y sus palabras, tanto en lo intrascendente como incluso cuando expresa sus más íntimos deseos. Este trabajo es imprescindible como el perfecto contrapunto para que Inés Gómez salga victoriosa de su caminar por la peligrosa línea que separa lo hipnótico de sus expresividad de la peligrosidad de una gestualidad excesiva. La joven actriz tiene la ventaja de su mirada, sus ojos son tan vivaces que te encandilan, y desde ahí capaz de jugar con las manos nerviosas que agitan los pelos de una muñeca, la fragilidad de su cuerpo que no sabemos si sueña o baila hasta que las inflexiones de su voz nos muestra una realidad que hiela. Esa credibilidad a partir de la mirada, la voz y el gesto permite romper la cuarta pared y trasladar el sobresalto al patio de butacas. Nos mira, nos habla y nos coge por el cuello hasta perderla de vista cuando sus pasos se van por la misma vía del tren por la que vino. Y yo me quiero ir con ella para seguir observándola, para saber que es de su vida, para confirmar que la ruina que anuncia el título tan solo es la de su casa y que ella sobrevive.

La segunda parte de la muestra fueron tres piezas para mostrar los resultados prácticos del Método Meisner de representación que, muy alejado del método del Actor`S Studio donde se potenciaba la identificación autobiográfica del actor con el personaje, propone una actuación orgánica mediante ejercicios de repetición hasta encontrar una comodidad que se aleja del estudio intelectual del personaje, para prestarle el cuerpo y centrarse en la búsqueda de una autenticidad emocional con reacciones sinceras y espontáneas.

El primer acierto de este tramo tiene que ver con la selección de autores y como un buen texto permite cargar las palabras de una reacción que tenga el sabor intachable del aquí y ahora como esencia de la acción dramática.

Las tres escenas tiene en común la clara intención de construir el personaje desde el movimiento gestual que comienza en el cuerpo pero siempre termina en la expresión de la cara, desde una precisión realista que atiende a una coreografía creíble que se aproxima al exceso pero jamás lo alcanza, y así conseguir una penetración psicológica del personaje que subraya las palabras mediante lo visual.

Massimo Tendi se enfrenta el texto de Jon Robin Batz con la agitación de brazos y preocupación del rostro hasta conseguir que el lenguaje culto y elocuente penetre en el conflicto interior de su personaje. Una tensión que transmite desasosiego al espectador

Laudy Sierra y Patricia Moreto afrontan los vericuetos de la identidad en la juventud. El texto de David Weiner se recrea mediante una pasividad corporal que se rompe en la minuciosidad de la narración, y nos deja ver toda la riqueza interior de sus personajes. La energía contenida con la que Laudy Sierra nos muestra la personalidad de Gabriella, se compagina perfectamente con la fortaleza pausada con la que Patricia Moreno construye un personaje que realiza un interesante arco dramáticoenre la oscuridad de su vestuario a una mirada luminosa que va más allá del patio de butacas para crear un atmosfera envolvente que abra la puerta a la ilusión.

Andrés Pacheco condensa en su actuación todo lo que sus compañeros han apuntado con precisión. El texto de Tony Kusnher le permite cabalgar sobre la importancia de los hechos históricos y un claro posicionamiento político que se remata con la inteligencia de un toque elegante de humor. El actor conecta perfectamente la expresividad de la escena con el ritmo adecuado para que lo serio termine en comedia.

La sesión terminó con un DramaLab entorno a la obra ‘La vuelta al jamón’ de Elena Orte. La idea es hacer una lectura de la obra para que el público pueda aportar consideraciones en torno a como se ha sentido durante la escucha, una especia de lluvia de ideas para que la autora las tome en consideración, o no, y así que la fase de escritura se alimente de miradas externas para enriquecer su contenido y expresividad. Detrás de los atriles las actrices Elena Donoso, Marta Jiménez y Blanca Royo incorporaron las primeras pinceladas a los personajes mediante las inflexiones de sus voces y un principio de gestualidad. Y permítanme una confesión personal porque me alegré mucho al volver a ver a Blanca Royo sobre el escenario, y comprobar que las buenas impresiones que me causó su trabajo vocal en  la obra de Max Aub ‘De algún tiempo a esta parte’, se confirman en otro registro totalmente diferente.

El Enjambre es un espacio nuevo con una energía especial que ya empieza a dar sus frutos, un lugar donde las artes escénicas se conciben como parte de un proceso comunitario entre profesionales y espectadores, ese remanso donde el artista puede fracasar sin miedo porque lo importante siempre es el camino, y los tropiezos tan solo son parte del proceso de innovación.

 

El Enjambre Lab. Autores: Tennessee Williams, Jon Robin Baitz, David Weiner, Kushner, Elena Orte. Al frente del proyecto: María Aladren y Louis Wells. En modo director: Alfonso Ibarra. Elenco: Inés Gómez, Ánchel Pablo, Massimo Tendi, Andres Pacheco Agudelo, Laudy Sierra, Patricia Moreto, Elena Donoso, Blanca Royo y Marta Jiménez.

Viernes 20 de Junio de 2025. El Enjambre Lab

De un tiempo a esta parte

 

El miedo será de todos

Max Aub escribió este monólogo en 1939 impulsado por la necesidad de explicar de manera directa sus reflexiones sobre el mundo que le había tocado vivir en primera persona, desde el exilio obligado por la guerra civil hasta el terror del ascenso nazi.

La acotación inicial de la obra es una declaración sobre el cambio de paradigma dramático que proponía el autor. Mientras el personaje comenzaba a hablar, el púbico asistía al desmantelamiento del tradicional decorado para una comedia burguesa de salón de principio de siglo XX, y era sustituido por un espacio pobre y austero. Se trataba de romper la ilusión teatral y centrar el interés en el mensaje.

La dirección de Rodrigo Muñoz apuesta desde el inicio por una escenografía de manta que no abriga, trapo con cubo para fregar la humillación y una silla. Estos elementos configuran un territorio escénico que representa la desolación anímica de una madre y viuda que sobrevive acompañada con recuerdos de un pasado feliz y penas imperecederas. La silla se convierte en una cárcel de donde apenas escapa para arrodillarse y a la postre soñar con la libertad.

La interpretación de Blanca Royo es un fabuloso ejercicio de filigrana que armoniza una gestualidad precisa y contenida con la mutación expresiva de su rostro, hasta conseguir una veracidad que subraya su admirable trabajo vocal. Todas estas herramientas le permiten dominar un texto complejo que se mueve entre palabras de palique para narrar la vida, datos documentales que contextualizan el relato, y la dureza emotiva del testimonio personal que también es una advertencia para estos tiempos de incertidumbre. Recuerden que los Magos de Oz ocultan a un farsante con las garras totalitarias de criminalizar al diferente como la solución mágica para salvarnos de todas las crisis.

‘De algún tiempo a esta parte’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Extintos Teatro. Autor: Max Aub. Dirección: Rodrigo Muñoz. Interpretación: Blanca Royo.

Domingo 16 de marzo de 2025. Centro Cívico La Almozara.