La primera vez que bailamos

 

Disección de una realidad múltiple

‘Mártires del Compás’ cantaban en 1998 a ritmo de sevillanas «Por el Internet tecleando tus carnes y no las toqué» Entonces era imposible imaginar el impacto de los videojuegos en la forma de comunicación. Un cuarto de siglo después los entornos virtuales conectan personas desde el punto de vista emocional hasta conseguir que vida y juego confluyan en una misma realidad.

El texto de Irene Herrero hace un uso excelente del lenguaje escénico para dar visibilidad a los jóvenes que han crecido en un entorno digital. Un grupo de avatares de la denominada «generación de cristal» está deseando cruzar la línea que separa la webcam del streaming y la vida real para poner a prueba su amistad. La acción teatral gana terreno hasta difuminar los espacios virtuales para estar chucky por los caminos del amor, besos de homie y chulear en la pista baile. La rueda de conversaciones y confesión de cada uno de los personajes empezó cuando estaban definitivamente anclados en el escenario, y mostrar la distancia sideral entre un mensaje grabado con la vocación de ser viral en las redes sociales, frente a la fuerza emocional que rompe la cuarta pared para mirar directamente a ese público que no quiere escuchar, que no quiere saber que ellos están rotos. Reclamaciones a un patio de butacas donde al menos dos personas de la «generación boomer» que estaban a mi lado fueron incapaces durante la representación de desconectar el Whatsapps.

La evidente juventud del elenco tiene el delicioso aroma del teatro amateur en primeras etapas de formación: energía en el monólogo, diálogos dispersos hasta hacer inaudibles algunas palabras, y pérdida de ritmo en las transiciones. Deberían escuchar de nuevo la tonada que inicia la representación: «Dejen de hacer para simplemente comenzar a ser»

‘La primera vez que bailamos’

Producción: Servicio de Juventud del Ayuntamiento de Zaragoza. Compañía: Proyecto Experimenta Teatro. Autoría: Irene Herrero. Dirección: Laura Contreras. Intérpretes: Ainhoa Deyaneira, Alexis Fernández, Fernando Gómez, Álvaro Hernández, Natalia Kishkina, Patricia Morato, Laura Plou, Jorge Quílez, Laudy Sierra y Adrián Torres

Martes 29 de octubre de 2024. Teatro de las Esquinas.

Proyecto Experimenta Teatro: disección de una realidad múltiple (heraldo.es)

Las criadas

 

De la crueldad a la risa

El sociólogo Durkheim afirma que los ritos distinguen entre lo profano y lo religioso, separan lo sagrado de lo colectivo y regulan las relaciones entre la existencia humana y aquello que parece sobrepasar lo humano. Esta separación permite crear un emplazamiento espacial donde ocurren las cosas sagradas. Atendiendo a estas características podemos afirmar que 'Las (1947) de Jean Genet es la teatralización de un rito. El texto comienza estableciendo la diferencia entre la habitación señora con muebles Luís XV y encajes como un lugar religioso que no se debe "profanar", mientras nos recuerda que la cocina es el espacio natural donde las criadas vierten sus "esputos"

La función de Genet comienza describiendo la geografía donde se celebrará el rito y a continuación desvela el motor de la trama. El deseo de venganza Clara y Solange Lemercier. Las hermanas son criadas de una dama de la alta burguesía francesa que por las noches realizan una ceremonia ritual para asesinarla. En realidad quieren saciar un deseo de venganza que nunca va más allá de la ficción. Clara es la señora y Solange es Clara hasta que se estrellan con la realidad de la insatisfacción y el cabreo.

Genet suministra la información para acceder a este marco narrativo mediante el lenguaje oral, mientras que la propuesta de Companhia Do Chapitô apuesta por un teatro esencialmente visual que lleva la función a otro nivel interpretativo y así, mientras el autor francés inicia una peripecia hacia la tragedia, la compañía portuguesa hace hincapié en la repetición del ritual con el que se inicia la obra hasta llegar a un lugar similar.

La concepción absurda de las interpretaciones nos obliga a aceptar un nuevo universo donde priman el gesto, la expresión corporal y una pantomima asociada a unas pocas palabras y sonidos como elementos que buscan la Sonrisa cómplice. El deterioro de los elementos dramáticos provoca la desesperación de las protagonistas, mientras el espectador se debate entre reírse o apenarse por la situación a la que se ven abocadas. En el fondo se trata de subvertir la obra de Genet para alejarla lo máximo posible de un estilo que buscaba mostrar la crueldad y la maldad que forma parte de la sociedad, y centrar la acción dramática en el uso de la comedia física hasta no dejar lugar a dudas. Las torpezas de los actores, los mamporros y las cachetadas son la puerta abierta para que entre la diversión.

'Las criadas'

Creación colectiva de Companhia Do Chapitô a partir de la obra de Jean Genet. Dirección: Susana Nunes y Cláudia Nóvoa. Interpretación: Paulo Quedas, Susana Nunes y Tiago Viegas. Música y Diseño Gráfico: Silvio Rosado. Diseño de luz: Nuno Patinho. Dirección de Producción: Tánia Melo Rodrigues. Distribución: César Arias – Marmóre.

Jueves 26 de septiembre. Teatro Olimpia de Huesca.

Testigo de Cargo

 

Una función al servicio de la palabra

Cuando te enfrentas a una obra literaria de Agatha Christie ya sabes lo que vas a encontrar. Elementos de suspenso al servicio de personajes memorables que no son lo que parecen, y una trama intrincada repleta de giros inesperados que a veces son el fruto de ese truquito de incorporar elementos a la intriga que el espectador desconoce, con la finalidad de conducir la peripecia hacia donde le interesa a la autora para cerrar con un final sorprendente. 'Testigo de cargo' cumple con todos esos requisitos hasta ubicarla en los terrenos de una comedia de situación, donde la charla del salón burgués se ha transformado en una comedia policial en la que se va a juzgar a un sospechoso de asesinato, y donde priman el relato de los testigos, la verborrea característica del duelo entre la acusación del fiscal y el más listo de los abogados defensores.

La versión de Roberto Santiago se abona al relato corto original para pasar de puntillas sobre la acción, y dejar que toda la responsabilidad del devenir dramático recale en la capacidad verbal. Tanto es así que hasta la acciones narradas en las acotaciones que inician cada uno de los tres actos, en lugar de ejecutarse, se visualizan mediante palabras proyectadas sobre la pantalla que ocupa el fondo del escenario, y que también se utiliza como decorado para ambientar los espacios y mostrar los retratos de los protagonistas con láminas dibujadas a carboncillo.

La dirección de Fernando Bernués consigue imprimir buen ritmo al esgrima oral del que hacen gala los actores, con la virtud de situar en su justa medida el tono de cada una de las réplicas. Desde el giro necesario para que funcionen las pinceladas de humor, y sobre todo cuando el devenir de la historia les obliga a reiterar acontecimientos de una función al servicio de la palabra.

'Testigo de cargo'

3 Estrellas

Producción: Octubre, Tanttaka Teatroa, Bitó. Autora: Agatha Christie. Versión: Roberto Santiago. Dirección: Fernando Bernués. Reparto: Fernando Guillén Cuervo, Isabelle Stoffel, Bruno Ciordia, José Luís Esteban, María Zabala, Markos Marín, Borja Maestre y Nerea Mazo.

Miércoles 23 de octubre de 2024. Teatro Principal

'Testigo de cargo': Una función al servicio de la palabra (heraldo.es)

El viaje de Greta

 

Musical para un laberinto

El arqueólogo Marcos Méndez establece dos tipos de laberintos: los de una vía única sin encrucijadas donde el recorrido es de punta a rabo hasta llegar al centro, y los perdederos con múltiples caminos posibles que te pueden llevar al exterior o a un callejón sin salida.

Si Teseo penetró en el laberinto con el objetivo de matar al minotauro, y la seguridad de regresar gracias al hilo de Ariadna, ‘El viaje de Greta’ nos muestra un reto mucho más difícil porque ella es la que vive en medio del laberinto de desconocer cuál es su identidad. El pistoletazo de salida para escapar de esa incertidumbre es la irresistible necesidad de encontrar a su verdadera familia mediante un itinerario tan predecible como las vías de un tren. Sin embargo el viaje la llevará por personajes y lugares inesperados, hasta situarla ante la disyuntiva de elegir su propio y particular camino. Una decisión importante porque es el momento de elegir entre desvelar el embrollo de su vida o empezar a vivirla.

Afortunadamente el subrayado didáctico de la función es superado por la eficacia de una narrativa que utilizan todos los elementos propios del teatro. La puesta en escena se construye con video proyecciones y efectos sobre el escenario puestos al servicio de la peripecia que, sustentada en la perfecta sincronía de libreto y partitura, desarrolla una aventura que avanza gracias al tiki taka entre palabras con golpes de humor y momentos emotivos, y unas melodías que van desde el sabor clásico a musical hasta el descacharrante rocanrol del error, o la sabrosura caribeña del azúcar.

El elenco tiene energía de sobra para conseguir  una montaña rusa de coloridos personajes muy bien perfilados, entre los que destacan la calidez del actor para contar un cuento y las canciones interpretadas por las actrices.

‘El viaje de Greta’

Calificación: 4 estrellas

Producción: Off Compañía. Dirección y autoría: Mamen Mengó y Víctor Lucas. Dirección musical y composición: Víctor Lucas. Intérpretes: Alba Vela, Yeray Varo, Ilu Pérez. Escenografía Dora Piles. Coreografía: Toñi B. Forascepi. Video: Patricia Sánchez, Yeray Varo y José Luís Cardo.

Sábado 19 de octubre de 2024. Teatro Arbolé.

Musical para un laberinto (heraldo.es)

Yo sí hablaré de ti

 

Un grito por la lucha de los derechos LGTBIQ+

El gobernador ultraconservador Ron DeSantis aprobó la ley HB 1069 con la que abría una cruzada en el Estado de Florida contra determinados libros en las escuelas. Las noticias se centraban en la purga de las novelas de Stephen King, pero lo cierto es que la censura estaba orientada para eliminar las obras que se considerasen obscenas, mientras algunos profesores defendían la necesidad de que los estudiantes tengan acceso a libros que reflejen una Amplia gama de experiencias humanas para aprender y crecer.

La escritora Lucía Lijmaer nos recuerda como la organización literaria 'Pen America' emitió un comunicado en el que destacaban que la mayoría de los libros eliminados son lo que "hablan sobre identidades LGBTQ+, que incluyen personas negras, que hablan sobre raza y racismo y representaciones de experiencias sexuales en su interpretación más amplia", y concluye "La mayoría de aquellos que elaboran listas de libros "peligrosos o pornográficos" intentan utilizar la ley de obscenidad y una retórica de terror social sobre la "pornografía en las escuelas" para justificar la prohibición de libros sobre violencia sexual y temas LGBTQ+. También se centran en particular en libros escritos por mujeres o personas trans"

Benja de la Rosa escribió: 'Yo sí hablaré de ti' para luchar contra la máxima de que lo que no se nombra no existe. La función pone el foco en el movimiento LGTBIQ+ con la intención de mostrar sus reivindicaciones durante el último tercio del siglo pasado como paso previo para comprender las del siglo XXI. Un largo camino de luchas contra la injusticia y la incomprensión de quienes no se identificaban con los géneros establecidos y la forma de vestir asociada a ellos.

El gran acierto de libreto es maridar la forma clásica de contar una tragedia para transformar una víctima en héroe mediante el arte y el poderío de la copla, el cabaret, y la solera de un piano en directo para darle fuste a las melodías y subrayar las emociones que desfilan por el escenario. Todo enmarcado por ese humor de lentejuelas que rompe la cuarta pared y provoca la risa justo antes de arañarte las entrañas. Un combo perfecto al servicio de la empatía para ponerte en el lugar del otro y comprender cómo utilizar términos como bujarra, trans, o ponga usted el apelativo que quiera, ese el primer peldaño para convertir a una persona en señuelo. Y sin embargo, lejos de infantilizar el mensaje, también nos cuenta que dentro de esos colectivos a los que deberíamos proteger, no se escapan al malaje, la mala picadura y cualquier atributo de la condición humana, no vaya a ser que alguien Se equivoque y tilde la función con el sambenito de buenísimo woke.

Esta potente estructura narrativa se sustenta gracias al dúo de actores y su particular entrega sobre el escenario. El papel de Anthony Senén es fundamental porque tira del hilo de la historia con oficio en los textos, impone autoridad en los números musicales y se mueve en un delicado equilibrio para no quitarle foco a la estrella indiscutible del espectáculo. Al mismo tiempo en lugar de quitarle foco a la estrella del espectáculo, a la que sostiene y empuja para que Estrella Xtravaganza muestre todo su potencial. Un trabajo caracterizado por el derroche de energía en los latidos del corazón y el sudor irreverente que brota bajo un intenso maquillaje que muestra mucho más de lo que esconde. Picarona y simpática con el público se hace querer desde el primer momento, y a partir de ahí todo lo que hace tiene el sabor dulce de la verdad escénica. Cuando se sube a los tacones nos hace soñar. Cuando regresa a la tierra pone las verdades del barquero en la boca de quienes sufren discriminación por su orientación sexual o su aspecto exterior para a continuación, en la misma frase y con la misma seriedad, quitarle hierro al asunto mediante un salto impecable Al humor.

'Yo si hablaré de ti' es una historia que se cuenta desde la Valentía y la honradez. Un formato de aparente diversión y entretenimiento con la capaciadad emocional de lanzar un contundente mensaje social. Como dice el programa de mano: Una historia personal para descubrir el significado de las Palabras amor, respeto y tolerancia. Un grito por la lucha de los derechos LGTBIQ+.

 

'Yo si hablaré de ti'

Producción: Quelart. Autor: Benja de la Rosa. Dirección: Edgar Moreno. Música original: Víctor Lucas. Intérpretes: Estrella Xtravaganza y Anthony Senén

Viernes 20 de septiembre. Teatro de las Esquinas.

Leo Bassi +70

 

El bufón radiactivo

'Leo Bassi +70' es un espectáculo que cumple con los tres requisitos básicos que le hubieran permitido acceder en calidad de bufón a la corte de los Austrias de los siglos XVI y XVII. El primero es tener un rasgo fuera de lo común. En este caso la acumulación de megatones de energía nuclear, gracias a que sus padres lo expusieron de niño a radiaciones en el desierto de Nevada y eso, como el baño de Obelix en la marmita, se nota. El segundo es que la función está exenta de actos violentos y ataques de furia. Explotar una de vaca en un plató de televisión es cosa del pasado. El tercero y Principal consiste en ser gracioso con la palabra burlesca, y en esa mercancía anda tan sobrado que da gusto oírle.

El payaso es consciente del paso de los siglos, y sabe que los monarcas pintan poco aunque sean constituciones. Ahora «el mundo está gobernado por imbéciles» y por eso «preferiría ser el bufón de Elon Musk». Mientras esperamos ese glorioso momento, Leo Bassi rinde homenaje a sus valores esenciales. A una familia que hunde sus raíces circenses a finales del siglo XIX. A los obreros que todavía se identifican como clase. Al payaso que busca permanentemente la provocación. Tres caminos para un solo objetivo: Hacer reír.

Formalmente el espectáculo se divide en dos fases separadas por un cambio de vestuario entre el pijama de un señor mayor con andador y los brillos de un payaso cara blanca. Pero la verdad es que la transición es solo aparente porque la frontera entre personajes y persona se diluye en la afirmación «Esto que digo no es texto teatral» La única diferencia radica en la mezcla de elementos para que la provocación transite de un humor blanco y entrañable, hasta que la cosa se pone seria, y la risa se transforma en la catarsis de una tragedia que apela a los poderosos.

 

'Leo Bassi +70'

Calificación: 4 estrellas

Compañía, autor, director e intérprete: Leo Bassi

Lunes 7 de octubre de 2024. Teatro Arbolé.

Acelgas con champán

 

Un viaje a la nostalgia

‘Acelgas con champagne’ se estrenó en agosto de 1969. La crítica de Pérez Fernández en ABC hablaba del éxito de una comedia sobre un tema penoso con ribetes dramáticos. El «desviacionismo sexual» de un personaje que lucha por «redimirse» sin acentuar las tintas en gesto y lenguaje en un mullido lecho de situaciones divertidas con desenlace feliz. Espectáculos Tauro ha españolizado el título de la función para superar ese pasado del que venimos, reivindicar la diversidad sexual,  maridar hortaliza con vino espumoso (si hay presupuesto), y refugiarse en un viaje a la nostalgia con aromas de café-teatro y vodevil que navega entre dos polos artísticos.

Javier López se convierte en mucho más que el coro y el acompañamiento musical para la diva. Sus dos cuerdas vocales y las seis de la guitarra son el contrapunto melódico que espera cada nueva entrada de su partenaire, mientras nos regala versiones muy personales sobre los labios de un bolero que no quieren besar, y la inagotable avalancha de metáforas sabineras que gruñen a ritmo de canta autor y rumba sobre amores cerrados por derribo, o esa pena que dura no sé cuántos días y un montón de noches.

Jesús Sesma se mete en la piel de una Drag Queen para darle palique a un repaso muy particular de mitos generacionales como Los Payasos de la Tele. Aplica golpecitos de amable bambú al público para echar pa`lla la vergüenza porque se viene coreografía de cuplé. Y se enfrenta en riguroso play-back al desgarro amoroso de una mujer insoportable entre lo peor de lo peor, o al indomable desdén de una cabaretera que dice bye bye a su amante desde lo más alto de una silla. Cuarenta y dos años de carrera para salir sin maquillaje sobre una modesta escenografía, y darse el gusto de cantar que entre dudas y risas todo lo ha hecho a su manera.

 

‘Acelgas con champán’

Calificación: 3 estrellas

Producción: Espectáculos Tauro. Dramaturgia, dirección, espacio escénico, vestuario y attrezzo: Jesús Sesma. Dirección musical, diseño de iluminación y espacio sonoro: Javier López. Intérpretes: Jesús Sesma y Javier López

Viernes 4 de octubre de 2024. Teatro de la Estación

'Acelgas con champán': Un viaje a la nostalgia (heraldo.es)

Manual básico de lengua de signos para romper corazones

 

Una comedia amable de amor y esperanza

Roberto Pérez Toledo escribió ‘Manual básico de lengua de signos para romper corazones’ porque quería dar un paso adelante, que unos personajes creados para un corto publicitario ocuparan el espacio teatral, y continuar una historia que nos habla del encuentro entre dos muchachos y un flechazo de amor.

Aunque la disposición en el escenario nos invita a pensar en una comedia de sofá, muy pronto queda en evidencia que estamos ante una comedia romántica. La peripecia nos cuenta una relación homosexual con la dosis justa de almíbar, dos comportamientos muy diferentes, las tensiones propias entre el amor y el desamor, la preocupación por la opinión del entorno familiar, y la interesante variante de los problemas de comunicación entre un sordo y un escuchante que desconoce la lengua de signos.

Los actores Carlos Soroa y Enrique Cervantes muestran con claridad el planteamiento en una relación amorosa y sus diferentes grados de intensidad emocional, desde los primeros besos hasta las primeras desavenencias y derivan en las tragedias que romperán el tablero del amor. Pero el gran acierto del texto es el uso de la ironía para mostrar como el personaje de Cervantes es capaz de construir un discurso muy potente y directo con las palabras habladas, mientras que el personaje sordo de Soroa es mucho más huidizo a la hora de mostrar sus sentimientos. Esa es la discrepancia que tensiona la relación y sin embargo, las diferencias se disuelven cuando los dos utilizan los mensajes del teléfono móvil para comunicarse con un lenguaje más pudoroso, irónico y lateral que permite un terreno de distensión y sonrisa.

Una vez establecido el marco principal de la comedia la trama avanza gracias a dos personajes nuevos. Juan Torres interpreta al típico escudero especializado en desengrasar situaciones mediante el humor, que en este caso tiene dos vertientes. Los diálogos se caracterizan por la ausencia del ritmo y la consistencia de las que se nutren las buenas réplicas. Sin embargo la comicidad gestual le funciona mucho mejor. El trabajo actoral de Enma Vallejo es el más complicado porque su personaje aparece cuando la peripecia ya cabalga a velocidad de crucero y se enfrenta a dos retos narrativos muy importantes. El primero es la dificultad de dotar de valor dramático a cuestiones que no ocurren en escena y que el público necesita saber. El segundo es componer una relación paralela a la secuencia principal. Ella que también es sorda tiene que tejer una relación de amistad con el escudero gracioso. La responsabilidad es tan grande que se echa en falta una energía más rompedora para elevar el tono de la comedia. Sin embargo, estoy seguro que ese trabajo interpretativo está directamente relacionado con que la actriz ha sido la última incorporación a un proyecto que ya estaba muy rodado.

La función se sigue perfectamente porque está sobretitulada para que todos los espectadores puedan seguir las conversaciones. Los oyentes entienden el lenguaje de signos y los sordos las palabras habladas. Sin embargo, gracias a una sinceridad que se agradece, el productor Toño Monzón confesaba en eldiario.es que se han visto obligados a realizar un planteamiento Low Cost porque la escenografía diseñada para el estreno en el Teatro María Guerrero, precisaba de una complejidad en el montaje que ellos no pueden asumir. En realidad la escenografía original también era un recurso que ayudaba a comprender el mensaje de la función. El decorado simbolizaba el laberinto en el que se encuentran los amantes homosexuales, sus dudas sobre dar a conocer su condición sexual o no hacerlo. Un maremágnum de indecisiones que se visualizaban gracias a un montón de puertas de armarios para que los personajes se escondan, se pierdan y vuelvan a encontrase una y otra vez.

Es fácil imaginar como la dinámica de la comedia entraba en una dimensión diferente con un diseño escenográfico que potenciaba los mensajes que transmite la función. La lucha de identidad, incomunicación y discapacidad contra unas barreras con las que se dan de bruces, pero también como hay que estar atento a ese momento en el que la amabilidad o el amor te abre la puerta para que ocupes su vida. Al fin y al cabo todos sabemos que una comedia romántica siempre termina con un brochazo final de optimismo, buen humor y esperanza.

 

‘Manual básico de lengua de signos para romper corazones’

Producción: Patty Brava y Factory Producciones. Autor: Roberto Pérez Toledo. Dirección y video: Edgar Córcoles. Reparto: Carlos Soroa, Enrique Cervantes, Emma Vallejo, Jonás Torres. Diseño Iluminación y Escenografía: José Antonio Royo. Música: Alejandro Ventura.

Lunes 23 de septiembre. Sala Polivalente Palacio de Congresos de Huesca.